Título: Pensionistas Duración: 75 minutos (sin intermedio) Fecha de representación: del 11 al 29 de septiembre de 2024 Lugar: Teatro Talia (Valencia) Precio: desde 15€ + GDG Crítico: La Perra Verde
El miércoles el Somier estuvo en el teatro Talia de Valencia en el estreno de la obra de teatro "Pensionistas".
La comedia estaba en mi foco de atención porque sus protagonistas son: Loreto Valverde, un icono del Telecinco badabadaba de los 90, Irma Soriano, mítica chica Hermida, y por último, Rosa Benito, un exponente de la prensa del corazón, por un lado destructiva, pero por otro lado divertida, que se ha hecho en las dos últimas décadas.
Reconozco que ver en directo a la excuñadísima de Rocío Jurado era lo que más me atraía (y más siendo que el año pasado en las fiestas de mi pueblo trajeron a su hija Chayo Mohedano a actuar), ya que así me hacía con el pack completo.
Una vez acabadas de explicar mis motivaciones, la cuales interesan a nadie, procedamos a analizar la obra.
La trama se desarrolla en una escenografía fija que recrea el salón de una casa estilo "Cuéntame", y nos presenta a tres mujeres jubiladas que, además se han quedado viudas debido... o gracias, al coronavirus.
Con un feminismo que toca temas relevantes, y bastante más ácido de lo que me podría esperar de una obra de estas características, Pensionistas narra de forma extrema y llevada al absurdo las vicisitudes que unas mujeres de otra época, con maridos "a la antigua", podrían padecer una vez que sólo han de ocuparse de sí mismas, pero sin la fuerza y vitalidad de la juventud.
Además, iremos viendo distintos momentos meta, en la que todas son referenciadas por una de sus compañeras o por sí mismas, en su alter ego de la vida real.
Los 3 personajes representan distintos arquetipos, mientras Loreto Valverde es tremendamente extravertida, Irma Soriano es una beata de pro, y Rosa Benito es la típica amargada que se pasa el día poniendo malas caras y sacando pegas a todo. Gracias a estas personalidades tan heterogéneas, se irán produciendo los choques y las distintas situaciones que las irán poniendo en diversos aprietos.
El público estuvo muy entregado y no dejó de reírse durante los 75 minutos que duraba la obra, y agradeció que, cuando hablan de X poblaciones para poner ejemplos, en un guiño, usasen pueblos de Valencia.
En cuanto a las actuaciones, contando que la única actriz y cantante de forma profesional es Loreto Valverde, he de decir que el trío cumplió perfectamente con las expectativas, y con esto, Rosa Benito suma la actuación al bagaje musical que ya adquirió cuando estuvo durante un tiempo haciendo gira con su hija Chayo (Rosario), y entra en una época tranquila en la que colabora en televisión, pero además diversifica sus fuentes de ingreso, quedando lejos estos estados de ánimo:
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Título: El Aguafiestas Duración: 80 minutos (sin intermedio) Fecha de representación: del 14 de septiembre al 1 de octubre de 2023 Lugar: Teatro Olympia (Valencia) Precio: desde 15€ + GDG Crítico: La Perra Verde
Este jueves pudimos disfrutar en el Teatro Olympia de Valencia la obra de teatro "El Aguafiestas".
Protagonizada por Josema Yuste y el reportero total Santiago Urrialde, adapta una obra del autor francés Francis Veber, muy conocido por crear otras comedias como "La cena de los idiotas", que también pudimos ver hace siete años aquí, protagonizada por Josema Yuste (pero esta vez acompañado de Chikilicuatre David Fernández y Felisuco). Se hicieron muy famosas en su momento las películas "Que te calles" y "Salir del armario", coincidiendo con un excelente estado del cine francés y británico fuera de sus fronteras. Muchos años antes dirigió en EEUU "Tres fugitivos", un remake de su propia película como hizo hace unos años Michael Haneke con "Funny games".
La comedia es un traje a medida para Josema, que se encuentra totalmente en su salsa interpretando este tipo de productos en los que hay una persona seria o sensata (asumiendo él este rol) que se las tiene que ver con alguien muy inocente, bobalicón e irritante.
De hecho, pese a que "Taxi", otra adaptación que hizo Josema en 2015 era del autor británico Ray Cooney, la estructura de la misma es muy similar a la mayoría de las mencionadas.
Entrando ya a analizar la obra, cuando entramos nos recibe una escenografía fija. Dos habitaciones de hotel anexas albergarán toda la acción.
6 actores irán desarrollando esta alocada comedia de enredos, en la que el personaje de Santiago Urrialde conseguirá poner a prueba y superar con creces al férreo control ejercido por el personaje de Josema Yuste.
Sergei (Josema Yuste) es un asesino a sueldo que se hospeda en un hotel, para poder cumplir con su rifle desde la ventana, uno de sus 'encargos'. Pero su tarea se verá constantemente interrumpida por Ramón (Santiago Urrialde), el huésped de la habitación contigua. Un hombre muy, pero que muy pesado, que pretende suicidarse después de que su mujer le ha abandonado
Josema hace gala de sus ademanes martesytrecerianos, y entre todos consiguen arrancar constantemente las risas de los asistentes. Reconozco que, quizá porque ya estoy un poco curtida y tenía sensación de déjà vu, me reí menos que en otras ocasiones, pero viendo que mi sacrosanta madre se lo pasó pirata y un chico joven que se sentó a mi vera e iba solo, tampoco dejó de reírse, entiendo que es más cosa mía que de la obra en sí.
En definitiva, si te gusta el humor de Josema y si te gustan las películas antes mencionadas, sin duda disfrutaras de casi hora y media de risas ininterrumpidas.
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Título: El guardaespaldas, el musical Duración: 125 minutos (+ intermedio) Fecha de representación: del 18 de noviembre al 11 de diciembre de 2022 Lugar: Teatro Olympia (Valencia) Precio: desde 24€ + GDG Crítico: La Perra Verde
Este domingo pudimos ver en el teatro Olympia de Valencia "El guardaespaldas, el musical". Si tuviéramos que sintetizar toda la representación en una sola palabra, sin duda ésta sería "potencia", LETSGO nos trae un producto realmente potente.
Hacía mucho que no veía tal poderío en escena, y más en una obra que en principio no parecía que exigiese según qué clase de efectos visuales y de estrategias efectistas.
Pero antes de seguir con la crítica lo propio es crear un pequeño contexto sobre la temática de la misma. Si tienes unos "taitantos" (copy right de Lina Morgan) como yo, es básicamente imposible que no conozcas la película "El guardaespaldas", independientemente de que la hayas visto o no. No conocer esta película, Pretty Woman o Dirty Dancing vendría a equivaler a haberse criado con los amish o en un refugio nuclear. Pero por si acaso no la recuerdas o ya eres del 2000 y tus padres no se han encargado de criarte como Dios manda poniéndotela, te contaré brevemente la sinopsis.
Rachel Marron (Whitney Houston) es una famosa cantante y actriz que empieza a ser acosada por un perturbado mental. En su vida aparecerá el guardaespaldas Frank Farmer (Kevin Costner).
La película hizo una taquilla espectacular, se convirtió en un clásico de los 90 y además su banda sonora original se posicionó como la más vendida de todos los tiempos, compartiendo lugar con grandes éxitos como Fiebre del sábado noche, Dirty dancing o Grease.
Supuso el salto definitivo al estrellato de Whitney, la cual por desgracia subió mucho y ya sabemos cómo acabo cayendo. Por su lado, Kevin Costner ya estaba consolidado y tuvo unos cuantos años más de fama y gloria, pero los 2000 le sentaron muy mal, aunque en los últimos tiempos se ha vuelto a reivindicar.
La pareja no podía ser más guapa y carismática, así que el elenco que adapta la obra en España tiene el listón muy alto, tiene que competir con la nostalgia y contra artistas con mucho talento, porque la BSO (las fabulosas ventas, las 2 nominaciones a los Oscar conseguidas y 3 Grammy ganados) no fue producto de la suerte sino del gran talento de una Whitney en su mejor momento y del pródigo y prestigioso compositor Alan Silvestri.
Y ahora nos teletransportamos al presente y continuamos analizando la obra.
Luces láser en 3D, luces de neón, fuegos artificiales, cañones de vapor, plataformas elevadoras... mencionando estos elementos parece que estamos hablando de El circo del Sol o cuanto menos de un Cabaret de los que se han popularizado en los últimos años, pero no, todos estos recursos irán siendo usados a los largo de la representación, creando así un ambiente dinámico y orgánico.
La escenografía está plagada de elementos móviles y además nos sorprende con la construcción de un suelo ad hoc. En vez del plano habitual, han montado uno que se empieza a elevar desde la mitad en un ángulo de unos 15º aproximadamente. Entiendo que es un truco para crear una perspectiva y que así parezca que el escenario es más grande, ya que la trama transcurre en una mansión, en un local de karaoke, en la gala de los Oscar... en definitiva, en sitios espaciosos donde hay que dar la sensación de amplitud o de que hay varios ambientes, el de la trama en primer plano y la que va sucediendo por detrás o paralelamente.
Antes he mencionado que la obra era muy dinámica y orgánica por los recursos en cuanto a ambientación, pero también ayuda mucho a esto los rápidos cambios de vestuario (con lo que consiguen que las transiciones entre escenas sean muy breves) y que incluso alguna vez parte del elenco esté entre el público.
Y lo que más mandanga puede tener para quien está leyéndome y aún no haya decidido si comprar o no su entrada: "¿Están las capacidades vocálicas de las actrices al nivel de sus predecesoras?". Pues sinceramente, he de decir que el casting ha sido de lo más acertado, tanto la actriz que hace de Rachel (Mireia Mambo) como la que hace de su hermana Nicky (María Jaraiz) tienen unas voces brutales y las interpretaciones de las canciones son de lo más sentidas, así que la gente no tendrá que estar comparando y se podrá dedicar a disfrutar.
Acabando con el apartado técnico, me gustaría mencionar el uso de un leitmotiv cuando aparece el acosador, un recurso muy audiovisual (focalizado en cine y series) que me parece muy acertado y novedoso en este ámbito.
Peeeeeeero, no todo podía ser positivo ¿Qué somos? ¿Mr Wonderful? y es que hay una cosa que creo que es muy importante que diga a mis lectores (o sea, a ti y al otro), y es que NO es un musical, de la misma manera que la película no lo era (podéis mirar filmaffinity y otras webs de fichas de cine), esta adaptación tampoco ha sido arreglada para ello, sino que es como el film tal cual. Hay una gran diferencia entre una película musical y una película en la que la música está muy presente, como es el caso. Grease o Los miserables son musicales porque el elenco interactúa entre ellos o tiene soliloquios cantando, mientras que Fiebre del sábado noche o El guardaespaldas son películas en las que la música es parte fundamental e incluso el eje de la trama, pero ya. LetsGo podría haber hecho arreglos para que sí fuese un musical como en su momento hizo con Ghost o La familia Addams, pero por H o por B han decidido no apostar por esa fórmula, así que sinceramente no entiendo a qué viene poner como subtitulo algo que a todas luces no es así (no esperes ver a Octavi Pujades cantar a pleno pulmón). Me parece fundamental comentarlo ya que, pese a ser una obra de teatro muy buena y que recomiendo totalmente, si vas a ver un musical porque eres fans de los mismos como yo, puede que te sientas engañado y salgas enfadado y sin haber disfrutado de todas las virtudes que tiene la producción.
Y con esto ya finalizo, recomendando muy encarecidamente esta OBRA DE TEATRO que adapta la película del guardaespaldas, porque seguro que la vas a disfrutar enormemente.
Título: La función que sale mal Duración: 100 minutos (sin intermedio) Fecha de representación: del 16 de diciembre al 30 de enero de 2022 Lugar: Teatro Olympia (Valencia) Precio: desde 20€ + GDG Crítico: La Perra Verde
El jueves el Somier tuvo la oportunidad de ver en el teatro Olympia de Valencia la maravillosa obra de teatro "La función que sale mal". Íbamos con bastantes expectativas, ya que hace poco vimos una adaptación británica a TV (The goes wrong show, 2019) en Amazon, siendo aquel formato el de pequeñas obras de unos 30 minutos cada una.
La adaptación que nos ocupa, de duración habitual (hora y cuarenta minutos sin intermedio) es la primigenia, tiene como título original "The play that goes wrong" (2012) y fue premiada en 2015 con el premio Lawrence Olivier.
En esta ocasión basaré toda mi crítica en los aspectos técnicos, ya que cualquier cosa que diga podría estropear los descacharrantes, desopilantes y desternillantes gags (festival del sinónimo).
La producción es un reloj suizo, una obra de ingeniería donde cada engranaje encaja a la perfección (bajo serio riesgo de lesión en caso contrario). Todo está medido al milímetro para que sea "perfectamente" desastroso.
Primero nos recibe el escenario ya con el telón abierto, en el que veremos un decorado fijo con elementos móviles y "altamente versátiles". Los actores hacen una previa actuando ya entre el público antes de empezar para ir creando el ambiente, y hasta un afortunado (o no, depende de tu timidez) será subido a las tablas en esos momentos anteriores para hacer un gag ¿serás tú el elegido?
Y una vez empezada la obra, empiezan las dificultades para los aguerridos intérpretes. A parte de lo complicado de estar actuando mientras los otros actores gritan, se caen (a tu alrededor o encima de ti) y destrozan el escenario, la obra les obliga a usar un maniqueísmo extremo, y deben pasarse todo el rato declamando con una gran pasión y sobreactuación, manteniéndose constantemente muy arriba en el tono usado, cosa que debe resultar francamente agotadora.
Toda esta complejidad es llevaba con una gran fluidez, de manera que el espectador en ningún momento de la frenética representación nota el esfuerzo realizado o ve un parón en el dinamismo. Simplemente, el espectador se dedica a reír hasta que le duele la mandíbula y le asoman las lágrimas por el rabillo del ojo.
Personalmente hacía mucho que no me reía tan a gusto, probablemente desde que vi la adaptación antes mencionada. De hecho, más mérito aún ha tenido la versión teatral, ya que es más larga (dura más que 3 capítulos televisivos, tanto gag podría llegar a resultar abrumador o repetitivo) y además yo ya sabía qué iba a ver en mayor o menor medida. Así que, aun con estos 2 factores en contra, la producción me ha parecido igual de divertida que la ya vista, y los gags, pese a todo, sorprendentes y terriblemente creativos.
Una obra que puede gustar a toda la familia (ideal para estas Navidades) y que con toda probabilidad te hará reír a carcajada limpia. De hecho, me reí tanto y tuve que estar tan pendiente de todo lo que pasaba a lo ancho y alto del escenario (y fuera de él a la vez), que salí hasta cansada (truco de regalo: intentad no comprar butacas muy laterales y menos de palco, porque hay muchos gags que os perderéis por completo).
En definitiva, una gozada sin medias tintas.
PD: 1º batallita añeja a lo Sophia Petrillo. Hay varios actores reconocibles televisivamente. Hace muchos años me hice una foto con César Camino, el cual en esa época interpretaba a "El Moñas" en Agitación +IVA. Seguro que le hizo una ilusión tremenda mi amiga y yo le asaltásemos al argumento de "¡ERES EL MOÑAS!" (o similar) en un concierto en el que estaba divirtiéndose con sus amigos y que no pensó que éramos unas pesadas de tres mil pares (la foto se perdió en alguna de las varias catástrofes que han sufrido mis discos duros).
2º señor Héctor Carballo ¿es usted El Destino de los anuncios de la Primitiva? ¿es lo? es que lo quería comprobar pero no he encontrado nada en su currículum ni en la ficha técnica del anuncio más que una leve referencia en un vídeo ¿debería borrar esto? ¿Es mi agente de la CIA al que estoy oyendo tocar la puerta?
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Título: Dirty dancing Duración: 120 minutos + 20 de intermedio aprox Fecha de representación: del 27 de febrero al 22 de marzo de 2020 Lugar: Teatro Olympia Precio: desde 26€ + GDG Crítico: La Perra Verde
Después de haber estado en Valencia hace casi 2 años, vuelve el espectáculo "Dirty dancing" a la ciudad. Esta vez trasladando su emplazamiento del Reina Sofía al Teatro Olympia.
Lo primero, y como se puede intuir por el título con el que gira, a diferencia de "Flashdance, el musical" lo que aquí veremos es una obra de teatro con números musicales, lo que viene a ser la película en sí, pero con algunos números nuevos creados ad hoc para aumentar la presencia de bailarines y cantantes en escena, y hacer la obra más entretenida y amena.
Mediante una gran escenografía móvil que ocupa casi todo el escenario reproduciendo el hotel, otra más pequeña para la cabaña de huéspedes y varias transportables, recrean los emplazamientos más representativos del film.
Gracias a un juego de telas semitransparentes solventan distintas situaciones insalvables de otra manera, como por ejemplo la presencia de lluvia frente a ellos, y no detrás, como sucedería con una pared led. También consiguen resolver con mucho atino la escena del lago usando estos trucos.
Para que la obra sea más entretenida, a parte de crear nuevos números musicales, como comentaba anteriormente, han echado mano de lo que llamo la "linamorganización" de personajes. Si bien la hermana ya era risible en la película, aquí han hecho a Baby considerablemente más torpe y gestuda de lo que su homóloga resultaba. Con unas caras de "¡Ay, omá! que guapo el mozo, aunque no tenga tierras", las piernas más bien patizambas y una actitud de persona más simple y menos tímida respecto a la que se le presupone, Baby es transformada en un personaje más divertido y entrañable, que consigue arrancar continuas risas en los espectadores, llevando por este motivo más el peso de la trama que sus compañeros, que conservan unas personalidades más similares a las conocidas.
Un detalle que me ha gustado es la presencia de personajes interpretados por actores acorde a la edad que se supone que tienen, y no por gente maquillada y con pelucas. A destacar que, sin mirar el libreto reconocí a Paco Morales, un actor al que le había perdido la pista (si no trabajas en una TV nacional parece que ya no existes) y que he de reconocer que [modo Sofía Petrillo] era uno de mis amores platónicos de adolescencia, sobre todo cuando presentaba el karaoke en Telecinco (me siento ahora mismo más vieja que un árbol). [/modo Sofía Petrillo]
En cuanto al cásting, no puedo decir mucho dado que hay 3 posibles personas que pueden interpretar cada papel principal dependiendo de las necesidades de la producción, e incluso hay actrices y actores que pueden llegar a interpretar varios personajes distintos (no en la misma función) dependiendo del día.
Lo que sí me gustaría reseñar es que sería interesante cuidar más la vocalización. A veces, cuando los diálogos eran muy intensos y se decían rápido (una discusión, o un momento muy motivado del personaje) resultaba un tanto costoso entender el texto. Quizá es algo propio de las nuevas generaciones como Mario Casas (¿nuevas generaciones? matadme ya, por favor) pero hay que poner más mimo en esa faceta.
En conclusión, el espectáculo recrea fielmente la película y añade bastante humor. Hay alguna interactuación con el público rompiendo la cuarta pared. Es ideal para quienes nunca han visto el film, y si además eres fan declarado (como servidora), con seguridad te lo pasarás genial con esta adaptación que respeta en gran medida los diálogos originales, por lo que podrás decir con mucha solemnidad y pasión contenida a la vez que él:
Título: Fedra Duración: 95 minutos aprox (sin intermedio) Fecha de representación: desde el 28 de noviembre hasta el 9 de diciembre Lugar: Teatro Olympia Precio: desde 15€ + GDG Crítico: La Perra Verde
Fedra, originalmente, era una obra de Eurípides (428 A.C), pero, ya en su momento, el autor se vio obligado a crear 2 versiones, en la primera, Fedra era una mujer más libre de seguir sus impulsos, aunque estos fuesen casi incestuosos, pero la mala recepción del público de la época, le hicieron autocensurarse y escribir una segunda versión en la que la protagonista sufría llena de remordimientos por sus pensamientos y acciones. En la historia, los protagonistas, padecían las influencias (o casi posesiones) de los dioses griegos, de quienes adquirían sus vicios o virtudes (o a los cuales incluso pedirían favores). Después fue readaptada por el dramaturgo francés Jean Racine (1677), el cual eliminó esas influencias sobrehumanas, y se centró en la historia.
A día de hoy, ha sido reinterpretada por el dramaturgo Paco Bezerra, el cual ha cambiado la trama, eliminando 2 personajes importantes de la misma (una humana que formaría parte de un triángulo amoroso, y un dios), para crear una obra más minimalista y costumbrista, ya que al no haber excesivo número de personajes que influyan en los sucesos, ni dioses a quienes achacar los vicios y pasiones que embargan a los protagonistas, todas las acciones recaen sobre ellos mismos.
Según las palabras de Paco Bezerra y el director Luis Luque Cabrera: "Nos gusta pensar que hemos rescatado se primer texto perdido de Eurípides, con esa Fedra ardiente, inmoral y rechazada por el público del momento, creando así una nueva mujer más combativa y con menos miedo; una Fedra exenta de culpa, capaz de luchar por lo que siente y que, ante todo, se atreve peligrosamente a amar."
Lolita, Paco Bezerra y Luis Luque Cabrera. Foto extraída de Info.Valladolid.es
Entrado ya a analizar la obra, empezaré por la escenografía. Nos encontramos con un decorado fijo que mediante videoproyecciones, nos hará pasar de la alcoba de Fedra a una cueva del bosque, o, de manera alegórica, gracias a las videoproyecciones y el apoyo sonoro, nos recreará situaciones concretas que se suceden, y que se saben llenas de acción, sin tener que mover nada ni un milímetro.
Tanto las videoproyecciones, como el apoyo sonoro, que no solo sirve para crear situaciones dinámicas, sino que también está casi constantemente de fondo, para crear una atmósfera de tensión y opresión (por los sentimientos reprimidos y la situación que se está creando), originan una serie de performances abstractas, alegóricas y con mensajes implícitos, muy del estilo "ARCO".
Continuaré con los actores. Protagonizada por Lolita, antes de hablar de ella, os quiero contar una conclusión que me resulta de lo más divertida. Esta conclusión es el haber comprobado de forma empírica el como los arreglos a una obra, la pueden transformar totalmente. Bien sea en la música, cogiendo una canción pop o rock famosa y haciéndole unos arreglos intimistas, para que suene así en el programa de Bertín Osborne, o bien como en este caso.
Hace unos meses ya vi a Lolita en el teatro, en este caso (Prefiero que seamos amigos) era una comedia de enredos en la que ella estaba enamorada de su mejor amigo, el cual no la correspondía... Aquí es una mujer enamorada (o al menos obsesionada) con su hijastro el cual ¿la corresponderá, o no? (eso ya deberán comprobarlo ustedes).
Como se puede apreciar, ambos argumentos se podrían coger de la mano, sin embargo, los arreglos que se le hace a cada obra, harán que una pase a ser, como ya he mencionado, una comedia de enredos muy "linamorguesca", y la segunda, un dramón.
Y ahora sí, volviendo a Lolita, reseñaré que hace un gran papel, y quiero reivindicar su valía como actriz, tanto de teatro y televisión, como de cine, medio que por H o por B, después de darle un Goya a la actriz revelación, le ha dado injustamente la espalda.
Le acompañan en escena el actor Juan Fernández (Amar es para siempre, La casa de papel, Víctor Ros o Tierra de Lobos, entre otros muchísimos papeles) como Teseo, Críspulo Cabezas (al que conocimos en la película Barrio, y comparte con Juan Fernández apariciones en Victor Ros o Amar es para siempre, por ejemplo) como Hipólito, Eneko Sagardoy (actor vasco que a nivel nacional hemos podido ver en las películas La higuera de los bastardos, Handia o Errementari) como Acamante, y la incombustible y veterana actriz, Tina Sáinz (insértense aquí decenas de papeles), haciendo de la criada Enone. Todos ellos bordando su papel, y creando la necesaria atmósfera de secretismo, connivencia, amargura, represión, traición y dolor.
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Título: Grandes éxitos Duración: 100 minutos aprox (sin intermedio) Fecha de representación: 29 de agosto al 2 de septiembre de 2018 Lugar: Teatro Olympia Precio: desde 25€ + GDG Crítico: La Perra Verde
Después de leerme su libro y ver el espectáculo que lo adaptaba, estaba claro que iría a ver el nuevo show del controvertido Jorge Javier Vázquez. Y es que, si lleváis un tiempo rondando por el Somier, sabréis que YO (exclusivamente) soy muy de la caspa y lo cañí, una futura señora en pijama espatarrada en su sofá, que ve Sálvame (o su equivalente en 2050) y le dice a la tele "si es que no sé para qué te fías, con lo montajista que es desde siempre...".
En las puertas del teatro pudimos ver a 2 clásicos de la escena española. El mítico actor/cantante/humorista/presentador/yloquesetercie, Fernando Esteso, y la explosiva vedette castellonense, Rosita Amores, los cuales no dudaron en hacerse fotos con quienes se lo pidieron.
Y entrando en materia, vamos a desgranar el espectáculo.
De nuevo, nos encontramos a Jorge Javier haciendo de sí mismo.
De una forma muy irónica, sarcástica y mordaz, no duda en reírse de algunos de los tropezones que ha tenido en su carrera (su criticada labor presentando la edición de anónimos de Gran hermano), o rememorar con sorna que más de una vez, él mismo ha sido la noticia. Además, nos muestra y exagera su peor cara, la de divo deseoso de fama y aplausos.
El espectáculo es una obra humorística de teatro en la que está muy presente la música. Y de nuevo, JJ incluye una de sus canciones fetiches, ya usada en "Iba en serio", la francesa "La mer":
A lo largo de la representación no dejarán de sucederse los clásicos guiños hacia la ciudad en la que se está, y decenas de referencias a personajes del corazón o cantantes de toda la vida, que serán fácilmente entendidos y aplaudidos por el público. Además de producirse varias interactuaciones directas con el mismo.
La historia nos muestra a un JJ peleado con "Ella". Iremos averiguando quién es y el motivo de su enfado a lo largo del primer tercio de la obra, y cuando por fin ambos egos estén cara a cara, veremos crecer la importancia de la música, ya que en muchas ocasiones usarán los temas para mandarse indirectas muy directas, o para hacer una suerte de dúo que se pelea, a lo Pimpinela o Juanito Valderrama y Dolores Abril.
En esta ocasión, a diferencia de "Iba en serio", la escenografía es estática y más sencilla, ya que toda la trama se desarrolla en el mismo lugar, siendo los actores los que desaparecen de escena para dejar lugar a que se sucedan conversaciones privadas entre los distintos actores, o incluso la aparición de analepsis o escenas retrospectivas (nota sincera: buscando si flashback se escribía junto o separado, me he encontrado estas nomenclaturas, que, una por culta y la otra por ayudar a evitar el uso, a veces abusivo, de anglicismos, no podía dejar de usar).
A destacar, el juego de luces, sobre todo en la primera canción que se produce, y los arreglos de los temas tocados. Podremos sorprendernos con arreglos que transforman canciones infantiles en sensuales temas, hasta el escuchar la misma canción (exclusiva para la obra) en versión lenta y emotiva, y posteriormente rápida y alegre.
JJ nos presenta una obra autoconsciente, que lejos de intentar maquillar y limpiar su imagen, se ríe y explota el tópico. De nuevo, sin ser merecedor de un premio Max de teatro, JJ demuestra ser una persona solvente a nivel artístico, tanto actuando, como cantando (siendo, al menos para mí, mejor en lo primero que en lo segundo), y también demuestra ser alguien con visión, que ha dado con la tecla de encontrar lo que le gusta a su público, que le busca a él, con lo bueno y lo malo, pero siempre rodeado de humor.
El resto del elenco vocal, compuesto por 3 personas más, es de gran calidad, siendo la sorpresa precisamente quien menos va a cantar, pero eso, ya lo descubrirán ustedes si acuden a la obra.
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Título: Prefiero que seamos amigos Duración: 110 minutos (sin intermedio) Fecha de representación: 14 de febrero al 4 de marzo de 2018 Lugar: Teatre Talia Precio: desde 16€ + GDG Crítico: La Perra Verde
Protagonizada por Lolita (sobran presentaciones) y Luis Mottola (Es por tu bien) "Prefiero que seamos amigos" es una obra de teatro adaptada del texto del escritor, productor y cómico francés Laurent Ruquier.
El argumento es un clásico en las relaciones amorosas, el típico "soy tu mejor amigo-a pero estoy enamorado-a de ti", en este caso, Lolita será nuestra pagafantas de manual, que intentará mediante técnicas "linamorganescas" declararse a su mejor amigo, Valentín (casualidades de la vida, el estreno de la obra en Valencia ha sido el 14 de febrero).
Por un lado la obra es muy simpática, pero por otro, refleja algo que siempre me ha parecido muy triste en este tipo de relaciones, que viene a ser el hacerse pasar por algo que no eres o esconder una parte importante de tu ser. Te haces pasar por su mejor amigo-a cuando en realidad sólo quieres una relación formal (en el mejor de los casos) mintiendo a la otra persona que te considera algo que en realidad no eres, o te inhibes como persona ocultando tus verdaderos sentimientos.
Aquí Lolita traspasa la línea del "pagafantismo" para entrar como he mencionado antes en el terreno del "linamorganesquismo" (inventar palabros es gratis), a falta de soltar un "no lo cato, no lo cato" y sacarse las orejas por fuera de un sombrero casquete, sí la vemos ponerse sexy en poses imposibles y realizar un acoso y derribo a su "mejor amigo" digno de una orden judicial de alejamiento.
Más allá del flagrante acoso visto, la historia nos habla sobre las relaciones en la mediana edad, los cambios vitales y la complicidad, todo ello bajo la óptica de la ironía y el sarcarmo.
Ambos actores (los únicos a los que veremos en escena, salvo una aparición puntual para un cambio de escenario) demuestran tener química y bordan sus respectivos roles, y con sus diálogos e interactuaciones con el público, consiguen que este último se meta de lleno en la historia y aplaudan todos los chascarrillos respecto a la actualidad y las referencias a la ciudad con las que modifican ciertos diálogos. Además, por el mismo precio podremos ver a Lolita cantar en un par de ocasiones.
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Título: Faemino y Cansado ¡Quien tuvo retuvo! Duración: 100 minutos (sin intermedio) Fecha de representación: 27 al 1 de octubre de 2017 Lugar: Teatro Olympia Precio: desde 18€ + GDG Crítico: La Perra Verde
Faemino y Cansado manejan un arte a la perfección, y es el de hacer creer al espectador que está disfrutando de un espectáculo totalmente nuevo y ciertamente improvisado, cada vez que se acude a verles.
Después de 3 veces, puedo asegurar que tienen una férrea estructura narrativa, y que esas risas "que no pueden evitar" están totalmente milimetradas para crear una sensación de complicidad con el espectador y hacer que se meta aún más en la obra y en lo absurdo y abstracto que es casi siempre todo.
Con su clásica manera de contar las historias, que viene a ser empezar por la mitad o casi el final, ir dando saltos narrativos y muchas veces, no llegar a contarte nunca el principio, el dúo se reboza en ocasiones en el humor más soez y burdo para recordarnos "que ellos no lo hacen", o se ponen a estirar un gag hasta el hastío para hacernos notar que "en efecto, en la situación narrada, uno de los dos estaba resultado cargante".
En la primera mitad del espectáculo notaremos como claramente "Cansado" lleva la voz cantante, siendo "Faemino" su contrapunto, el que le da la réplica y remata los gags, sin embargo, después de un pequeño momento en el que cada uno se luce en solitario, los roles se volverán más homogéneos.
Pese a usar en los sketeches a unos personajes recurrentes a lo largo de los años como son "Arroyito y Pozuelón", el nuevo espectáculo resulta mucho más novedoso y fresco de lo que resultó "¡Como en casa ni hablar!" respecto a su antecesor "Parecido no es lo mismo", así que la gente que saliese con la sensación de que los dos anteriores espectáculos eran demasiado similares entre sí, podrá ver este con tranquilidad, ya que, como bien he dicho, tiene la misma estructura exactamente, pero sí cambia (o maquilla lo suficiente) lo contado con anterioridad.
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Título:Cabaret Duración: 160' (intermedio de 20 minutos incluido) Fecha de representación: 4 de marzo al 9 de abril Lugar: Teatro Olympia Precio:Desde 39€ Crítico: La Perra Verde
Willkommen al Somier, porque la vida es un somier.
Queridos lectores, el ir a ver este musical me ha supuesto dos situaciones totalmente encontradas.
Primero, la de tener sobreinformación respecto a lo que iba a ver gracias a la película, a las miles de referencias o parodias que se han realizado a lo largo del tiempo, y a que hace unos años ya se estrenó en España protagonizado por Natalia Millán.
La segunda situación se ha producido al mirar el casting y ver que eran dos televisivos los que lo protagonizaban, y el no haberles oído cantar nunca. Así que por un lado fui "sabiendo lo que debía ver", pero por otro, no tenía ninguna referencia sobre "lo que podría ver".
En esta ocasión los famosos televisivos son:
-Cristina Castaño, cuyo último papel ha sido el de la psicóloga Judith Becker en la serie de Telecinco "La que se avecina".
-Alejandro Tous, el cual, incluso antes de ser conocido, tuvo que quitarse el sambenito de ser el hermano gemelo de Ángel Tous, concursante de Gran Hermano (uno de los más discretos dentro del programa y que menos ha dado que hablar a lo largo de los años) cuando protagonizó la serie de Telecinco "Yo soy Bea", adaptación española de la exitosa telenovela colombiana "Betty la fea".
Pero antes de hablar de las voces, empecemos a desgranar el musical en sí.
Nada más entrar nos recibe un luminoso con el texto "Kit Kat Klub - Willkommen" y nos empieza a imbuir el espíritu cabaretero "Emcee" (el maestro de ceremonias del club) que protagoniza todas la transiciones, y que si no fuera porque apenas comparte un par de momentos con la protagonista, siendo sus demás apariciones entre abstractas y descontextualizadas, resultaría el típico personaje robaescenas.
Sus aportaciones siempre nos transportarán a la transgresión, acidez y erotismo del cabaret, y nos deja claro que es un personaje ideado para gustar, para ser protagonista en su propio microsistema.
A diferencia de Mamma Mia (último musical al que acudí), Cabaret tiene diversas escenografías. Nos trasladaremos a la pensión donde se aloja el protagonista, viajaremos con él en tren, iremos al Kit Kat Klub para poder disfrutar de la actuación de la protagonista, e incluso les acompañaremos a hacer la compra a la frutería del barrio, entre otros emplazamientos.
Como he comentado, la mayoría de transiciones eran descontextualizadas, así que podían sucederse en el cabaret o en una simple escalera de caracol que unas veces estaba en el cabaret y otras "vaya usted a saber dónde y en qué momento".
Y ya por fin, entrando en los protagonistas, nos encontramos con Cliff (Alejandro Tous) y Sally (Cristina Castaño) que cantan... sorprendentemente bien. Alejandro no tiene tanta oportunidad para lucirse, pero Cristina está realmente espectacular, mostrando una voz potente, afinada y con matices, que sinceramente no me esperaba para nada. Por su tono al hablar, no imaginaba que pudiera alcanzar notas graves, y menos altas, así que fue una grata sorpresa descubrir que afortunadamente estaba equivocada.
El musical mezcla la diversión más gamberra y casposa del cabaret con la comedia dramática, el drama, y coronando la obra, nos despide un final breve pero muy efectista e impactante.
El espectáculo se pasa en un suspiro, y musical y vocalmente por parte de todo el elenco resulta un gran show que os recomiendo.
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Título: Tricicle - HITS Reparto: Carles Sans, Paco Mir y Joan Gràcia. Duración: 80 minutos (no hay intermedio) Fecha de representación: 19 de octubre al 27 de noviembre Lugar: Teatro Olympia - Valencia Precio:Desde 25€ Crítico: La Perra Verde
Cuando vas a ver un espectáculo recopilatorio, o sea, ir a ver X cosas que llevan representando desde hace años, es porque sabes que lo que vas a ver, te ha gustado, y pese a no ser novedoso, volverá a conseguir emocionarte, hacerte reír, o crearte la sensación que se presupone inherente al tono del show. Y esto es lo que pasa aquí, Tricicle son, aparte de los únicos mimos que no dan repelús, un clásico con el que varias generaciones hemos crecido, tanto con sus apariciones el televisiones generalistas, como los que vivimos en la Comunidad Valenciana o Cataluña, en TV3.
Quizá entre los lectores de esta crítica haya personas que no sepan quienes son, o por edad no les hayan llegado a ver en TV, así que, vamos a contextualizar (aparte de dejar la crítica de Bits, su anterior trabajo).
Tricicle son un trío de actores cómicos Barcelonés (1979), que hace sus shows con mímica, usando apenas algunas palabras, tarareos o sonidos guturales y de vez en cuando, una voz en off a modo de narrador, voz de megafonía, etc.
Sus sketches suelen basarse en situaciones cotidianas llevadas al extremo y el absurdo, llegando algunos a recordar a las rocambolescas situaciones que se dan en películas del género "spoof movie" (género de parodias) como "Agárralo como puedas" o "Top secret", haciendo lo que podríamos llamar "spoof theatre", término que me acabo de inventar alegremente y no tengo la más remota idea de si existe o no.
Y ya presentados, podemos hablar de su último (literalmente) espectáculo:
12 sketches que recopilan lo que ellos han considerado lo mejor de su carrera y que quitando su similitud al estar todos realizados con mímica y ser de humor, resultan heterogéneos en cuanto a "trama" y duración.
Entre medias veremos en alguna ocasión proyectadas las distintas cortinillas que han tenido sus programas de TV.
Según mi criterio, han faltado 2 imprescindibles, de esos que salen en todos los programas de zapping y nostalgia ochentera, si vais a verles, no dudéis en escribir un comentario para ver si hemos pensado en los mismos. Pero pese a echar en falta esos dos clásicos, han conseguido que les perdone... ésto...
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