30 noviembre 2017

Coco













Título: Coco
Título original: Coco
Dirección: Lee Unkrich, Adrián Molina
País: Estados Unidos
Actores: Animación
Año: 2017
Duración: 109'
Crítico colaborador: JJ Bonal

Valoración:



¿Y si tuvieras la oportunidad de despedirte de tus seres queridos cuando no pudiste al tiempo que intentas cumplir tu sueño?

Esa sencilla premisa sigue la película “Coco”, la última película de Disney.
Miguel, un chico de 12 años que sueña con ser músico (algo que su familia rechaza totalmente) se encuentra accidentalmente transportado al más allá, en pleno Día de muertos. Una vez allí, deberá obtener la bendición de sus ancestros para volver, pero no será tan sencillo, pues su tatarabuela le impone la condición de que nunca jamás intente ser músico. Desesperado, Miguel decide intentar llegar hasta su difunto tatarabuelo, un famoso músico mexicano. Desgraciadamente en el Más Allá es toda una celebridad y verle, no resultará sencillo. Por si fuera poco, solo tiene hasta el amanecer del Día de Muertos. De lo contrario se quedará atrapado allí para siempre.



No suelo ver mucha animación, lo confieso. No es un género que me atraiga, ya que la mayoría de las películas de ese tipo son, lógicamente, infantiles. Coco no es una excepción,  sin embargo, me ha gustado muchísimo. Como me sucedió con Trolls, salí encantado de la sala de proyecciones, y entiendo perfectamente que se haya convertido en la película más vista de la historia de México. La película te sumerge de lleno en la forma en que se vive allí el Día de Muertos, desde detalles como la comida, a las tradiciones que se siguen. Por si fuera poco, el Otro Mundo está repleto de pequeños detalles como la presencia del espíritu de Mario Moreno “Cantinflas” o Frida Khalo en una de las fiestas para conmemorar tan importante día, los alebrijes o espíritus guía, de aspecto maya/azteca o pinceladas tan simples como la bebida, la arquitectura o, evidentemente, la música.


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¿Musico? ¿Tu? ¡Por encima de mi cadaver!

El apartado técnico, bueno, que esperar, es Pixar, sería extraño remarcar nada por debajo del excelente. El guión en algunos aspectos se hace un pelín denso, hasta el punto de perdernos en algunas subtramas, (tipo culebrón, pero es lógico si se tiene en cuenta que México es uno de los paises que más series de este tipo rueda y es otra forma de introducirnos en el ambiente) pero todas saben llevar al punto deseado con total armonía y sin hacerse lenta o tediosa. El villano de la película (porque al final hay un villano), es tan correcto como se espera de él una vez le descubres, aunque en el fondo su papel es secundario. La película no trata de héroes y malvados, sino de la familia, la pérdida de los seres queridos y la importancia que tiene mantener las tradiciones generación tras generación, sin por ello evitar las innovaciones. Personalmente me ha encantado y, no voy a mentir, hubo una escena donde se me escapó una lágrima (aunque influyeron algunas circunstancias personales a ese aspecto, por lo que oía, no era el único). De hecho, es importante tener en cuenta lo arriesgado de Pixar con respecto al tema de la muerte de los seres queridos, pues no hemos de olvidarnos de que se trata de una película infantil. Creo que si quieres explicar a tu hijo la pérdida de un ser querido, esta película puede ser un buen ejemplo.

En mi opinión: Coco aprueba con un sobresaliente alto y se postula como una de las mejores películas que he visto este año.






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27 noviembre 2017

El sacrificio de un ciervo sagrado










Título: El sacrificio de un ciervo sagrado
Título original: The Killing of a Sacred Deer
Dirección: Yorgos Lanthimos
País: Reino Unido
Actores: Colin Farrell, Nicole Kidman, Barry Keoghan, Raffey Cassidy, Sunny Suljic, Alicia Silverstone, Bill Camp, Denise Dal Vera, Jerry Pope
Año: 2017
Duración: 109'
Crítico colaborador: Daniel Pérez Sánchez

Valoración:





Aún pecando de pomposidad, especialmente en el primer y último tercio de la película, Yorgos Lanthimos consigue colocarnos en una incómoda y dramática situación a caballo entre la cotidianidad y la más absoluta inverosimilitud. Un film que deja claro el tipo de experiencia que ofrece con su primer plano: Malestar, miedo y -entre ambos, a veces oculto- asco.

Una película que sin llegar a serlo hace uso en su primera mitad de una narrativa propia del thriller psicológico para después convertirse en un drama poco convencional. La dosificación de la información juega un papel importante a la hora de recrear la desasosegante atmósfera de misterio que rodea a los particulares personajes de El Sacrificio de un Ciervo Sagrado. "¿Por qué?" es una pregunta que tarda un porcentaje importante del metraje en responderse, siendo al mismo tiempo la herramienta más poderosa del film y su punto débil, llegando a derramar, una vez respondida, buena parte de la bien construida tensión de los primeros treinta minutos en pos del extraño drama del que se nos quiere hablar.

Una faceta admirable de la película es la capacidad para introducir cápsulas de comedia en una trama eminentemente dramática. Hacer reír no es nada fácil pero hacer reír en un contexto que no tiene un atisbo de comedia explícita es extremadamente difícil, y más aún sin que esto perjudique a la seriedad de la historia. Lanthimos lo consigue ayudado del guión y de las interpretaciones destacables en el caso de los niños y Nicole Kidman, sobresaliente en el caso de Barry Keoghan y bastante mediocre en el caso de Colin Farrell, que como de costumbre parece interpretar cada línea de su personaje con el mismo deje, haciendo su diálogo mecánico y poco creíble.

La extravagante y atmosférica banda sonora enfatiza de manera obvia pero efectiva aquellas emociones que El Sacrificio de un Ciervo Sagrado lucha constantemente por desatar, apoyando con fuerza una fotografía a ratos destacable, a ratos convencional.

Una buena película que da en ocasiones la impresión de esforzarse demasiado en sí misma. Un film con contados momentos de brillantez y con un resultado más sencillo del esperado, una obra que deja poco en la cabeza del espectador, una historia que no resuelve nada y que funciona sencillamente como el retrato de un drama extraño y psicológico, un drama que aunque despunte moderadamente deja a sus espectadores como al personaje interpretado por Colin Farrell: Dudosos e impotentes.




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20 noviembre 2017

Dark - serie [crítica]



Título: Dark
País: Alemania
Duración: 1 temporada de 10 capítulos que rondan la hora (en principio)
Lugar de emisión: Netflix (serie original)
Crítico: La Perra Verde

TOP SECRET... no se me ocurre otra forma de definir la crítica que puedo hacer de Dark, la nueva serie original de Netflix que se estrena el 1 de diciembre.
El motivo de este secretismo viene a ser:

1- Netflix habitualmente da acceso a la prensa a la mitad de la temporada, al menos es lo que ha hecho con series como Daredevil, Luke Cage, Iron Fist o la recién estrenada Punisher (6 de 13 capítulos), sin embargo, esta vez sólo hemos podido ver 3 de 10, y además no sabemos de antemano si la serie tendrá final cerrado o al igual que Stranger things, tendrá más temporadas.

Señor, unos capítulos más, por favor, cof, cof

2- Es una serie de misterio, así que casi cualquier cosa que diga del desarrollo de la trama es constitutiva de spoiler más allá de lo que ya destripan las sinopsis que se pueden leer en medios especializados ¡¡que levanten la mano los que quieran ser spoileados!! ¿Nadie? ya me parecía a mí...



3- Lo mismo pasa si me pongo a compararla con otras series o películas, en seguida las analogías os podrían hacer llegar a las conclusiones que estoy llegando yo.



Así que ¿qué hago? ¿cierro el chiringuito y me voy a tomar una cerveza? No, eso después, ahora os hablaré, sin destripar pero informando, de algunas generalidades de la serie.

En muchos medios se ha dicho que Dark (Alemania) es la nueva Stranger Things, y más allá de la temática sobrenatural (o de ciencia-ficción, en el capítulo 3 aún no está claro), veo una fotografía similar, y no porque Dark vaya a rebufo de la primera, sino porque ST tiene un claro aire a serie centroeuropea o del norte/este del Europa. Con esos bosques espesos oscilando entre la lluvia y la niebla y una luz más bien mortecina.
También encontraremos a niños, adolescentes y padres con los nervios crispados.
Más allá de eso, con lo visto, no os puedo contar si hay más similitudes o el resto serán todo diferencias.
El ritmo es pausado, pero en ningún momento los 3 capítulos se me han hecho lentos o aburridos, y pese a no haber dado todavía datos relevantes o esclarecedores, ya hay bastante material para algo que encantará a los fans de series como Perdidos (Lost)... elucubrar teorías. En ST la trama, aunque con flashbacks, estaba más clara y resultaba más lineal, no era difícil imaginar por lo que veíamos lo que había acontecido anteriormente, sin embargo aquí van a jugar con la ambigüedad "¿este personaje es malo o es bueno? ¿oculta información para protegerse o para proteger a alguien?".

Y esto es todo amigos, ya no puedo desgranar más el material, así que sólo me queda decir que, como espectadora, me he quedado con ganas de seguir viendo la serie y descubrir qué es lo que está pasando realmente.




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19 noviembre 2017

La Liga de la Justicia



Titulo: La Liga de la Justicia
Dirección: Zack Snyder
País: USA
Actores: Ben Affleck,  Gal Gadot,  Ezra Miller,  Jason Momoa,  Ray Fisher,  Henry Cavill, Amber Heard,  Amy Adams,  J.K. Simmons,  Jeremy Irons, Willem Dafoe,  Shalini Peiris,  Connie Nielsen,  Robin Wright,  Diane Lane, Kiersey Clemons,  Billy Crudup,  Ciarán Hinds,  Daniel Stisen,  Samantha Jo
Año: 2017
Duración: 121' 
Crítico: Blueberry








Valoración:






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13 noviembre 2017

THE PUNISHER NETFLIX. PRIMEROS CAPITULOS



Titulo: The Punisher
Año: 2017 
Plataforma: Netflix
Nº Capitulos: 5 (Vistos provisionalmente)
Crítico: Blueberry
Valoración:







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29 octubre 2017

Gira de la Film Symphony Orchestra 2017-18 [crítica]


Redactor: La Perra Verde

Si no conoces a la FSO, aquí puedes leer la primera crítica que les hice en su momento y en la que explicaba su formato.

Llevo años viendo a la Film symphony orchestra y nunca decepciona, no sólo por su incuestionable calidad artística, sino porque también sabe reinventarse y mejorar.
Este año han añadido a su espectáculo un juego de luces propio que acompaña de forma sincronizada a las canciones, cosa que a mí me creó una mayor sensación de inmersión.
Proyectando en techo y paredes, usando el verde en un tema para representar "la esperanza de un pueblo", el rojo para representar la sangre o el azul para el cielo libre e infinito (matadme, por Dios) llegan incluso a reproducir los colores de una bandera. Colores y formas acompañarán toda la velada a la música y la dotarán de una dimensionalidad y una espectacularidad que antes no había sido explotada por la FSO.





También hubo pequeños cambios, como la falta de referencias a Star Wars (La guerra de las galaxias de toda la vida de Dios) en comparación a otros años, tanto por parte de ellos (el año pasado sacaron arcos con luces led al final) como por parte de los especialistas, ya que allí estaban en el photocall la gente de "Saga Skywalker" y a diferencia de otras ocasiones, no les hicieron entrar cuando interpretaron las suite de Rogue one. Pero sinceramente, se agradece, no porque no me guste Star Wars, todo lo contrario, pero cuando algo se vuelve común y predecible ya no impacta tanto.

Y ¿qué hay de lo siempre? ¿qué hay de esas cosas que siempre se mantienen año tras año? pues esas cosas también las quiero reseñar, porque son las que marcan una clara referencia respecto a otras orquestas que prueban proyectos similares. El director Constantino Martínez-Orts no sólo se introduce él y presenta a la orquesta, sino que también contextualiza, explica y cuenta curiosidades de todos y cada uno de los temas que se interpretan. Nos cuenta el autor, la película, el año, y si hace
falta, anécdotas divertidas o truculentas, dando incluso algunas pinceladas de masterclass de música, siempre con pasión y humor. Y esto que puede parecer tan sencillo y casi obvio, lo es todo. Hace poco pude disfrutar de la Orquesta de Valencia haciendo un espectáculo similar, y mira... no, es que ni punto de comparación. No voy a compararles a nivel musical, porque la ignorancia es atrevida y no seré yo quien haga alarde de ella, pero sí les puedo comparar a nivel de presentación, a nivel de cómo crear un espectáculo y crear un vínculo con su audiencia. La orquesta de Valencia salió al escenario, no presentó ningún tema, no hablaron con el público, escogieron temas desconocidos en buena parte, apostando más por la excelencia musical de los mismos que por su popularidad, y así, suma y sigue. Mientras Constantino va girando en su atril para que le vean dar explicaciones desde cualquier butaca, sean preferentes o las de visibilidad reducida, la Orquesta De Valencia salió y dio un recital totalmente aséptico e impersonal. En los años que llevo yendo he visto decenas de canciones que no me sonaban de nada, bien sea porque no he visto la película o porque no era el tema más mainstream, sin embargo, cuando se lo contextualizan, puedes insertarlo mentalmente en la película y llegar a sentir cosas que no te evocaría el tema interpretado sin más.

Por todo esto la FSO cada vez triunfa más, no es un mero espectáculo que gustará a la gente amante de las BSO o de la música clásica, es un espectáculo que puede gustar a cualquier cinéfilo que ve que puede rememorar sus escenas favoritas de forma casi palpable (no perdáis la oportunidad de descubrir si van a vuestra ciudad, ahora mismo tienen decenas de fechas).

Imagen extraída de aquí.
¿Algo malo? pues si consideramos algo malo el que Constantino suelte un PEDAZO SPOILER DEL MORIRSE de una película de 2016... ¿eh? ¿eh? ¿eh? entonces sí, hubo algo malo. Don Constantino "parfavar", no vuelva a hacer eso, vale hacer un spoiler respecto a la trama de películas que son cultura pop, como puede ser el giro de El sexto sentido o que Jack muere en Titanic, por ejemplo, pero no cuente usted el final (creo que era el final, tal cual, como yo aún no la he visto... no lo sé a ciencia cierta... #sufro #drama ) de una película tan reciente, hombre de Dios, seguro que puede explicar lo mismo pero con otro ejemplo.

Y ya finalizando, 2 cosas a añadir. Como cada año digo:

LA FSO ES COMO LAS PELIS DE MARVEL, SIEMPRE TIENEN CANCIONES "POSTCRÉDITOS", SIEMPRE HAY BIS, NO OS VAYÁIS 
(salvo que no lleguéis a coger el bus o tren que os lleva a vuestro pueblo a 50 km de la capital, pero si no, ahí, sentadicos, que sólo son 2 o 3 minutos de "me voy, vuelvo, me voy, vuelvo")

Y lo segundo, desde aquí quiero hacer una sugerencia para la gira del año que viene, la 2018-19.
Me encantaría que sonase el leitmotiv de "Wonder Woman", usando las palabras del propio Constantino presentando una canción ayer, me parece un tema que tiene "mucho punch". De hecho, como ese tema ya fue presentado en "Batman v Superman", pensé que quizá este año sería incluido. Me encantaría que sonase (y seguro que la gente de percusión estaría tan encantada como yo).




Y por último, esta vez de verdad, agradecer como siempre la atención y buen trato recibidos de Relabel y sobre todo a Madu Madu Comunicación, que es con quien trato cara a cara. Un placer.




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05 octubre 2017

Blade runner 2049










Título: Blade runner 2049
Dirección: Denis Villeneuve
País: USA
Actores: Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana de Armas, Jared Leto, Sylvia Hoeks, Robin Wright, Mackenzie Davis, Carla Juri, Lennie James, Dave Bautista, Barkhad Abdi, David Dastmalchian, Hiam Abbass, Edward James Olmos
Año: 2017
Duración: 163'
Crítico colaborador: JJ Bonal

Valoración:





Año 2049. Tras el colapso de los ecosistemas y una rebelión de replicantes en 2021, la sociedad ha resurgido de sus cenizas. El derrumbe de la empresa Tyrell ha propiciado la ascensión de Niander Wallace, cuyos avanzados sistemas de agricultura y tecnología le han catapultado a ser el hombre más poderoso del mundo. Los replicantes también han sido sustancialmente modificados, de forma que ahora son más leales que nunca. Los pocos nexus-6 sobrevivientes son cazados por los últimos Blade Runners.



El pasado lunes, pude disfrutar de la segunda parte de uno de los más icónicos filmes de ciencia ficción, Blade Runner 2049. Película muy satisfactoria y que ha sabido continuar y enlazar perfectamente con su predecesora. Nos encontramos con una sociedad estancada, donde cuesta diferenciar a replicantes de simples humanos (cuando lo consigues). 

3 décadas después de la desaparición de Deckard, el agente K, un blade runner (y tambien un nexus-6 de nueva generación), descubre un extraño enterramiento mientras termina una misión de supresión. Tras varias investigaciones se embarcará en la búsqueda de Rick Decard a fin de lograr desentrañar el misterio, pero se encontrará con un complot sumamente complejo en su camino hacia la verdad.

Los nuevos modelos son tan avanzados, que sus heridas sufren hinchazón.


Me ha gustado mucho. Francamente, me esperaba un remedo de la original y esta abre una serie de tramas muy interesantes. La sociedad, cómo ve esta a los replicantes, los propios replicantes y sus sentimientos. Todo ha sido magníficamente entremezclado hasta el punto de sorprender al espectador cuando ya cree haber comprendido todo. Ryan Gosling sabe adaptarse a un papel que en principio pensé que podría caerle grande, sin embargo, sabe transmitir al tiempo la frialdad de un androide y la compejidad de quien siente su cerebro abrirse a puertas totalmente ignotas, desde la bioética al amor entre IAs, si bien podría decir que tanta interactuación entre androides hace que la película, especialmente en su tercer acto, pierda una importante carga de emotividad y dramatismo. Con todo, le da mil vueltas a muchas de las películas que he visto hasta la fecha.



El apartado técnico, impecable, como ya he dicho, Villeneuve ha sabido transmitir el espíritu agobiante de las megalópolis futuristas, con las enormes edificaciones megalíticas repletas de luces de la película de 1982 sin pecar de excesivamente recargado. De hecho, podemos observar una cierta decadencia en las estructuras, reflejando que no solo han pasado 30 años en nuestras vidas, sino que la propia sociedad del filme ha evolucionado a un ambiente opresivo, donde reina una filosofía desesperada, en apariencia imperceptible para una sociedad que sigue su camino cada día, ajena a todo salvo los constantes anuncios y estímulos visuales que les asaltan por las calles.

No creo que vaya a ver películas mucho mejores en lo que queda de año. Sumamente recomendable, especialmente si ya has visto la primera.




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01 octubre 2017

madre!


 
Título original: mother!
Dirección: Darren Aronofsky
País: Estados Unidos
Actores: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ed Harris, Michelle Pfeiffer, Domhnall Gleeson, Brian Gleeson, Kristen Wiig, Cristina Rosato, Marcia Jean Kurtz, Ambrosio De Luca, Hamza Haq, Anana Rydvald, Arthur Holden, Bineyam Girma, Jaa Smith-Johnson, Xiao Sun
Año: 2017
Duración: 120'
Crítico: Harkness






Valoración:





“¡Madre!” es lo que decimos en cuanto acaba la proyección, las luces vuelven a encenderse y nos acordamos de toda la familia de Darren Aronofsky, cineasta moderno y provocador que ha cosechado durante las últimas décadas la admiración de una buena tropa cinéfila, así como el recalcitrante desprecio de quienes ven en él a un especialista del efectismo fácil, de lo truculento, incapaz de crear nada con auténtica sustancia dramática, más allá de agredir visualmente al sufrido espectador de sus películas. Poco prolífico, vuelve con este thriller sobre una pareja (Jennifer Lawrence y Javier Bardem) que vive tranquilamente en una casita de campo, cuya idílica rutina es quebrada súbitamente por la llegada de un extraño (Ed Harris) que parece saber más de la cuenta sobre el dueño de la casa... a partir de aquí, puede suceder cualquier cosa.

Por encima de todo, madre! es un ejercicio de terrorismo fílmico como hacía tiempo que no veía, que desde luego no olvidaré fácilmente y que me genera una duda fundamental; ignoro si lo que he visto es una condenada genialidad, o bien una estupidez supina.




El principio es algo digno del Polanski de ayer y de hoy, muy deudor de títulos como Repulsión, La semilla del diablo, Un dios salvaje... la acción transcurre en un espacio único y bien definido, intervienen pocos personajes, un clima de tensión creciente lo invade todo. Y especialmente, existe una preocupación de transmitir mediante imágenes y sonidos la inestabilidad mental de una protagonista metida, como quien no quiere la cosa, en una situación cada vez más malsana, inquietante y tronada. Hasta ahí, bien. Lo que viene a continuación es un desmadre surrealista, un circo de los horrores, un pulso con el espectador que revela tras la cámara a un individuo (Aronofsky) no sé si muy troll, con mucho ego, o directamente, de vuelta a todo. Un loco sin miedo al exceso, al ridículo. Y que ésto amenace con convertirse en Benny Hill es casi lo de menos, pues no sabemos con qué nos van a sorprender, a golpear, a continuación.

En cuanto a los recursos empleados, lo cierto es que resulta meritorio cómo cada mínimo elemento, desde el menor ruido hasta la brusquedad de la cámara, parece calculado para irritar y provocar una experiencia lo más inmersiva y subjetiva posible.




¿Y qué nos queda al final? Pues una metáfora de una obviedad pasmosa. O quizá no tanto, pues tras cada simbolismo facilón que vemos, es posible que cada uno haga sus propias interpretaciones de lo que ha visto; mensaje ecologista, sobre lo masculino y lo femenino, sobre la vida y sus ciclos de nacimiento y de muerte... Me quedo, sin embargo, con el cómo más que con el qué, con el camino elegido antes que con el destino final. Diría incluso que el amigo Darren combina sus obsesiones mejor que otras veces; lo puramente físico de la descripción del infierno, de lo abyecto (con un pie en el cine de terror y en el thriller)... y por otro lado, las veleidades místicas de quien parece un enamorado de las mitologías más dispares. Una especie de teólogo “new age” y un frikazo del copón, todo en uno. Pues en el fondo, hay algo muy gamberro en todo ésto, cual sketch alargado de los Monty Python (ni semillas del diablo, ni pollas en vinagre), sin el menor titubeo a la hora de conjugar géneros, tonos, ambientes, etc.

La polémica está servida, pues. La obra de un tipo que sabe lo que quiere y cómo conseguirlo, otra cosa es que nos parezca mejor o peor, pero el caso es que la cita con madre! en mi opinión, es obligada. Von Trier, jubílate ya.










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28 septiembre 2017

Comienza la gira 2017-18 de la Film Symphony Orchestra




FSO vuelve este otoño sin apenas tiempo de asimilar este intenso año en el que han pasado por la gala de los Goya y una exitosa gira homenaje a Star Wars por su 40 aniversario. En esta mega-gira, la más ambiciosa de la historia de la FSOla orquesta recorrerá más de 20 ciudades con más de 30 conciertos por las principales ciudades de nuestro país, interpretando un programa que incluye algunas de las mejores bandas sonoras de la historia del cine. Desde el venerado y veterano John Williams, habitual en el repertorio de FSOhasta el “novato” Justin Hurwitz, pasando por Ennio Morricone, Hans Zimmer, John Barry, Bruce Broughton, Michael Giacchino, Max Steiner, Ernest Gold… Son los autores de un repertorio repleto de Oscars© con el que la orquesta más cinematográfica está dispuesta a conquistar de nuevo al público.


ESTE OTOÑO, LOS GRANDES ESTRENOS DEL AÑO
Como gran obertura, llega la obra compuesta por Hans Zimmer para ‘El Hombre de Acero’, una de las más esperadas por los fans. La orquesta bajo la batuta de Constantino Martínez-Orts no deja pasar la oportunidad de interpretar en primicia la música de algunos de los grandes estrenos de este año, haciendo un pequeño guiño a su gira-homenaje a Star Wars con un tema de la nueva entrega: ‘Rogue One: A Story of Star Wars’. Y como no podría ser de otro modo, FSO interpretará por primera vez en formato sinfónico una preciosa suite que recogerá los temas más característicos de la banda sonora ganadora del Oscar© en 2017 La La Land’.

Como ya es habitual, se incluirán algunas de las bandas sonoras más emblemáticas y demandadas por los fans como es el caso de las míticas ‘Titanic’, ‘Tiburón’, ‘Rocky’, o una de las que más respaldo han tenido en las redes sociales, ‘La misión’.
Los más pequeños también tienen reservada su parte del programa y podrán revivir las aventuras de Peter Pan en ‘Hook’, y dejarse llevar en globo como Carl y Russel escuchando la música de ‘Up’. ‘Tombstone’ y ‘Bailando con lobos’ harán las delicias de los más fanáticos del género western. Y tampoco podían faltar algunos de los hitos del cine clásico: FSO interpretará la emocionante ‘Éxodo’, conmoverá al público con ‘Pearl Harbour’ y arrancará alguna lágrima con ‘Casablanca’.


UN REPERTORIO DE OSCAR©
En un solo concierto se podrán escuchar algunas de las piezas musicales más aclamadas por la Academia de Cine. El repertorio incluye las bandas sonoras de ‘La La Land’, ‘Titanic’, ‘Up’, ‘Tiburón’, ‘Bailando con lobos’ y ‘Éxodo’ todas ellas merecedoras de un premio Oscar© y las de ‘La misión’, ‘Rocky’, ‘Casablanca’ y ‘Hook’, nominadas al galardón. Un programa de lujo para una gira de cine que, como siempre, promete emocionar, hacer bailar y hasta cantar apúblico. Un público que ha demostrado ser de lo más entregado, para el que la FSO ha reservado alguna que otra sorpresa…


FSO XTREME XPERIENCE, UN NUEVO GIRO AL MUNDO TRANSMEDIA DE FSO
Si el año pasado FSpasado sorprendía a sus fans con el lanzamiento de una app con la que podían seguir la gira minuto a minuto, acceder a contenidos especiales e interactuar en los conciertos, este año van un paso más allá…
En su vocación de innovar y acercarse a sus seguidores, FSO ha desarrollado un nuevo formato transmedia. Los fans que hayan comprado la entrada podrán participar a través de las redes sociales en los concursos XTREME XPERIENCE para vivir en su propia piel las experiencias que cuentan los temas interpretados en esta nueva gira. Podrán volar en avioneta como en ‘Pearl Harbour’, bucear para encontrar un ‘Titanic’, o noquear al director de la orquesta como si fuesen Rocky Balboa. Así el público podrá, más que nunca, sentir la música de cine en su propia piel.

CONCIERTOS YA A LA VENTA en  filmsymphony.es

2017
SEPTIEMBRE
Sábado 30 de septiembre – MADRID (Auditorio Nacional) – SOLD OUT

OCTUBRE
Domingo 1 de octubre – BARCELONA (L'Auditori)
Sábado 14 de octubre – MADRID (Auditorio Nacional) – SOLD OUT
Sábado 21 de octubre – SEVILLA (Fibes)
Domingo 22 de octubre – GRANADA (Palacio de Congresos)
Viernes 27 de octubre – TARRAGONA (Palau Firal)
Sábado 28 de octubre – VALENCIA (Palau de la Música)

NOVIEMBRE
Viernes 3 de noviembre – OVIEDO (Auditorio Príncipe Felipe)
Sábado 4 de noviembre – SAN SEBASTIAN (Kursaal)
Sábado 11 de noviembre – VIGO (Auditorio Mar de Vigo)
Domingo 12 de noviembre – A CORUÑA (Palacio de la Ópera)
Sábado 18 de noviembre – VALLADOLID (Auditorio Miguel Delibes)
Viernes 24 de noviembre – ZARAGOZA (Auditorio de Zaragoza)
Sábado 25 de noviembre – VALENCIA (Palau de la Música)

DICIEMBRE
Viernes 1 de diciembre – MURCIA (Auditorio Víctor Villegas)
Sábado 16 de diciembre -  TORREMOLINOS – a la venta próximamente
Jueves 21 de diciembre – VITORIA (Teatro Antzokia) – a la venta próximamente
Sábado 23 de diciembre – PAMPLONA (Baluarte)
Miércoles 27 de diciembre – SANTANDER (Palacio de Deportes) – a la venta próximamente

2018
ENERO
Sábado 6 de enero – MALLORCA (Trui Teatre)
Domingo 7 de enero – MALLORCA (Trui Teatre)
Viernes 12 de enero – ALICANTE (ADDA)
Sábado 13 de enero – ROQUETAS DE MAR (Auditorio)
Domingo 14 de enero – CARTAGENA (El Batel)
Domingo 21 de enero – SALAMANCA (Palacio de Congresos)
Viernes 26 de enero – TENERIFE (Auditorio de Tenerife Adán Martín)






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Faemino y Cansado ¡Quien tuvo retuvo!



Título: Faemino y Cansado ¡Quien tuvo retuvo!
Duración: 100 minutos (sin intermedio)
Fecha de representación: 27 al 1 de octubre de 2017
LugarTeatro Olympia
Precio: desde 18€ + GDG
Crítico: La Perra Verde

Faemino y Cansado manejan un arte a la perfección, y es el de hacer creer al espectador que está disfrutando de un espectáculo totalmente nuevo y ciertamente improvisado, cada vez que se acude a verles.

Después de 3 veces, puedo asegurar que tienen una férrea estructura narrativa, y que esas risas "que no pueden evitar" están totalmente milimetradas para crear una sensación de complicidad con el espectador y hacer que se meta aún más en la obra y en lo absurdo y abstracto que es casi siempre todo.

Con su clásica manera de contar las historias, que viene a ser empezar por la mitad o casi el final, ir dando saltos narrativos y muchas veces, no llegar a contarte nunca el principio, el dúo se reboza en ocasiones en el humor más soez y burdo para recordarnos "que ellos no lo hacen", o se ponen a estirar un gag hasta el hastío para hacernos notar que "en efecto, en la situación narrada, uno de los dos estaba resultado cargante".

En la primera mitad del espectáculo notaremos como claramente "Cansado" lleva la voz cantante, siendo "Faemino" su contrapunto, el que le da la réplica y remata los gags, sin embargo, después de un pequeño momento en el que cada uno se luce en solitario, los roles se volverán más homogéneos.

Pese a usar en los sketeches a unos personajes recurrentes a lo largo de los años como son "Arroyito y Pozuelón", el nuevo espectáculo resulta mucho más novedoso y fresco de lo que resultó "¡Como en casa ni hablar!" respecto a su antecesor "Parecido no es lo mismo", así que la gente que saliese con la sensación de que los dos anteriores espectáculos eran demasiado similares entre sí, podrá ver este con tranquilidad, ya que, como bien he dicho, tiene la misma estructura exactamente, pero sí cambia (o maquilla lo suficiente) lo contado con anterioridad.






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19 septiembre 2017

KINGSMAN: El circulo dorado








Título: Kingsman: El circulo dorado
Dirección: Mathew Vaughn
País: USA
Actores: Taron Egerton, Colin Firth, Julianne Moore, Halle Berry, Mark Strong, Jeff Bridges, Channing Tatum, Pedro Pascal, Sophie Cookson, Edward Holcroft, Elton John, Ayman Khechini, Alessandro De Marco
Año: 2017
Duración: 101'
Crítico Colaborador: David Hidalgo



En 2015, llegó a nuestras carteleras “Kingsman: The Secret Service” de Matthew Vaughn. Fruto de otra colaboración entre las mentes de Vaughn y de Mark Millar (ya trabajaron juntos en la adaptación al séptimo arte de “Kick Ass”), esta cinta supuso un soplo de aire fresco al cine de espías. Deslenguada, violenta, hiperbólica y, sobre todo, divertidísima, incluso logró articular un interesantísimo discurso sobre el elitismo de las clases bienestantes sobre los más desfavorecidos. ¡De esta forma, se convirtió por méritos propios en una de mis películas de acción favoritas!


Dos años después nos llega esta secuela, envuelta por una astuta campaña publicitaria en la que apenas se ha revelado información sobre el argumento. La cinta deja muy claro desde un inicio que es de esas continuaciones que, usando a su favor todo lo presentado y establecido en la anterior entrega, va a arrancar a piñón desde el primer minuto. Por tanto, la secuencia de apertura es una trepidante escena de acción que tiene lugar a bordo de un taxi typical british. A partir de ahí, conocemos a los distintos personajes que componen la trama, y se nos introduce en el argumento que conduce el filme.

Algo que suele gustarme mucho de Matthew Vaughn y de Jane Goldman, en tanto que guionistas, es que siempre logran introducir una enorme cantidad de pequeños elementos que, en principio, pasan desapercibidos, pero que acaban cobrando un sentido global muy importante para la resolución de la trama. Además, siempre suelen cuidar mucho que haya tiempo para que se produzcan interacciones de calidad entre los personajes, para que los conozcamos y para que conectemos emocionalmente con ellos, de una forma u otra. De esta manera, el clímax de sus cintas gana mucho en intensidad.



Dicho todo esto, lo primero que debo mencionar es que “Kingsman: The Golden Circle” me ha gustado. He pasado un rato de lo más entretenido con este film, haciéndoseme cortas sus dos horas y veinte minutos de metraje. Y en más de una ocasión he acabado soltando una carcajada al son del resto de la sala. Sin embargo, pese a que en teoría todos los elementos están en su sitio y listos para deslumbrar… esta segunda entrega se me ha antojado excesiva. Excesiva y bastante tontorrona.

Me explico: cuando la trama es tan rocambolesca que, al decirla en voz alta, suena a completa estupidez, muy bien ejecutada tiene que estar para que no tengas un problema grave. En este caso, no lo está, al menos lo suficiente. Y es que lo que me ha entretenido y enganchado durante el primer visionado, ha fracasado a la hora de dejar una impronta en mí. En lo emocional, la cinta cumple y continúa desarrollando los arcos planteados durante la primera entrega, así como estableciendo nuevos viajes interiores que acaban culminando en un aprendizaje. Hasta ahí todo bien. Lo que no acaba de cuajar es unir esto con perros mecánicos, una antagonista risible y apenas desarrollada a la que Julianne Moore intenta dotar de empaque con todas sus fuerzas, y la presencia de cierta celebridad, cosa que como gag puntual es graciosa pero que acaba cayendo en el puro exceso. ¡Y ya no hablemos de la abundancia de deus ex machina, presentes en forma de gadgets para los Kingsman y los Stateman!



La primera “Kingsman” se sostenía gracias a un medido equilibrio entre tramas y subtramas, compensando la balanza entre humor y momentos emotivos con mucha habilidad. El villano, entonces interpretado por Samuel L. Jackson, podía resultar caricaturesco debido a su ceceo, pero esa característica solo era un gag aislado para dar personalidad a un personaje inquietante y de notable inteligencia. Su secuaz, Sofia Boutella (el gran descubrimiento de esta cinta), era letal, fría e incluso se permitía tener réplicas ingeniosas. Aquí, tenemos a una antagonista llevada al extremo, a un secuaz que “es malo porque sí” (y tiene un brazo mecánico… qué sorpresa, igual que las piernas cortantes de la secuaz en la primera entrega), un plan maestro con muchas lagunas… En definitiva, se ha intentado coger los mismos números que en “Kingsman” y que la suma diera un resultado mayor, estirando demasiado el chicle en el proceso.



Se ha perdido muchísima frescura por el camino, y eso se nota. Pero pese a todo esto, “Kingsman: The Golden Circle” continúa ofreciendo muchísima diversión. La dirección de Vaughn es creativa y logra que la historia avance a un ritmo trepidante, sin tiempos muertos pero al mismo tiempo dejando espacio para el desarrollo de los personajes; muchos de los gags son afilados, con momentos puntuales para el recuerdo; las set pieces, pese a carecer del factor sorpresa de la anterior entrega, siguen siendo espectaculares y dejándonos con la boca abierta; también podemos encontrar, subyaciente, una analogía sobre cómo los Gobiernos dejan en la estacada a las víctimas del tráfico de drogas por motivos electorales; y, por lo general, mantiene bastante el tipo respecto a su predecesora.

Sin embargo, poniéndome puntilloso, el mayor problema que tengo con esta cinta es que, pese a lo loable de sus intenciones, no me ha dejado un poso considerable. Por más que se esfuerce en replicar la magia de la entrega fundacional de esta eventual franquicia (a juzgar por lo visto en la última escena), a base de guiños y de repetir ciertas jugadas (Ejem, ¿de qué me sonará esa pelea a base de plano secuencia?), lo que queda es una comedia de acción y espionaje espectacular y funcional, pero con exceso de personajes, de tramas y de tonos entremezclados sin solución de continuidad (se pasa de lo trágico a lo épico, y de ahí a la coña pura y dura, en apenas una fracción de segundo, y así todo el film).

En conclusión, tal vez algo más de frescura y de riesgo, así como de mesura en los elementos que la componen, hubiera jugado a favor del nuevo trabajo de Vaughn. Es una buena película y cumple con su cometido palomitero, pero a la postre se siente algo fallida e incluso por pulir (¡Incluso hay una escena clave en la que reciclan descaradamente una pista de la banda sonora de “X-Men: First Class!). Para mí, un ejemplo de secuelas modélicas son “The Godfather: Part II”, “The Empire Strikes Back”, “Terminator 2: Judgment Day” o, más recientemente, “Guardians of The Galaxy Vol. 2”: cintas que tienen los mejores elementos de su antecesora, que evolucionan lo establecido hasta las máximas consecuencias, y que al mismo tiempo se esfuerzan por diferenciarse lo suficiente de las anteriores entregas. “Kingsman: The Golden Circle” pasará por la Historia del Cine como una más de tantas secuelas que se ven con agrado pero que se olvidan con facilidad.


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