19 septiembre 2017

KINGSMAN: El circulo dorado








Título: Kingsman: El circulo dorado
Dirección: Mathew Vaughn
País: USA
Actores: Taron Egerton, Colin Firth, Julianne Moore, Halle Berry, Mark Strong, Jeff Bridges, Channing Tatum, Pedro Pascal, Sophie Cookson, Edward Holcroft, Elton John, Ayman Khechini, Alessandro De Marco
Año: 2017
Duración: 101'
Crítico Colaborador: David Hidalgo



En 2015, llegó a nuestras carteleras “Kingsman: The Secret Service” de Matthew Vaughn. Fruto de otra colaboración entre las mentes de Vaughn y de Mark Millar (ya trabajaron juntos en la adaptación al séptimo arte de “Kick Ass”), esta cinta supuso un soplo de aire fresco al cine de espías. Deslenguada, violenta, hiperbólica y, sobre todo, divertidísima, incluso logró articular un interesantísimo discurso sobre el elitismo de las clases bienestantes sobre los más desfavorecidos. ¡De esta forma, se convirtió por méritos propios en una de mis películas de acción favoritas!


Dos años después nos llega esta secuela, envuelta por una astuta campaña publicitaria en la que apenas se ha revelado información sobre el argumento. La cinta deja muy claro desde un inicio que es de esas continuaciones que, usando a su favor todo lo presentado y establecido en la anterior entrega, va a arrancar a piñón desde el primer minuto. Por tanto, la secuencia de apertura es una trepidante escena de acción que tiene lugar a bordo de un taxi typical british. A partir de ahí, conocemos a los distintos personajes que componen la trama, y se nos introduce en el argumento que conduce el filme.

Algo que suele gustarme mucho de Matthew Vaughn y de Jane Goldman, en tanto que guionistas, es que siempre logran introducir una enorme cantidad de pequeños elementos que, en principio, pasan desapercibidos, pero que acaban cobrando un sentido global muy importante para la resolución de la trama. Además, siempre suelen cuidar mucho que haya tiempo para que se produzcan interacciones de calidad entre los personajes, para que los conozcamos y para que conectemos emocionalmente con ellos, de una forma u otra. De esta manera, el clímax de sus cintas gana mucho en intensidad.



Dicho todo esto, lo primero que debo mencionar es que “Kingsman: The Golden Circle” me ha gustado. He pasado un rato de lo más entretenido con este film, haciéndoseme cortas sus dos horas y veinte minutos de metraje. Y en más de una ocasión he acabado soltando una carcajada al son del resto de la sala. Sin embargo, pese a que en teoría todos los elementos están en su sitio y listos para deslumbrar… esta segunda entrega se me ha antojado excesiva. Excesiva y bastante tontorrona.

Me explico: cuando la trama es tan rocambolesca que, al decirla en voz alta, suena a completa estupidez, muy bien ejecutada tiene que estar para que no tengas un problema grave. En este caso, no lo está, al menos lo suficiente. Y es que lo que me ha entretenido y enganchado durante el primer visionado, ha fracasado a la hora de dejar una impronta en mí. En lo emocional, la cinta cumple y continúa desarrollando los arcos planteados durante la primera entrega, así como estableciendo nuevos viajes interiores que acaban culminando en un aprendizaje. Hasta ahí todo bien. Lo que no acaba de cuajar es unir esto con perros mecánicos, una antagonista risible y apenas desarrollada a la que Julianne Moore intenta dotar de empaque con todas sus fuerzas, y la presencia de cierta celebridad, cosa que como gag puntual es graciosa pero que acaba cayendo en el puro exceso. ¡Y ya no hablemos de la abundancia de deus ex machina, presentes en forma de gadgets para los Kingsman y los Stateman!



La primera “Kingsman” se sostenía gracias a un medido equilibrio entre tramas y subtramas, compensando la balanza entre humor y momentos emotivos con mucha habilidad. El villano, entonces interpretado por Samuel L. Jackson, podía resultar caricaturesco debido a su ceceo, pero esa característica solo era un gag aislado para dar personalidad a un personaje inquietante y de notable inteligencia. Su secuaz, Sofia Boutella (el gran descubrimiento de esta cinta), era letal, fría e incluso se permitía tener réplicas ingeniosas. Aquí, tenemos a una antagonista llevada al extremo, a un secuaz que “es malo porque sí” (y tiene un brazo mecánico… qué sorpresa, igual que las piernas cortantes de la secuaz en la primera entrega), un plan maestro con muchas lagunas… En definitiva, se ha intentado coger los mismos números que en “Kingsman” y que la suma diera un resultado mayor, estirando demasiado el chicle en el proceso.



Se ha perdido muchísima frescura por el camino, y eso se nota. Pero pese a todo esto, “Kingsman: The Golden Circle” continúa ofreciendo muchísima diversión. La dirección de Vaughn es creativa y logra que la historia avance a un ritmo trepidante, sin tiempos muertos pero al mismo tiempo dejando espacio para el desarrollo de los personajes; muchos de los gags son afilados, con momentos puntuales para el recuerdo; las set pieces, pese a carecer del factor sorpresa de la anterior entrega, siguen siendo espectaculares y dejándonos con la boca abierta; también podemos encontrar, subyaciente, una analogía sobre cómo los Gobiernos dejan en la estacada a las víctimas del tráfico de drogas por motivos electorales; y, por lo general, mantiene bastante el tipo respecto a su predecesora.

Sin embargo, poniéndome puntilloso, el mayor problema que tengo con esta cinta es que, pese a lo loable de sus intenciones, no me ha dejado un poso considerable. Por más que se esfuerce en replicar la magia de la entrega fundacional de esta eventual franquicia (a juzgar por lo visto en la última escena), a base de guiños y de repetir ciertas jugadas (Ejem, ¿de qué me sonará esa pelea a base de plano secuencia?), lo que queda es una comedia de acción y espionaje espectacular y funcional, pero con exceso de personajes, de tramas y de tonos entremezclados sin solución de continuidad (se pasa de lo trágico a lo épico, y de ahí a la coña pura y dura, en apenas una fracción de segundo, y así todo el film).

En conclusión, tal vez algo más de frescura y de riesgo, así como de mesura en los elementos que la componen, hubiera jugado a favor del nuevo trabajo de Vaughn. Es una buena película y cumple con su cometido palomitero, pero a la postre se siente algo fallida e incluso por pulir (¡Incluso hay una escena clave en la que reciclan descaradamente una pista de la banda sonora de “X-Men: First Class!). Para mí, un ejemplo de secuelas modélicas son “The Godfather: Part II”, “The Empire Strikes Back”, “Terminator 2: Judgment Day” o, más recientemente, “Guardians of The Galaxy Vol. 2”: cintas que tienen los mejores elementos de su antecesora, que evolucionan lo establecido hasta las máximas consecuencias, y que al mismo tiempo se esfuerzan por diferenciarse lo suficiente de las anteriores entregas. “Kingsman: The Golden Circle” pasará por la Historia del Cine como una más de tantas secuelas que se ven con agrado pero que se olvidan con facilidad.


 Valoración








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13 septiembre 2017

Faemino y Cansado regresan a Valencia en septiembre



Faemino y Cansado son fieles a la ciudad de Valencia, así que cada vez que estrenan nuevo espectáculo, vuelven a ella. De nuevo, es el teatro Olympia el que acogerá su show "¡Quien tuvo retuvo!", desde el 27 de septiembre al 1 de octubre. Se pueden encontrar las entradas en la web de teatro desde 18€ + GDG y ahora mismo cuentan con una promoción de un 20% de descuento para la sesión del jueves.

Cuando Faemino y Cansado encaran la creación de un nuevo espectáculo, su preocupación primera es conseguir la excelencia. No siempre lo consiguen. Por ejemplo, en ¡Quien tuvo retuvo!, desde luego que no.
Cuando deciden cuál será el tema que vehiculice su nuevo espectáculo, desechan habitualmente cualquier idea ya realizada. En ¡Quien tuvo retuvo! no ha sido el caso.
Cuando buscan cómo será la puesta en escena de su nuevo espectáculo, intentan no repetir jamás ningún elemento, ya sea de escenografía o iluminación. En ¡Quién tuvo retuvo! no ha sido posible.
Cuando Faemino y Cansado diseñan la producción de un nuevo espectáculo, jamás les asusta el coste económico, nunca eliminan un gag o un sketch por caro que resulte llevarlo a escena. En ¡Quién tuvo retuvo!, sin embargo, la producción ha sido más bien austera.
En definitiva, si no es excelente ni hay tema, repiten puesta en escena y es barato, ¿qué aporta ¡Quien tuvo retuvo! a la carrera de Faemino y Cansado? Pues dos cosas a cual más importante: risas y reminiscencias.




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10 septiembre 2017

IT (2017)




Título: IT
Dirección: Andres Muschietti
País: USA
Actores: Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Finn Wolfhard, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor, Jack Dylan Grazer, Chosen Jacobs, Nicholas Hamilton, Jake Sim, Logan Thompson, Owen Teague, Jackson Robert Scott, Stephen Bogaert, Stuart Hughes, Geoffrey Pounsett, Megan Charpentier, Javier Botet
Año: 2017
Duración: 101'
Crítico: Blueberry







Valoración:











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08 septiembre 2017

La seducción



 


Título original: The beguilded
Dirección: Sofia Coppola
País: Estados Unidos
Actores: Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning, Oona Laurence, Angourie Rice, Addison Riecke, Wayne Pére, Emma Howard, Matt Story, Rod J. Pierce
Año: 2017
Duración: 91'
Crítico: Harkness
Valoración:







Hace ya más de una década desde que Sofia Coppola, la hijísima del cine contemporáneo, se convirtió en nueva promesa y en icono de la más banal modernez “alternativa”, cuando todavía no había eclosionado la actual moda hipster y éstos aún constituian una selecta minoría estética y culturetil (que no cultural). Desde entonces, ha destacado por un cine enormemente personal, con unas obsesiones muy particulares, gracias al cual ha conseguido distanciarse de una etiqueta siempre molesta, la de ser “hija de”, llamando la atención por sus propios méritos. El cine de la directora de Las vírgenes suicidas y Lost in translation ha sido descrito como sutil, envolvente, retratando casi siempre a personajes desubicados, a menudo un tanto ausentes, víctimas casi siempre del tedio y cuyos problemas desde luego no son los de alguien que se levanta a las seis de la mañana y tiene que pagar las facturas cada mes... por ello, Sofia también ha sido para la crítica una especie de niñata frívola y petarda, que juega con la cámara de papá para producir un cine tan vacuo, tan insustancial, repelente y carente de interés, como sus personajes (posibles alter-egos de ella) y sus casi inexistentes tramas.





Sin ser yo ni mucho menos un defensor a ultranza de la amiga, pues he sido el primero en sentir indiferencia por sus películas y en cachondearme de su “mundo interior”, debemos reconocerle ya a éstas alturas un carácter insobornable, valiente, quijotesco casi, que nadie puede negar, a la hora de afrontar sus temas preferidos. Y ahora vuelve con La seducción, remake de un título de 1971 dirigido por Don Siegel y protagonizado por Clint Eastwood. Ambientada en la guerra de secesión, la historia gira en torno a un malherido soldado yanki (Colin Farrell, en esta nueva versión) a quien unas señoritas pertenecientes a un internado sureño rescatan y acogen hasta que sus heridas sanen. Sin embargo, durante el tiempo que está allí, la violencia y los deseos ocultos afloran entre el personal femenino, cuyas vidas quedan por completo trastornadas ante la llegada del extraño.

No he visto la versión de Eastwood y Siegel, pues he preferido ir “virgen” (chistaco) para no caer en las inevitables comparaciones. El caso es que La seducción es la típica película sobre un un grupo de personajes que, por las circunstancias, están encerrados en un lugar reducido y ésto desata unas tensiones entre ellos que crecen gradualmente hasta estallar en una situación no demasiado agradable, por decirlo suavemente. Algo que hemos visto mil veces, y sumamente previsible. Sin embargo, para mí pesan más los aciertos que los fallos. Lo que interesa, más que el manido desarrollo, es la genuina ambivalencia moral de los personajes, tanto del inquietante huésped como de las féminas que le cuidan. Cual cuento de hadas, la película empieza con una niña recogiendo setas en un bosque, pero no está nada claro quién es el lobo feroz y quién la ovejita. No hay buenos ni malos, tan solo individuos que luchan por sobrevivir y por sus propios intereses, en lo que constituye todo un estudio de la condición humana que evita caer en obviedades y en moralinas.




Tal vez Coppola no es la directora más indicada para los sórdido y lo truculento, pues ésto no es un thriller y, desde luego, sale perdiendo cuando parece que intenta serlo (esa cena con suspense hitchcockiano de pacotilla en torno a unas setas venenosas). Sin embargo, clava totalmente el retrato de un microcosmos femenino, donde desconocemos si la mansión sureña que ellas habitan es una prisión de hastío y soledad, o bien un paraíso perdido al margen del mundo donde comparten juegos, tareas, conversaciones, etc. en plena consonancia con la comentada ambigüedad moral. Colin Farrell está muy bien haciendo de sí mismo, de pichabrava turbulento, mercenario tanto en la guerra como en el amor. Son Dunst y Kidman, además, quienes tienen los papeles más jugosos; la primera, sin hacer grandes gestos, la segunda, como mujer firme que hace lo que debe hacerse, hasta las últimas consecuencias... en cuanto a la omnipresente Elle Fanning y las niñas, sus personajes son más planos y tópicos (la rebelde adolescente, la niña inocente y curiosa...), más por requerimiento del guión que otra cosa.

La directora nos cuenta ésto con una distancia y una frialdad muy típicas de ella, no exentas de un leve humor y de una marcada complicidad hacia sus criaturas. El esmero por la atmósfera y el encuadre es otro punto a favor. Y finalmente, son los apuntes sobre el derrumbe del mundo sureño y conservador, la frustración de los horizontes para la mujer de la época, el descubrimiento del mundo en la niñez... los temas periféricos en torno al gran tema central de La seducción; nuevamente, el inquietante misterio de la feminidad, de unas mujeres que, como una familia (o tal vez como unas zorras desalmadas), salen adelante en tiempos adversos.







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07 septiembre 2017

Michael's legacy (crítica)



Título: Michael's legacy
Duración: 110 minutos (sin intermedio)
Fecha de representación: 6 al 10 de septiembre de 2017
Lugar: Teatro Olympia
Precio: desde 20€ + GDG
Crítico: La Perra Verde

Corría el año 2009 y una joven Perra Verde con 8 años menos estaba emocionadísima porque había planeado "La semana de oro de los conciertos". Iba a viajar a Londres un par de días para asistir a uno de los 50 conciertos que Michael Jackson iba a ofrecer allí, y al volver se iba a ir 3 días a un festival de punk-rock. Sólo faltaba la confirmación de las vacaciones para, con un par de clicks, comprar la entrada y el billete de avión, pero... fue que no, como todos sabemos, el 25 de junio falleció en extrañas circunstancias. Así que, su gozo en un pozo, la pobre cánida verde se quedó compuesta y sin concierto. Con el tiempo, lo único que pudo hacer es llorar de rabia viendo "This is it", la especie de documental-detrás de bambalinas que cuenta como Michael estaba armando un espectáculo absolutamente maravilloso y demostrar su admiración por el cantante poniendo 2 cuadros en su casa y un vinilo de 1 metro con su silueta en la puerta de la habitación.

¿Y a qué viene esta intro? pues con ella quiero deciros que me gusta MUCHO Michael, así que por un lado soy una espectadora muy crítica y por otro alguien que quiere ver cualquier cosa de él.

Ayer pude disfrutar en el Teatro Olympia de "Michael's legacy", un original espectáculo que combina diversos recursos para traer de vuelta al artista.
El show empieza recreando un concierto y nos da la sensación de que va a ser todo el rato así (cosa que a mi no me habría desagradado, todo sea dicho) pero después vemos que es más, hay un hilo conductor, una historia introducida a modo de musical y además podremos disfrutar de los vídeos más icónicos representados en directo.
Esto hace que todo sea más dinámico, original y sorprendente que la mera recreación de un concierto. Si bien es cierto que los momentos de trama-musical resultan un bajón en el ritmo, son necesarios para contextualizar el porqué aparecerá la siguiente canción y darle un trasfondo palpable.

En cuanto a la escenografía, el espectáculo se basa sobre todo en proyecciones al fondo y el cuerpo de baile y sus cambios de vestuario.

Y por supuesto, hay que analizar con lupa al imitador de Michael, en quien se sustenta todo.
Sin duda, es una persona que ha estudiado al milímetro todos los movimientos y se ha aprendido de Pe a Pa sus coreografías, demostrando un respeto y cariño por el personaje claramente palpables. Se mimetiza y en muchos momentos te da la sensación de estar viendo realmente al Rey del pop. En varias ocasiones se me pusieron los pelos como Scorpions.

Concluyendo, un espectáculo que, aunque no es ostentoso, sí recrea con gusto, cariño, respeto y originalidad la obra del artista. Gustará mucho a los fans.





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02 septiembre 2017

Parada en el Infierno (Stop over in hell)







Título: Parada en el Infierno
Título original: Stop over in hell
Dirección: Víctor Matellano
País: España
Actores: Tábata Cerezo, Enzo G. Castellari, Nadia de Santiago, Antonio Mayans, Guillermo Montesinos, Maarten Dannenberg, Conrado San Martín, Ramón Langa, Manuel Bandera, Pablo Scola, Marta Fenollar, Veki G. Velilla, Tania Watson, Karlos Klaumannsmoller, Fernando Valdivielso, Denis Rafter, Víctor Vidal, Jorge Quesada
Año: 2016
Duración: 92'
Crítico: La Perra Verde

Valoración:






Tarantino, hijo, no hace falta que ruedes la recreación de los asesinatos de la "familia Manson", que ya existe esta película. Y es que es lo que tiene el icónico director, que su sombra es muy alargada y todo el mundo quiere ser él, pero no todo el mundo es Tarantino y a ti te encontré en la calle.

La película que nos ocupa es una western rodado íntegramente en España que usa y abusa de la ultraviolencia y lo explícito. Da la sensación de que estamos viendo "La matanza de Texas meets el lejano oeste", porque los malos son maniqueamente malvados y hacen barrabasadas por el placer de hacerlas, sin ninguna motivación en claro o sin que dé la sensación de que todo ese sufrimiento vaya a servir para algo, sea en forma de moraleja o de superación o crecimiento personal de los personajes.


Una película llena de diálogos y monólogos gratuitos, largos, rimbombantes y grandilocuentes que nos intenta hacer ver que, sobre todo uno de los personajes, tiene un carisma y una profundidad y complejidad de los que en realidad carece.

Ahora pasamos al uso de la cámara lenta, del que también se hace un uso excesivo, llegando a ser ridículo el resultado en un punto determinado, concretamente una escena en la que sale Manuel Bandera. El efecto se usa para crear dramatismo y tensión, pero lejos de eso, el resultado es forzado y risible.

Y por último acabamos con las actuaciones y doblaje. Pese a contar con rostros populares como Guillermo Montesinos, Nadia de Santiago o Manuel Bandera, todo resulta muy forzado, no hay fluidez por ningún lado en las presentaciones de los personajes o en el desarrollo de diálogos y trama. En cuanto al doblaje... parece mentira que haya implicados en él grandes profesionales como Ramón Langa, porque en algunos personajes sí se nota que hay una buena interpretación y cuadrado con la boca, sin embargo en el caso de otros personajes se aprecia la sensación de, o bien inexperiencia o bien desgana, cosa que da como resultado un doblaje digno de un programa americano de la TDT y que acaba por sacarte del film.

Podría valorar más cosas en cuanto al aspecto técnico, de fotografía o de guión, pero creo que ya está bien de criticar y es hora de llegar a la conclusión final.

Con más ganas de homenajear todo lo que le gusta al director que buenos resultados finales, esta película no es buena, ni es mala realmente, es como un experimento casero, una especie de hacer una tarantinada de marca blanca, pero sin la clase y el estilo de éste, porque incluso para rodar y plasmar la inmundicia humana y la sordidez, hay que tener arte, para que no te quede una mera película gore ambientada en el oeste.
En cualquier caso, la recomiendo porque me ha parecido curiosa y con posibilidades e incluso me ha dado ganas de ver las anteriores obras de su director, Víctor Matellano, para así comprobar si es un director que vive de referencias ajenas o sólo es alguien que intenta forjarse un estilo propio haciendo lo que al fin y al cabo hacemos todo el mundo para aprender... copiar.



Créditos: cartel al óleo extraído del blog del dibujante Manuel Sanjulián



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22 agosto 2017

El musical "Priscila, reina del desierto" llega a Valencia

Desde el 1 al 12 de noviembre podremos disfrutar en Valencia del musical "Priscila, reina del desierto", basada en la película homónima. A diferencia de lo que es habitual en este tipo de espectáculos, las representaciones tendrán lugar en el espacio polivalente La Rambleta.
Se pueden adquirir las entradas desde 45 euros (La entrada incluye parking gratuito hasta completar aforo y cerveza o refresco.)

FUNCIONES:
- Miércoles 1 noviembre a las 20:30h.
- Jueves 2 noviembre a las 20:30h.
- Viernes 3 noviembre a las 18:00 y 22:00h.
- Domingo 5 noviembre a las 17:00 y 21:00h.
- Martes 7 noviembre a las 20:30h.
- Miércoles 8 noviembre a las 20:30h.
- Jueves 9 noviembre a las 20:30h.
- Viernes 10 noviembre a las 18:00 y 22:00h.
- Sábado 11 noviembre a las 18:00 y 22:00h.
- Domingo 12 noviembre a las 17:00 y 21:00h.








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Michael's Legacy llega a Valencia



Desde el 6 al 10 de septiembre podremos ver en el teatro Olympia Michael's Legacy, avalado por el Club de Fans de Michael Jackson en España como el mejor espectáculo musical sobre El Rey del Pop en la actualidad, es un homenaje a Michael Jackson creado por la compañía Jackson Dance Company. Michael's Legacy es el primer homenaje a Michael Jackson que ofrece el concepto de espectáculo que tenía el rey del pop en sus giras.

Una escenografía muy cuidada, réplicas exactas de las canciones originales y un toque especial dado por la compañía en sus representaciones, un gran cuerpo de baile formado por 9 bailarines y grandes voces en directo nos transmitirán a la perfección los mensajes que el rey del pop nos hacía llegar en cada una de sus actuaciones, haciéndote vivir una increíble historia como si tú fueses el protagonista. Para ello contamos con el mejor impersonator del Rey del Pop, con gran parecido físico y capaz de realizar y transmitir a la perfección cada movimiento y gesto que acompañaban en cada uno de sus conciertos a ese gran artista que fue MICHAEL JACKSON.

Entradas desde 20 euros





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21 agosto 2017

Death Note. La pelicula de Netflix



Título: Death Note
Dirección: Adam Wingard
País: USA
Actores: Nat Wolff, Willem Dafoe, Margaret Qualley, Shea Whigham, Keith Stanfield, Michael Shamus Wiles, Matthew Kevin Anderson, Jessica McLeod, Paul Nakauchi, Chris Britton, David S. Jung, Artin John, Tony Ali, Ash Lee, Anup Sehdev
Año: 2017
Duración: 101'
Crítico: Blueberry






Valoración





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18 agosto 2017

La torre oscura









Título: La torre oscura
Título original: The dark tower
Dirección: Nikolaj Arcel
País: USA
Actores: Idris Elba, Matthew McConaughey, Katheryn Winnick, Abbey Lee, Tom Taylor, Jackie Earle Haley, Nicholas Hamilton, Fran Kranz, Claudia Kim, Michael Barbieri, José Zúñiga, Alex McGregor, Dennis Haysbert
Año: 2017
Duración: 95'
Crítico colaborador: Tita Cortés

Valoración:


“Tall, dark and handsome is about to crash this party” es una introducción pistonuda para Idris Elba que creo que debería utilizarse a partir de ahora siempre para su persona independientemente del momento y el lugar. Ese derroche de creatividad es uno de los varios atractivos del personaje de McConaghey. El segundo es la combinación de abrigo largo + pechito al aire + calles de Nueva York de fondo que dan la sensación de que está como en un anuncio de una colonia, lo cual de alguna forma no desentona del todo, puede que porque se trata de McConaghey.

Elba por su parte luce su habitual sex appeal, aunque no han sabido aprovechar en su personaje el rollo pistolero Han Solo/Blade. Este por lo general exhuma molonería por defecto, pero el semblante atormentado del pobre “gunslinger” apaga un poco el atractivo del personaje. Lo cual no quita que tener a un actor negro interpretando un personaje canónicamente blanco (el cast de Idris Elba dio que hablar entre los fans de la novela original) rompa admirablemente con el monocromático blanco de Hollywood.

El tráiler presagiaba una pifiada total, pero solo ha sido una pifiada meridiana. Aunque ya sabes lo que dicen: que algo sea malo no significa que no te pueda gustar. Y que algo sea bueno no significa que te tenga que gustar. En este caso hablamos de lo primero. Las buenas noticias son que cuenta con música de Junkie XL (‘Batman VS. Superman’, película en la cual el tema “Is she with you?” que da paso a Wonder Woman es de las pocas cosas que merecen la pena del film) y sale Katheryn Winnick (Vikings) así que no todo está perdido. Además de una fotografía excepcional y unos efectos francamente buenos, cuenta con golpes de humor bien situados que hacen que no sea pesada.

El resultado es una paradoja porque, por una parte, como historia de mundo-en-peligro-salvado-por-un-niño sirve a su propósito. Pero por otro lado, el sello “Stephen King” sienta unas expectativas que el desarrollo de la película no cumple. Esperas más del rey de la novela de terror, y por muy simpática que resulte la amistad entre el héroe gruñón y el pequeño tesorito, no deja de ser una historia que podía haber hecho cualquier otro (y que, de hecho, ya ha hecho algún otro).

Y al final, ¿quién es el protagonista? ¿El chaval o el pistolero? Porque me dicen por el pinganillo que en los libros lo es el pistolero; el tráiler me lo confirma; y cuando llego a la peli tengo al chavalín arriba y abajo salvando al mundo y tal. Me parece a mí que nos hemos liao un poco. Tom Taylor, que interpreta a Jake Chambers, le ha robado la película a Idris Elba, y con bastante maestría, todo hay que decirlo, pero se la ha robado y eso es así. A ver si pillan ya a Elba como James Bond y podemos verlo por fin protagonizando una película.



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17 agosto 2017

VALERIAN Y LA CIUDAD DE LOS MIL PLANETAS





Título original: Valerian and the city of a thousand planets
Dirección: Luc Besson
País: Francia
Actores: Dane DeHaan, Cara Delevingne, Clive Owen, Rihanna, Ethan Hawke, Herbie Hancock, John Goodman, Rutger Hauer, Kris Wu, Emilie Livingston, Aurelien Gaya
Año: 2017
Duración: 137'
Crítico: Harkness
Puntuación:






Vuelve Luc Besson, el franchute loco que desafió a Hollywood hace más de una década, en aquel intento por ofrecer un cine palomitero europeo capaz de competir con la todopoderosa industria del entretenimiento yanki, aún a costa de replicar sus códigos sin disimulo. Vuelve un hombre de cine, en definitiva. Alguien para quien la sutileza nunca ha sido la virtud principal, pero eso no le ha impedido ser etiquetado como “visionario” (un adjetivo hoy en día tan vendible como su cine), llevando alguna de sus películas la muletilla “...de Luc Besson” en el título, cual garantía de calidad y autoralismo (tal es el caso de su Juana de Arco, una versión de la vida de la santa sin mucho que ver con la de Dreyer ni con la de Robert Bresson... y jamás una letra de diferencia en un apellido marcó una diferencia tan abismal en dos creadores visuales, por lo demás, igual de franchutes).

Pero sobre todo, el bueno de Luc es conocido por ser el tipo detrás de El quinto elemento, ejercicio de sci-fi tan imaginativo como tronado, que fue masacrado sin piedad en el momento de su estreno, pero que poco a poco ha ido alcanzando un estatus de culto entre sus seguidores. Valerian y la ciudad de los mil planetas supone todo un retorno a ese cine exageradamente pulp y desprejuiciado. Se basa en Valérian y Láureline, un clásico del cómic europeo de finales de los sesenta, sobre una pareja de intrépidos agentes espacio-temporales cuyas aventuras transcurren en todo tipo de mundos fantásticos. Es decir, material muy apto para que este señor haga de las suyas y lo convierta en un delirio a la altura del que protagonizaron Bruce Willis y Milla Jovovich en 1997.





Estamos ante un espectáculo visual en toda regla, una película de blandiblup ambientada en el mundo de la piruleta donde el argumento es una nimedad, por momentos apenas una débil excusa para encadenar locuras y ocurrencias tan gratuitas como próximas a la genialidad. Abunda el detallismo visual, el gusto por el diseño cuidadoso de ambientes y criaturas, por construir visualmente un mundo, en definitiva, y por llenarlo de secuencias llamativas, aunque sean dignas de haberse metido un tripi en mal estado. Y es que, frente a un cine pajero dirigido a niñatos con adicción severa a la X-Box, el cine de Besson parece imaginado por un niño pequeño, es tontísimo, muy simple y de lo más inocentón... lo cual, por otra parte, no es malo, ya que se mantiene (al menos creo yo) una coherencia de estilo y de tono hasta el final. Si hubiera que poner ejemplos, yo diría que ésto sigue la estela de cosas como Flash Gordon y Barbarella, sin ir más lejos.

Lo peor que puedo decir es que los dos actores protagonistas (Dane DeHaan y Cara Delevigne, en la cresta de la ola ambos) son poco menos que un error de cásting, pues ella es una pedazo de modelo metida a actriz, con desiguales resultados, mientras que él no pega mucho con el papel de antihéroe cínico y vacilón... ambos son más bien inexpresivos, sosetes cual muñecos articulados de Mattel que hubieran cobrado vida repentinamente. Quién sabe si algo así era la intención primera de Besson. Otro punto criticable que señalaría es el plagiazo avataril que se marca nuestro amigo Luc... más sangrante en alguien que presume de ser un “creador de universos” con gran talento para la “imaginería visual” y todo eso que suele decirse.




Sin embargo, y frente al aluvión de malas críticas, mi opinión no deja de ser positiva, incluso muy positiva. Pues ante la borrachera de cinismo, seriedad y oscuridad que vivimos en la actualidad, frente a la idea de que cierto cine palomitero (¿alguien ha dicho DC?) debe poseer tales características para ser considerado “adulto”, “maduro” y “de calidad”, que desde luego es una absoluta falacia sostenida por idiotas pretenciosos que merecen morir lentamente, encuentro en Valerian una obra honesta y valiente, hecha por un tipo con las ideas claras y no por un puñado de ejecutivos en un estudio... de ahí que, por otra parte, esté imbuida del vértigo, de la personalidad, de la irregularidad incluso, que otros blockbusters tan correctos como ya rutinarios (ahora me refiero a Marvel) no tienen. Como pasa con toda propuesta arriesgada (al menos hasta cierto punto), prepárate para disfrutar como un gorrino en un lodazal si conectas con ella... de lo contrario, es probable que te resulte aborrecible del todo.







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14 agosto 2017

The Defenders



Título de la serie: The Defenders
Crítico colaborador: Victor S



A finales de 2013 Marvel anunciaba que de forma similar a la estrategia llevada a cabo con sus películas, había llegado a un acuerdo con Netflix para un macroproyecto de televisión que expandiría el MCU mediante 4 series individuales de héroes urbanos que unirían sus fuerzas en “Los Defensores”. En estos años hemos tenido grandes éxitos (Jessica Jones y las 2 temporadas de Daredevil) y casos menos afortunados (Luke Cage e Iron Fist), aunque el futuro pinta prometedor tras haberse dado luz verde al spinoff de Punisher y a las segundas temporadas (3ª en el caso del cuernecitos) de las series ya existentes. Pero centrémonos en el presente. El próximo viernes 18 de Agosto se estrenan de manera íntegra los 8 episodios de The Defenders. ¿Estará a la altura de las expectativas? Por cortesía de Netflix y tras haber visto los primeros 4 episodios, paso a compartir mis impresiones.
 
Antes quisiera decir que me resulta difícil valorar una serie viendo la mitad de temporada, más aún cuando no es un formato de “caso de la semana” si no una única historia. Lo ideal sería analizar el piloto o esperar a la totalidad de episodios, evitando así opiniones precipitadas como en Luke Cage (con notas tremendas pese a que luego se desinflaba)) o Iron Fist (vapuleada y abandonada por muchos antes de que la trama empezase a dar respuestas). Respecto a los spoilers, no voy a hacer como tal, pero puede caer algún dato para dar contexto, o sobre las series que la preceden.

Todo comienza meses después del cliffhanger que tuvimos en Iron Fist. Uno podría pensar (yo mismo lo hacía) que al ser sólo 8 episodios enseguida tendríamos a los protagonistas reunidos y empezarían a llover los golpes. No es el caso. Para bien o para mal, a Netflix le gusta cocinar las cosas a fuego lento. El primer par de capítulos funciona como una especie de continuación de cada temporada individual, viendo en que situación está cada uno de los cuatro héroes y cómo se embarcan en tramas aparentemente inconexas (a Jessica se le ofrece un caso, Danny y Colleen siguen la pista de la Mano etc). Al ir avanzando la historia, los distintos frentes se van solapando unos con otros hasta que todos convergen de manera muy orgánica. Tiene mérito, ya que aunque las series compartían ciertos rasgos como el entorno urbano y la oscuridad/violencia, cada una tenía una personalidad y un tono muy dispares entre sí.

Haciendo énfasis en esto, los showrunners Doug Petrie y Marco Ramirez (Daredevil 2) han optado por mantener la estética y la paleta de colores de cada serie, de forma que por ejemplo en las escenas con Daredevil tenemos la habitual oscuridad, tonos rojos y contrapicados, mientras que en las de Luke predominan el amarillo, la cámara en mano o el hip hop sonando de fondo. El contraste es tan marcado que por ejemplo en el piloto solo con ver el plano de una escena, ya podemos intuir a quien va a pertenecer. Conforme la trama empieza a ser grupal, la fotografía se va volviendo más homogénea, salvo alguna excepción en la que el peso de la escena lo lleva alguien en concreto. Es un recurso de dirección que me ha parecido muy original. Pocas cosas tengo que criticar en el apartado técnico salvo que a veces hay transiciones muy de videoclip de los noventa (lo entenderéis cuando lo veáis), cierto abuso del travelling en algunas secuencias y el CGI es mejorable en algunos puntos.

Uniendo fuerzas

En el MCU estamos ya acostumbrados a la conectividad y que se vaya bebiendo de las películas previas, pero en Netflix de momento lo habíamos visto a pequeña escala (Turk y Claire básicamente). En Defensores al fin consiguen llevarlo a cabo: los secundarios de cada serie (Misty, Trish, Karen, Foggy etc) enganchando con arcos de otros personajes, flecos pendientes que se retoman o el unir conceptos tan dispares como pueden ser el ambiente de Harlem de Luke con tramas de K´un-Lun sin que el resultado chirríe. Obviamente el haber visto todas las series previas hace que la experiencia sea más completa, pero los guionistas procuran que a través de diálogos y exposición al menos se pueda seguir el hilo básico sin perderse.

Los trailers ya dejaban entrever una adaptación libre del cómic “Tierra de Sombras” y mostraban que el peligro a gran escala al que debe enfrentarse el grupo es la Mano (buen trabajo a la hora de encajar todo lo que hemos visto sobre ellos e ir expandiéndolo), encabezada por una Elektra resucitada y por Sigourney Weaver como villana principal. Su personaje, Alexandra, continúa en la línea de buenos antagonistas que nos ha dado Netflix, siendo una mujer de negocios refinada, con mucha templanza y enigmática. Si bien no es que sea memorable de momento, Weaver tiene suficientes tablas como para jugar con ese halo de misterio sobrenatural y que mi interés se mantuviese siempre que aparecía en pantalla.

Terapia de grupo

Otro punto fuerte es las dinámicas entre personajes. Con personalidades y antecedentes tan distintos el terreno está sembrado para que haya ciertos momentos de ligereza, bromas y pullas de unos a otros. Este cambio ocasional de tono a veces se recalca con escenas bien iluminadas o a plena luz del día. Los roles están claramente definidos: Matt con problemas de confianza y prefiriendo hacer las cosas por su cuenta, Jessica haciendo gala del sarcasmo y su cinismo sin ninguna intención de ser una superheroína, Luke tratando de asimilar todo y poner cordura; y por último Danny feliz con la perspectiva de tener compañeros con poderes. La serie gana cada vez que todos están en la misma habitación, y es gracioso ver cómo pese a las reticencias de cada uno, se ven obligados a estar juntos. Otra ventaja clara de que la serie sea de grupo es que los minutos se reparten y si tienes algún personaje que no termina de calarte, los otros pueden compensarlo.

 
Los actores ya están hechos a sus papeles y hay buena química entre ellos, destacando a Charlie Cox con Krysten Ritter y Mike Colter con Finn Jones. Los intercambios dialécticos y las pullas son constantes y en todas direcciones, siendo Danny aún así el blanco habitual. Hablando de este último, más de uno que decidiese no ver Iron Fist y pensase que su individual era un mero trámite y que en Defensores pasaría desapercibido quizá se sorprenda (o se disguste) al comprobar que junto a Daredevil es básicamente el protagonista de la serie, ya que la historia principal viene de las series de ambos. Con razón Finn Jones dijo en su momento que Defensores puede considerarse su temporada 1.5.
Falta le hacía, porque algunos fallos importantes de planteamiento en su serie (culpa del ahora ex-showrunner Scott Buck), Danny Rand necesita un empujón para poder ganarse al público: en su individual era quizá el personaje menos interesante del elenco y a veces llegaba a ser cargante. Los showrunners de Daredevil manejan mejor su arco y su caracterización. Tras pasar meses desenvolviéndose en la civilización, el personaje es más sereno, ha madurado y es capaz de reírse un poco de sí mismo. Sigue siendo impulsivo y arrastrando algún trauma, pero ya no se comporta como un psicótico con rabietas constantes ni es ingenuo hasta el punto de parecer tonto. Veremos si con la segunda mitad de temporada continúa mejorando y crece de manera similar a lo que le ha ido pasando al Capitán América.

A partir piernas

En el apartado de acción hay novedades. Como nuevos coordinadores de stunts tenemos a Chris Brewster (doble habitual de Daredevil) y Matt Mullins, que realizan un trabajo notable y en la línea de lo que podemos ver en su serie individual. Cada uno de los héroes tiene un estilo definido y pese a que en la primera mitad no he podido ver demasiado a todos a la vez, aprovechan bien las posibilidades en cuanto a combos y poderes. Luke y Jessica son algo toscos porque muchas escenas las realizan los actores y la superfuerza da pie a que no haga falta coreografiar demasiado sus segmentos, mientras que Daredevil tiene los planos más vistosos (ventaja de tener al doble disfrazado). Respecto a Danny, en su serie salvo alguna escena puntual de los últimos capítulos, de “Arma Viviente” tenía poco más que el título. Como fan suyo me alegra decir que aquí se nota que Finn Jones ha estado entrenando y que los directores nuevos son mucho más competentes. Hay una escena contra varios enemigos que me alegró porque era ya más cercano a lo que cabría esperar del personaje.

Conclusión

The Defenders se toma su tiempo para establecer las relaciones y crear la dinámica pero es un buen cóctel de acción, entretenimiento superheroíco y diversión. Fans y espectadores medios deberían poder disfrutarla sin problema, salvo que se tenga aversión a temas más comiqueros como ninjas-misticismo o no hayan gustado las series anteriores. Yo ahora mismo estoy satisfecho, en el notable. Pero como dije al principio, es mejor esperar a valorar el conjunto. Lo bueno es que siendo 8 capítulos y con las piezas ya colocadas, la segunda mitad podría ser muy intensa.

La respuesta, a partir del 18 de Agosto.



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