27 junio 2018

HEREDITARY





Título original: Hereditary

País: Estados Unidos

Director: Ari Aster

Actores: Toni Collette, Gabriel Byrne, Alex Wolff, Milly Shapiro, Ann Dowd

Año: 2018

Duración: 126'

Crítico: Harkness

Puntuación:





El cine de terror independiente se ha puesto de moda de un tiempo a esta parte. Tras el éxito de sagas archiconocidas como Insidious o Expediente Warren, que van a lo seguro y apuestan por lo que mejor funciona (cierta inclinación nostálgica y “retro”, sustos a tutiplén al gusto de la chavalada), estamos viviendo una invasión de títulos, como La bruja, Déjame salir, Llega de noche, Feliz día de tu muerte... que más bien se caracterizan por romper, hasta cierto punto, con nuestras ideas preconcebidas sobre el género y por ser obra de directores incluso noveles, a menudo producidas por sellos como Blumhouse y A24.

Hereditary se incorpora a esta nueva ola terrorífica (que ya veremos cuánto dura) con el lema de ser El exorcista de nuestro tiempo, afirmación que suena más a puro marketing que a otra cosa, pero que nos pone sobre aviso sobre la singularidad de la propuesta; la de un cine que renuncia a lo superficial para impactar al espectador con un espanto que no consiste en sustos ni en golpes de sonido, sino en la exploración de una pesadilla que vive dentro de nosotros. Donde fantasmas y demonios tal vez no son más que un pálido reflejo del mal que hacen las personas normales y corrientes. Donde el peor horror imaginable es el que produce la pérdida de un ser querido, o unas relaciones interpersonales tan podridas que no tienen arreglo, o un doloroso sentimiento de culpa que, como algo pegajoso y repugnante, los personajes son incapaces de quitarse de encima.






El director, un tal Ari Aster, hace malabares para juntar dos películas en una; por un lado, un culebrón familiar, por otro, una de posesiones diabólicas de toda la vida. Y el resultado de tal mezcla es tan sorprendente como llamativo... pues acaba siendo un puzzle demencial cuyas piezas no tiene por qué encajar al milímetro; una casa en un árbol, un cadáver en el desván, unas palabras crípticas escritas en una pared... Si muchas películas agotan su significado tras un visionado, aquí tenemos un ejemplo de trama contada a través de alusiones y símbolos cuyo significado no está claro para todo el mundo. En Hereditary da la impresión de que lo terrorífico no es más que la versión exagerada al máximo de lo dramático. De que las películas de terror en realidad no dejan de ser dramones muy extremos y jodidos, y por eso nos causan impacto.

La parte “humana” de la historia da un giro que no te ves venir y te viola la mente; algunos aplaudirán la valentía de abordar con semejante desgarro y crudeza el dolor humano... a mí me parece que hay algo de pornográfico en ello y no sé si todo vale para obtener el resultado que Aster persigue. Por otra parte, semejante afán de llevar tan lejos el elemento dramático me hace pensar que el debut de este señor bien puede ser una cinta autobiográfica donde habla de su propia vida, o de vivencias que pueden serle cercanas (aunque solo es una especulación mía). Otro aspecto reprochable es que por momentos el desarrollo argumental corre el peligro de caer en el todo vale (sin afán de mentar spoiler alguno, decir que el tercio final puede que esté un poco pillado por los pelos... cosa que incrementa, desde luego, la impresión general de locura y ausencia de lógica).





Mucha fuerza contiene el apartado visual, con una planificación y un diseño de producción apabullantes; cada imagen parece llenarse de un detallismo extremo (habitaciones invadidas de objetos y de recovecos, iluminación tirando a lisérgica y haciendo uso de colores intensos), mientras que tanto banda sonora musical como sonidos y ruidos ambientales están calculadamente ideados para perturbar el ánimo. La interpretación de la madre será lo que más destaque... pero el padre (Gabriel Byrne), con esa entereza y sencillez que demuestra, no se queda atrás. El motivo visual de la casita de muñecas, en definitiva, supone tanto una clave del argumento (que nos habla de la obsesión de una madre por exorcizar sin éxito sus traumas, reproduciéndolos una y otra vez mediante el arte) como una idea que se traduce en imagenes, pues ciertamente muchos planos parecen imitar este tipo de juguetes. Una manera sutil de decirnos que el destino de la familia protagonista está diseñado y dominado por una fuerza maléfica superior, que les controla como a muñecos indefensos.





Para terminar, una última interpretación que puede suponer un SPOILER...

...es la que me lleva a ver la película no como una de sectas satánicas a lo Polanski, ni como un dramón a lo Bergman, sino como la crónica del final de la infancia y de la entrada en la edad adulta de un personaje, el del hijo mayor y más que probable alter-ego del director, que nos estaría hablando (como digo más arriba) sobre su propia y disfuncional familia, rota por una cadena de malos sentimientos, culpas y desafectos iniciada por una abuela tiránica, cuyas consecuencias sufren todos (todos salvo un padre ajeno a la familia, el único que logra mantenerse cuerdo ante semejante berenjenal). El chaval, tras tocar fondo, completa su propio proceso de maduración, renacimiento y transmisión de una herencia “real” por parte de su “simpática” abuela, que le hace por fin dueño de su destino y sin ser esclavo (como lo son los demás) de nadie ni de nada. El desenlace, tan inquietante como moralmente ambiguo, es muy similar al de la mencionada La bruja, también sobre la familia y la faceta liberadora de lo oscuro y abyecto, que experimenta un personaje adolescente que deja atrás la turbia herencia de sus seres más queridos.



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11 junio 2018

Los Increíbles 2








Título: Los increíbles 2
Título original: The incredibles 2
Dirección: Brad Bird
País: Estados Unidos
Actores: Reparto (voces en v.o): Craig T. Nelson (Bob Parr/Mr. Íncreible); Holly Hunter (Helen Parr/Mrs. Íncreible); Samuel L. Jackson (Lucius/Frozono); Catherine Keener (Evelyn Deavor); Bob Odenkirk (Winston Deavor).
Año: 2018
Duración: 118'
Crítico colaborador: Warriors77

Valoración:




Catorce años después, la familia Parr vuelve a las pantallas para enfrentarse a un nuevo enemigo. En esta ocasión, Helen comenzará a trabajar para el multimillonario Winston Deavor y su hermana Evelyn, quienes quieren conseguir que los héroes vuelvan a ser legales. Mientras tanto, Bob se queda al cuidado de sus tres hijos. Dentro de poco nuestros protagonistas se enfrentarán al villano Raptapantallas, cuya motivación es destruir para siempre a los héroes.

Tras haber dirigido las cintas de imagen real Misión imposible: protocolo fantasma y Tomorrowland, Bird vuelve a un terreno que conoce a la perfección y que no ha parado de darle alegrías. Con esta nueva película, el realizador vuelve a demostrar su talento a la hora de combinar acción, comedia y unas gotas de drama en la que es, hasta el momento, la última producción de Pixar y que, seguramente, arrasará en taquillas cuando se estrene en nuestro país.

Con buen acierto, la cinta arranca justo donde finalizó la anterior, es decir, con nuestros héroes dispuestos a enfrentarse al Socavador para luego saltar al argumento principal. Ya desde los primeros instantes, comprobamos como esta secuela va a tirar más por los momentos espectaculares y que nos ofrecerá más escenas de acción que su predecesora. Lo que se confirma momentos después, en lo que es, en opinión de quien esto suscribe, una de las mejores secuencias de la película en la que se ve envuelta Elastigirl. La forma en que está animada la secuencia y el manejo de la cámara por parte de Bird, hace que no tenga nada que envidiar a las producciones de imagen real. 



Si Helen se encarga de los instantes más dinámicos, Bob está a cargo de los instantes más pausados y donde nos demuestra que, a pesar de sus poderes, se ve superado por la situación de llevar adelante la casa y hacerse cargo de sus hijos, con los problemas que ello conlleva: desamores adolescentes; ayudar con los deberes; llevar adelante una casa…. En este aspecto, Bird quiere rendir homenaje a todos aquellos padres y madres de familia que se ocupan de las tareas del hogar mientras su pareja trabaja. Con esto nos quiere decir que ellas y ellos son los verdaderos superhéroes, a pesar de carecer de poderes. 

Pero si hay un personaje que roba la película con cada aparición, este es Jack Jack. El bebé de los Parr mostrará sus múltiples poderes,  los cuales causarán más de una carcajada entre los espectadores. Suyos son los momentos más ligeros y divertidos de la cinta. 

Con esta nueva producción, Pixar vuelve a demostrar su maestría en el género de animación, y que son el estudio a batir en lo que a cintas animadas se refiere. Y es que uno no puede sino asombrarse por la animación de los personajes, su pelo o expresiones, las texturas del agua, fuego o comida. 

Una secuela superior al original, y que rompe con la famosa cita “segundas partes nunca fueron buenas”. Este es uno de los casos en los que el tópico no se cumple, y se une al selecto club de continuaciones de producciones que logran superar a su predecesora como ocurre en los casos de El padrino 2 y El imperio contraataca

Como no podía ser de otra forma, la película va precedida del corto Bao, del que cuanto menos se sepa mejor, ya que mucho mejor sorprenderse ante lo que vamos a ver. Sin una sola palabra y tan solo con las expresiones de los personajes y el uso de la banda sonora, los espectadores se asombrarán ante una historia en el que la comedia y el drama quedan bien equilibrados.




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18 mayo 2018

DEADPOOL 2




Título: DEADPOOL 2
Director: David Leitch
País: USA
Actores: Ryan Reynolds,  Zazie Beetz,  Josh Brolin,  Morena Baccarin,  T.J. Miller,  Karan Soni, Brianna Hildebrand,  Leslie Uggams,  Jack Kesy,  Julian Dennison,  Eddie Marsan, Lewis Tan,  Bill Skarsgård,  Rob Delaney,  Terry Crews,  Shiori Kutsuna,  Hayley Sales, Luke Roessler,  Scott Vickaryous,  Tanis Dolman,  Nikolai Witschl,  Andréa Vawda
Año: 2018
Duración: 111’
Crítico : Blueberry








Valoración:






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02 mayo 2018

Desatadas de Paz Padilla llega a Valencia




Paz Padilla regresa a los escenarios protagonizando la comedia Desatadas, el nuevo espectáculo teatral que dirige Félix Sabroso, que cuenta también con la actrices Natalie Pinot y Rocío Marín.
Una comedia que se construye a partir de escenas independientes que poseen todas un fondo común, la mentira y la locura que tiñe todas las situaciones de la vida actual. La religión, el miedo a la soledad, el engaño en la pareja, la competitividad en el ámbito profesional, la crueldad familiar, el desamor y hasta la muerte o la locura.
Como en otros espectáculos de Sabroso, el director se sirve de una estructura que le es conocida, donde tres actrices se enfrentan en piezas cortas y sketches, metiendo al espectador en un universo de situaciones reconocibles y sorpresivas... Cuenta Félix Sabroso que Desatadas nace de la voluntad de hacer comedia, "de la necesidad de retratar la sociedad actual, de revisar esa delgada línea que separa la normalidad de la locura". Así, las tres actrices van entrando y saliendo de diferentes historias, mostrando diferentes matices y roles hasta conseguir "un espectáculo con 'recao', muy divertido pero con mucha carga de fondo".

Las funciones se realizarán entre el viernes 11 y el domingo 13 de mayo de 2018.
Los precios oscilan entre los 22 a 26 +GDG, y podréis encontrar las entradas aquí.



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23 abril 2018

La Film Symphony Orchestra crea el "FSO summer camp"



PONEN EN MARCHA UN MÉTODO EDUCATIVO EN VALENCIA QUE COMBINA LA MÚSICA DE CINE CON OTRAS MATERIAS EDUCATIVAS

·     Expertos demuestran que tiene múltiples beneficios en el desarrollo intelectual del alumno.

·     Una nueva forma de acercar la cultura al público más menudo.

Tras este innovador proyecto se encuentra la valenciana Film Symphony Orchestra, la orquesta líder en España de bandas sonoras de cine. Sus profesionales, muchos de ellos profesores y pedagogos especializados en educación musical , inteligencia emocional y coaching educativo, ponen en práctica en Valencia esta nueva técnica perteneciente al método ABP(aprendizaje basado en proyectos) que combina la música de cine con otras materias educativas.


La novedosa versión de este sistema educativo surge tras varios estudios por parte de expertos de FSO y  tiene como objetivo trabajar, mediante las bandas sonoras de cine,  la educación emocional, social y cognitiva de una manera experiencial y divertida.

Este método confirma que mediante la vivencia en primera persona, el alumno adquiere conocimientos más amplios al relacionar las bandas sonoras de cine con materias educativas actuales y también con aquellas que han permanecido aisladas durante años. Y es que está comprobado científicamente que la música potencia la mejora del estudiante a la hora de asimilar conceptos .

Asimismo, los alumnos asistirán a talleres en los que podrán disfrutar de los temas más conocidos de sus películas favoritas . Algunos como Star Wars y el Cosmos donde aprenderán sobre astronomía; Indiana Jones y la Arqueología en el que adquirirán conocimientos sobre las antiguas civilizaciones; o Frozen y el Clima donde sabrán las consecuencias del cambio climático.  Películas que servirán de hilo conductor para que los pequeños y los jóvenes de la casa perfeccionen sus conocimientos musicales y formen parte de una agrupación con músicos profesionales.

Todas estas actividades se va a poner por primer vez en marcha en el FSO Summer Camp . El primer campamento para niños y adolescentes dedicado única y exclusivamente a la música de cine. Una idea totalmente pionera que busca acercar la música al público más menudo.
FSO Summer Camp se inicia este mes de julio en dos localizaciones: La Casona del Prado de Segovia y Casa Don Bosco de Godelleta en Valencia. Dos ubicaciones alejadas de la ciudad para además, poder estar en contacto con la naturaleza y disfrutar de las actividades al aire libre.
¿Quién lo organiza?

FSO Summer Camp es una iniciativa educativa que surge en 2017 de la mano  de Film Symphony Orchestra ,la orquesta líder en conciertos de música de cine en España. Presentes  en la ceremonia de los 32 Premios Goya en 2017, o en numerosas apariciones en el programa  El Hormiguero, con el actor Harrison Ford, el actor Hugh Grant con el actor Raul Arévalo y la actriz Nerea Barros, con el cocinero Carlos Arguiñano o con Pablo Motos y el futbolista Roberto Carlos. Una muestra del éxito de la orquesta la podemos ver  es esta en el pequeño vídeo resumen del concierto que ofrecieron en La Plaza de Toros de Las Ventas ante más de 10.000 personas. 

La idea de poner  en marcha el FSO Summer Camp  es del  creador y director de la Film Symphony OrchestraConstantino Martínez Orts  que junto con un equipo de docentes, músicos de FSO especializados en en educación musical, inteligencia emocional y coaching educativo, se dan cuenta de la asistencia, cada vez más habitual, de público infantil y juvenil en los en los conciertos de la orquesta. Espectáculos muy familiares en los que se generan buenos vínculos entre padres e hijos gracias al cine. Una gran oportunidad para que FSO siga trabajando en su compromiso de acercar la música sinfónica al público más menudo.


INSCRIPCIONES Y CONSULTAS en www.fsocamp.es



Gracias a VaivenComunicación por la nota de prensa



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09 abril 2018

Isla de perros











Título: Isla de perros
Título original: Isle of dogs
Dirección: Wes Anderson
País: Estados Unidos
Actores: Animación
Año: 2018
Duración: 101'
Crítico colaborador: David Hidalgo

Valoración:




Es una tarea harto difícil encontrar cineastas con un imaginario tan particular como el de Wes Anderson. Uno de los máximos representantes del cine indie norteamericano contemporáneo, su estilo bebe, en cierta medida, de la obsesiva simetría visual de directores como Ozu o Kubrick, mezclado con la estructura capitular de las cintas de Tarantino, pasando por ciertos temas e inquietudes ya tratados anteriormente por narradores como John Hughes: la soledad, el paso del tiempo, el relevo generacional, cómo mantenerse genuino en un mundo que solo tolera lo convencional…. Todo ello, pasado por un filtro único y personal, que le ha permitido consolidarse ante crítica y público como un artista polifacético, capaz de alternar entre cine de imagen real y películas de animación stop motion.

Y es, precisamente con esta última técnica, con la que Anderson nos regaló una joya en 2009: Fantastic Mr. Fox, que adaptaba un texto de Roald Dahl. El hecho de usar la técnica de la animación artesanal fotograma a fotograma no fue casual, ni tampoco una mera triquiñuela estilística: el stop motion le permitía controlar al máximo cada encuadre, de una forma que en el cine de imagen real nunca es del todo factible. Además, otorgaba a su cinta, no solo una estética y una textura memorables, sino que además le permitía disponer de la siempre agradecida licencia de romper con la siempre temida suspensión de incredulidad asociada al cine de imagen real. Dicho de otro modo: ¡en el cine de animación stop motion, todo es posible!

Es fundamental recordar esta premisa, porque este director la lleva todavía más lejos en su último trabajo, Isle of Dogs. Ya desde su épico y, al mismo tiempo, hilarante prólogo, acompañado por un texto que no duda en romper descaradamente la barrera entre cinta y espectador, Anderson nos avisa de que ésta no va a ser una historia convencional. ¡Y vaya que lo mantiene en todo momento!

Isle of Dogs es una película, desde luego no rompedora, pero tampoco fácil. Demasiado bizarra para el espectador más rutinario, demasiado orientalizada para quienes esperen una historia más conectada a lo que se supone que debe ser una cinta norteamericana, tal vez demasiado violenta para los más pequeños e incluso, con el riesgo de que los espectadores adultos decidan no ir a verla por ser de animación. Y, sin embargo, ¡todo aquel que le dé una oportunidad saldrá de lo más satisfecho!

Porque esta cinta es efectiva a muchos niveles. En lo narrativo, se permite combinar de forma ágil géneros tan dispares como el cine de aventuras, la comedia, el drama, la intriga política, las cintas de mafia e incluso la épica samurái, todo ello pasado por muchas referencias a la cultura nipona y a guiños culturales de todo tipo (atentos a los nombres de ciertos personajes), así como por numerosos cambios emocionales. De hecho, no pocas veces se pasa de un momento cargado de humor negro a una escena dramática, para después dar paso a un momento entrañable. A esto ayuda considerablemente el evidente mimo y perfeccionismo que desprende cada fotograma de este film, así como el excelente trabajo vocal que realiza el estelar reparto, con nombres como Bryan Cranston, Edward Norton, Scarlett Johansson o Frances McDormand poniendo voz a algunos de los personajes.

Por otro lado, su apartado técnico es apabullante, con un planteamiento visual reminiscente a la obra de Akira Kurosawa e incluso de Isao Takahata pero sin perder jamás las señas de identidad ni los referentes del cine de Anderson. En lo sonoro, la película cumple con mucha solvencia, con un diseño de sonido atmosférico y envolvente, así como una (por no romper su tradición) maravillosa banda sonora cortesía de Alexandre Desplat. Este compositor francés, ya habitual colaborador de Anderson y ganador de muchos merecidísimos galardones, nos deleita con una composición que alterna entre ritmos trepidantes y percusivos, con sonidos de viento que oscilan entre el humor cotidiano y el propósito de realzar la emoción contenida en cada pequeño momento.

También es reseñable que Anderson haya introducido claros elementos filosóficos en su obra. Por un lado, hay un claro discurso antiautoritario, donde se señalan los peligros y las consecuencias de que los votantes se crean los discursos demagógicos y totalitarios de cierta clase política. Además, en su estructura discursiva también se puede hallar cierto animalismo, así como un poderoso mensaje acerca del amor, de la familia, de la amistad y de cómo podemos crecernos ante las adversidades, ya que vale mucho la pena luchar por aquello que es justo. Eso sí, no esperéis que la cinta os aleccione: ante todo, su propósito es contar una buena historia de la forma más entretenida posible, y los mensajes se transmiten de forma sutil para quienes quieran verlos, en la mejor tradición del buen séptimo arte.

Si tuviera que ponerle un pero a esta obra, quizás le achacaría un tratamiento algo simplista de algunos personajes secundarios, así como un clímax algo precipitado, que se resuelve con simpatía y efectividad pero de una forma un tanto ramplona. Con todo, es una cinta con la que me he deleitado en lo sensorial, que me ha mantenido interesado e involucrado emocionalmente en todo momento, y con la que, en definitiva, he gozado de cada segundo. Sus 105 minutos se me han pasado volando, y siempre es de agradecer recibir una propuesta tan poco convencional como ésta en carteleras. Isle of Dogs vuelve a reafirmar por qué Wes Anderson es, desde hace mucho, uno de mis cineastas favoritos, y ya estoy esperando con mucho interés a saber qué nos ofrecerá en un futuro, ¡espero que cercano!




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25 marzo 2018

El Justiciero (DEATH WISH 2018)









Título: El Justiciero
Título original: Death Wish
Dirección: Eli Roth
País: Estados Unidos
Actores: Bruce Willis,  Vincent D'Onofrio,  Elisabeth Shue,  Dean Norris,  Kimberly Elise, Beau Knapp,  Mike Epps,  Jack Kesy,  Ronnie Gene Blevins,  Ian Matthews, Melantha Blackthorne,  Nathaly Thibault,  Alex Zelenka,  Sway,  Dawn Ford
Año: 2018
Duración: 107'
Critico: Blueberry

Valoración








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19 febrero 2018

Todo el dinero del mundo







Título: Todo el dinero del mundo
Título original: All the Money in the World
Dirección: Ridley Scott
País: Estados Unidos
Actores: Michelle Williams, Mark Wahlberg, Christopher Plummer, Timothy Hutton, Romain Duris, Charlie Shotwell, Charlie Plummer, Andrea Piedimonte, Marco Leonardi, Roy McCrerey, Kit Cranston, Maya Kelly, Stacy Martin, Olivia Grant, Adam Astill, Andrew Buchan, Charlotte Beckett, Francesca Inaudi, Giulio Base, Olivia Magnani, Maurizio Lombardi
Año: 2017
Duración: 132'
Crítico colaborador: Daniel Cervantes

Valoración:




Si bien actualmente no podemos decir con total seguridad que en la filmografía de Ridley Scott haya más películas buenas que malas, podemos al menos estar seguros de que Todo el dinero del mundo equilibra en mayor o menor medida la balanza a su favor. Un thriller con todas las características propias de las adaptaciones a la ficción de acontecimientos reales -personajes y situaciones sacados de la manga con propósitos dramáticos- que al menos cumple con las expectativas y hace que nos olvidemos de todo lo que ha rodeado a la película que tiene poco a nada que ver con la película; Kevin Spacey y su manufacturada ausencia.

Ridley Scott consigue, como ya ha hecho en otras muchas ocasiones a lo largo de su carrera, presentar a sus personajes de forma natural, tarea aún más difícil en el caso de Todo el dinero del mundo, que tiene el arduo labor de entregarle al público de manera creíble un personaje tan caricaturesco como fue Jean Paul Getty. Ni el más capitalista de los capitalistas ni el más mezquino de los mezquinos tragaría de buena gana un personaje tan miserable como J. P. Getty, cuyas tacañas peripecias retratadas en la película (la mayoría completamente reales) lo hacen de difícil digestión incluso sabiendo de antemano que tal persona existió realmente y que tales sucesos ocurrieron en la realidad. El veterano Christopher Plummer bajo la dirección de Ridley Scott y con el guión de David Scarpa consigue retratar con grandísima eficacia al por aquel entonces hombre más rico del planeta. Ayuda en este aspecto la composición y uso de la música de Daniel Pemberton para enfatizar la lógica y presencia detrás de un personaje tan difícil. Sorprende aún así la nominación al oscar de Christopher Plummer y la ausencia de mayor reconocimiento a Michelle Willliams -nominada, eso si, al globo de oro- que destaca por encima de todo el reparto a la hora de interpretar con naturalidad y credibilidad a Gail Harris, la madre del secuestrado.

Elemento característico e ineludible de Todo el dinero del mundo es el dinero en sí, que actuando como un personaje más, pone en duda la propia lógica capitalista y nos hace preguntarnos si es la propia riqueza, en cantidades desorbitadas, la que acaba constringiendo la libertad en lugar de garantizarla, entorpeciendo la búsqueda de la plenitud en lugar de facilitarla. Quizás por esto gusta Todo el dinero del mundo, porque funciona no solo como un retrato del secuestro de Paul Getty y la rocambolesca reacción de su enfermizamente rico abuelo si no además como un pequeño ensayo que, sin entrar en aguas muy profundas, nos hace cuestionarnos las anomalías espirituales de nuestro propio sistema, un sistema que nos promete a todos la posibilidad de convertirnos en J. P. Getty, “Todo tiene un precio, la dificultad reside en encontrar ese precio” le dice en la película el abuelo Getty a un joven Paul, ¿qué precio estamos dispuestos a pagar?



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15 febrero 2018

Prefiero que seamos amigos [teatro]




Título: Prefiero que seamos amigos
Duración: 110 minutos (sin intermedio)
Fecha de representación: 14 de febrero al 4 de marzo de 2018
LugarTeatre Talia
Precio: desde 16€ + GDG
Crítico: La Perra Verde


Protagonizada por Lolita (sobran presentaciones) y Luis Mottola (Es por tu bien) "Prefiero que seamos amigos" es una obra de teatro adaptada del texto del escritor, productor y cómico francés Laurent Ruquier.

El argumento es un clásico en las relaciones amorosas, el típico "soy tu mejor amigo-a pero estoy enamorado-a de ti", en este caso, Lolita será nuestra pagafantas de manual, que intentará mediante técnicas "linamorganescas" declararse a su mejor amigo, Valentín (casualidades de la vida, el estreno de la obra en Valencia ha sido el 14 de febrero).
Por un lado la obra es muy simpática, pero por otro, refleja algo que siempre me ha parecido muy triste en este tipo de relaciones, que viene a ser el hacerse pasar por algo que no eres o esconder una parte importante de tu ser. Te haces pasar por su mejor amigo-a cuando en realidad sólo quieres una relación formal (en el mejor de los casos) mintiendo a la otra persona que te considera algo que en realidad no eres, o te inhibes como persona ocultando tus verdaderos sentimientos.

Aquí Lolita traspasa la línea del "pagafantismo" para entrar como he mencionado antes en el terreno del "linamorganesquismo" (inventar palabros es gratis), a falta de soltar un "no lo cato, no lo cato" y sacarse las orejas por fuera de un sombrero casquete, sí la vemos ponerse sexy en poses imposibles y realizar un acoso y derribo a su "mejor amigo" digno de una orden judicial de alejamiento.

Más allá del flagrante acoso visto, la historia nos habla sobre las relaciones en la mediana edad, los cambios vitales y la complicidad, todo ello bajo la óptica de la ironía y el sarcarmo.

Ambos actores (los únicos a los que veremos en escena, salvo una aparición puntual para un cambio de escenario) demuestran tener química y bordan sus respectivos roles, y con sus diálogos e interactuaciones con el público, consiguen que este último se meta de lleno en la historia y aplaudan todos los chascarrillos respecto a la actualidad y las referencias a la ciudad con las que modifican ciertos diálogos. Además, por el mismo precio podremos ver a Lolita cantar en un par de ocasiones.





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