26 abril 2017

El musical Viva Broadway llega a Valencia



Desde el 17 al 27 de marzo podréis ver en el Teatro Olympia de Valencia el musical "Viva Broadway". En este link podréis adquirir las entradas.

Viva Broadway es un recorrido por los musicales más exitosos del mundo que se han representado en el circuito de Broadway, Nueva York. Revive más de un siglo de 40 teatros en 25 espectaculares números del teatro musical. Todo ello bajo una historia: la visión del precursor de los musicales, Thomas Baker, un hilarante personaje que no te dejará indiferente.

Aplausos, Grease, Chicago, Cabaret, Chorus Line, Mamma Mia, Hairspray, El fantasma de la Ópera, Evita, Fama, Cats, Flashdance y muchos más emocionantes musicales por descubrir...

Más de 100 piezas de vestuario, pantallas, shows de luces, elementos aéreos y cambios de escenografía enmarcarán en las más famosas canciones del teatro musical, interpretadas por voces en directo a través de coreografías espectaculares. Cantantes, bailarines, actores y acróbatas te harán vibrar en este viaje musical.

El viaje comienza con la visión del compositor británico Thomas Baker, cuando en 1850 en su natal Londres, idealiza al primer musical moderno. Y será en Broadway donde lo materializa y da inicio a un recorrido por casi 150 años de historia, a través de las vibrantes emociones que producen la fusión de la música, los diálogos, la canción y el baile, del teatro musical




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24 abril 2017

Guardianes de la Galaxia. Vol 2




Título:  Guardianes de la Galaxia Vol.2
Título original: Guardians of the Galaxy Vol.2
Director: James Gunn
País: USA
Actores:  Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper, Vin Diesel, Michael Rooker, Karen Gillan, Kurt Russell, Glenn Close, Sylvester Stallone, Elizabeth Debicki, Tommy Flanagan, Sean Gunn, Pom Klementieff, Chris Sullivan
Año: 2017
Duración: 137'
Crítico: Blueberry





Valoración:






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05 abril 2017

Thimbleweed Park







Titulo: Thimbleweed Park
Desarrollador: Terrible Toybox
Año: 2016
Crítico : Blueberry







Valoración:










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04 abril 2017

Life









Título: Life (vida)
Título original: Life
Dirección: Daniel Espinosa
País: USA
Actores: Jake Gyllenhaal, Rebecca Ferguson, Ryan Reynolds, Hiroyuki Sanada, Ariyon Bakare, Olga Dihovichnaya, Alexandre Nguyen
Año: 2017
Duración: 103'
Crítico colaborador: Daniel Pérez

Valoración:





En el espacio nadie puede oir tus gritos... Uy no, perdonad, esto es de otra película, se me deben de haber traspapelado las críticas.

Cualquier enfermo de la ciencia ficción de terror -me declaro culpable- encontrará referencias a más de uno y más de dos y más de tres clásicos del género en este previsible pero eficaz filme del sueco Daniel Espinosa; Una película que no peca de pretenciosidad y que no solo da lo que promete si no además un poquito más.

Aunque el ritmo se mantiene a un nivel salubre durante toda la película, es imposible no percibir un empequeñecimiento de la trama inversamente proporcional al crecimiento del "bicho" en cuestión (tentacular como los de la Arrival de Villeneuve, pero con mucha más mala hostia). No creo ni que el más apático de los espectadores sea incapaz de preveer en un acto de "clarividencia cinematográfica" uno o dos de los giros argumentales que ofrece la película lo cual, sin embargo y contra todo pronóstico, no resta demasiada espectacularidad a estos momentos.



Destacable fotografía, que aprovecha la recreada "gravedad cero" para sorprendernos e incomodarnos cuando así lo precisa la trama con planos originales y bien ejecutados, entre ellos algún que otro plano secuencia que aún pasando algo desapercibidos, no dejan de ser eficaces. Life no desperdicia ni una gota de su esencia y bebe sin tapujos (y "a gañote", todo sea dicho) de la ciencia ficción más oscura, la de La Cosa de Carpenter o el Alien: El Octavo Pasajero de Scott al mismo tiempo que evoca en según que momentos a títulos más modernos y pretendidamente realistas como la inflada Gravity de Cuarón o Interstellar de Nolan (La música -imagino que deliberadamente "hanszimmeriana"- ayuda bastante en tal efecto).

Las interpretaciones bien, lo que se espera del grupo de astronautas internacionales "cada uno de su padre y de su madre" al que nos tiene acostumbrado el género. Jake Ghyllenhaal no hace el papelón de su vida (tampoco la película lo precisa) y Ryan Reynolds hace... pues... eso... de Ryan Reynolds. Destacable en todo caso Rebecca Ferguson, cuyo personaje considero tiene tanto más credibilidad como más peso narrativo.

Life es buena, me atrevería a decir que bastante buena, destacando más en el aspecto terrorífico que en el de ciencia ficción (lo siento amantes del hard sci-fi, lo nuestro sigue siendo carne de indie). Aunque intenta ser dura de principio a fin, considero que es la primera media hora la que más puede hacer sufrir a los más aprensivos, algo tan raro de ver en el maltratado terror del cine contemporáneo que no puedo más que sentirme agradecido, al fin y al cabo Life es una película de gente sufriendo en el espacio, así que lo que debe conseguir (y consigue) es hacernos sufrir en la sala.

Si te vuelve loco ver a voraces seres espaciales acechar a incautos astronautas desde los conductos de ventilación, vas a disfrutar como un loco de Alien, El Octavo.. ¡NO! Perdón, me he vuelto a traspapelar... ¡LIFE! Quería decir Life.




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29 marzo 2017

Ghost in the Shell (El alma de la máquina)



Título: Ghost in the Shell (El Alma de la máquina)  
Título original: Ghost in the Shell
Dirección: Rupert Sanders
País: USA
Actores: Scarlett Johansson, Michael Pitt, Juliette Binoche, Michael Wincott, Pilou Asbæk, Takeshi Kitano, Christopher Obi, Joseph Naufahu, Chin Han, Kaori Momoi, Yutaka Izumihara, Tawanda Manyimo, Lasarus Ratuere, Danusia Samal, Rila Fukushima
Año: 2017
Duración: 120'
Crítico: Blueberry





Valoración: 







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24 marzo 2017

CRUDO


 


Título original: Raw - Grave
Dirección: Julia Ducournau
País: Francia
Actores: Garance Marillier, Ella Rumpf, Rabah Nait Oufella, Laurent Lucas, Bouli Lanners, Joana Preiss, Marion Vernoux, Denis Mpunga, Jean-Louis Sbille
Año: 2016
Duración: 98'
Crítico: Harkness





Valoración:






El reciente cine de terror francés (gore, para ser más exactos) goza de una reputación asentada gracias a una buena retahíla de títulos extremadamente violentos y sangrientos, estrenados en la década pasada, del calibre de A l'interieur, Martyrs y Alta tensión. Crudo parece ser la última revelación del género, la típica película que se convierte en un pequeño fenómeno, con fama de haber provocado incidentes durante sus proyecciones (gente saliéndose del cine, vomitando incluso), cosa que sin duda beneficiará su campaña de marketing e impulsará a más de uno a verla, más atraído por el morbo que otra cosa.


A grandes rasgos, el argumento es el siguiente; una joven muy mimada, perteneciente a una familia donde todos son veterinarios y veganos, comienza el primer curso en la facultad de veterinaria, pero cuando empieza a sufrir las brutales novatadas de los alumnos veteranos y a integrarse en el mundillo estudiantil, lejos de la protección del hogar, descubre que la carne le gusta... demasiado. Que la muchacha se vuelve nada menos que caníbal, vamos.






El caso es que, a un servidor, Crudo le ha fascinado por completo. Una experiencia absolutamente hipnótica, una cosa tremenda, canela en rama. Una propuesta carga de sordidez, de incomodidad, de mala leche, absolutamente... deliciosa (lamentable chiste, lo sé). Y sin nada que ver el con ese terror adolescente de chichinabo, de sustos baratos y de contenido a menudo moralista, tan habitual del slasher. Pues el canibalismo no es sino una metáfora de una fuerza tremenda, que le sirve a la directora para explorar más de un tema controvertido, siendo el más evidente el del paso de la niñez a la edad adulta, con toda la confusión y conflictos que eso provoca. Y lo cierto es que la película, bajo ese envoltorio de cine gore y truculento, trata de cuestiones sumamente universales que a todos nos suenan, sobre una persona que intenta formar parte de algo, al principio sin entender muy bien de qué va el asunto, y que termina desmandrándose y perdiendo el control. Hay quien dice que Crudo podría tratar del alcohol, de las drogas, de la anorexia, y estoy completamente de acuerdo.


Además, es una historia muy tierna de amor, amistad y reconciliación entre dos hermanas (una, la cabra loca, la otra, la modosita) que tienen los habituales piques entre hermanas y no son tan diferentes entre sí. Pero por encima de todo, más allá del drama y del terror, creo que estamos ante una grandísima comedia negra, de lo más bruta, llena de momentos tensos y desagradables donde no sabes muy bien si echarte a reír o si mirar para otro lado y evitar el asco. Es una crítica muy aguda, por cierto, al veganismo; cuanto más puritano seas con un tema, más probabilidades tienes de ocultar algo siniestro al respecto, parece ser la idea central.





Es posible que sobren efectismo y momentos videocliperos, pero la labor de la tal Ducournau tras la cámara, creando atmósfera con la fotografía, o con la música (muy interesante la selección de canciones que incorpora, por cierto), me ha parecido más que satisfactoria. La influencia del cine de David Cronenberg está presente en un trasfondo de sexualidad retorcida, acompañada de cambios físicos y psicológicos que hacen cada vez más difusos los límites entre la condición humana y la animal. También veo a J. G. Ballard en algunas cosas; en la pulsión de muerte que lo recorre todo, en la idea de unos accidentes automovilísticos provocados. O en la importancia que tiene un microcosmos social jodido en el ambiente, relacionado con las putadas a los recién llegados a la universidad. Todo ello sin emitir moralejas ni juzgar, tan solo contemplando de manera cercana la iniciación (literal) de nuestra cada vez menos pazguata heroína. El final con el padre, un gag como una casa; la violencia como herencia de la cual es imposible escapar.


Obra maestra, en definitiva. Ya tengo una de mis favoritas del año y a la espera estoy de ver lo próximo de esta señora.




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22 marzo 2017

La cura del bienestar









Título: La cura del bienestar
Título original:A cure for wellness
Dirección: Gore Verbinski
País: USA
Actores: Dane DeHaan, Jason Isaacs, Mia Goth, Susanne Wuest, Celia Imrie, Lisa Banes, Adrian Schiller, Ivo Nandi, Natalia Bobrich, Johannes Krisch, Jason Babinsky, Judith Hoersch, Jeff Burrell, Eric Todd, Godehard Giese, Craig Wroe
Año: 2017
Duración: 156'
Crítico colaborador: JJ Bonal

Valoración:





El pasado viernes acudi al pase de “La cura del bienestar”, la última película de Gore Verbinski. He aquí mis impresiones.

Animado por el tráiler, decidí asistir a este pase, convencido de que me encontraría con una vuelta de tuerca de cuento de E. A. Poe “El método del profesor Alquitrán y el Dr. Pluma”. La realidad resultó ser un jarro de agua fría de sabor agridulce, ya que me encontré con una película de tipo thriller gótico y que poco tenía que ver con la premisa esperada. Pese a ello la disfruté bastante.

Lockhart (Dane Dehaan), un joven ejecutivo es enviado a los Alpes Suizos para traer de vuelta de un recóndito balneario al director de la compañía, tarea poco grata pero que le garantizará un importante puesto en la junta directiva. Sin embargo un accidente hará que se vea obligado a permanecer allí en reposo, donde irá descubriendo que los novedosos tratamientos del Dr. Valmer (Jason Isaacs) y el propio lugar no son lo que parecen, hasta el punto de acabar comprometiendo su propia cordura en aras de descubrir los terroríficos secretos que oculta el lugar.

Probablemente la escena que más te clava las uñas a la butaca, no creo que vuelva a ver a mi dentista con los mismos ojos. Aunque la escena de “la sala de transfusiones” tampoco se queda corta.

La película sabe perfectamente cómo jugar con la tensión y el misterio. A una soberbia banda sonora se le une una excelente fotografía y un guión cuidado, a pesar de algunas situaciones vagamente inconexas, fruto probablemente, del montaje final. La dirección es excelente y se nota la experiencia de Verbinski a la hora de trasladarnos a un ambiente claustrofóbico con varias pinceladas de misterio, mientras vamos intentando encajar todas las piezas del rompecabezas. Quizás el mayor fallo al respecto sea la excesiva duración de la misma (150 minutos) y, si bien no se hace excesivamente lenta, si que en ocasiones se tiene la sensación de que algunos planos deberían recortarse, sobre todo aquellos donde lo onírico juega un papel principal, pero que peca de ser excesivamente largo. Abundan escenas un tanto sorprendentes y que consiguen mantenerte pegado a la pantalla a pesar de ser brutalmente crudas y directas, añadiendo un final que, no por ser en gran parte esperado y evidente, deja de sorprender y de añadir algunas incógnitas que el director deja sin responder. No obstante, me dio la sensación de ser un poco precipitado y cliché, siendo quizás esto (su final) el mayor “pero” del filme. Pese a todo, el conjunto es una película bastante interesante, con unos acertadísimos actores, especialmente a Mia Goth, en el ambiguo e inquietante papel de Hannah.

Inquietante y seductora al mismo tiempo, una escena muy bien lograda…


En general una película para disfrutar con tiempo y calma, especialmente si eres amante del género. La recomiendo, pese a su excesivo metraje.




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21 marzo 2017

El Bar









Título: El Bar
Dirección: Álex de la Iglesia
País: España
Actores: Mario Casas, Blanca Suárez, Secun de la Rosa, Terele Pávez, Carmen Machi, Jaime Ordóñez, Joaquín Climent, Alejandro Awada, José Sacristán, Jordi Aguilar, Diego Braguinsky, Mamen García
Año: 2017
Duración: 102'
Crítico colaborador: Warriors77

Valoración:





El próximo viernes se estrena en nuestras pantallas la nueva cinta de Álex De la Iglesia, que nos narra como en un bar de barrio cualquiera, a las nueve de la mañana, un grupo variopinto de personas entre los que se encuentran la pija Elena (Blanca Suárez) que ha entrado a cargar su móvil, el hípster Nacho (Mario Casas), el camarero Sátur (Secun de la Rosa), la dueña del bar Amparo (Terele Pavez), la ludópata Trini (Carmen Machi) o el mendigo Israel (Jaime Ordóñez) están desayunando tranquilamente cuando uno de los clientes al salir es asesinado. Desde ese momento el terror, el misterio que rodea a la muerte del hombre asesinado y la desconfianza entre ellos no tardarán en aparecer.

Interesante propuesta que empieza fuerte para luego ir perdiendo gas para acabar remontando ligeramente el vuelo en su parte final. Y es precisamente la conclusión de sus últimas cintas uno de los problemas ante los que se enfrentaba de un tiempo a esta parte el director. Daba la sensación de que no sabía cómo acabar los filmes después de un buen comienzo. Algo que por fortuna no ocurre aquí, parece ser que el realizador ha tomado buena nota y ha sabido dar con la tecla adecuada en su última producción.

Uno de los aciertos del reparto es Jaime Ordóñez, que con su interpretación demuestra ser un gran robaescenas y ser algo más que el cómico al que hemos visto junto a José Mota o en Aquí no hay quien viva, por citar dos de sus trabajos más conocidos. Aquí está de dulce interpretando a Israel, un mendigo que recita la biblia sin parar pero que en no pocas ocasiones demuestra ser el más lúcido de todos los que se encuentran atrapados dentro del bar.



El resto de intérpretes hacen buenos papeles, destacando Mario Casas, que de un tiempo a esta parte está demostrando ser un actor bastante solvente y que es más que una cara bonita, y Blanca Suárez, que comienza siendo una pija a la que no parece importarle nadie salvo sí misma, pero sufre una clara evolución a lo largo del metraje.

La primera referencia cinéfila que a uno le viene a la mente mientras ve esta cinta es El ángel exterminador de Luis Buñuel. En esta cinta del realizador aragonés un grupo de personas se encuentran atrapadas en un lugar del que no pueden escapar por mucho que lo intenten, pero también se pueden adivinar trazos de REC e incluso, salvando las distancias, con La niebla en donde los personajes se encuentran encerrados en un lugar y no pueden salir ya que la muerte les aguarda fuera. Todas estas cintas tienen en común el elemento claustrofóbico, de mostrarnos cómo reaccionarían personas normales ante un suceso en apariencia inexplicable y que saca lo peor, y en ocasiones lo mejor, de lo que los seres humanos llevamos en nuestro interior. Lo que el realizador nos muestra es como reaccionaríamos en una situación parecida en el caso de vernos implicado en la misma. ¿Seríamos unos héroes inesperados, nos portaríamos de forma detestable, no cambiaríamos en absoluto?

Como es habitual dentro del cine de De la Iglesia, existen golpes de humor negro que se alternan con momentos más sangrientos y otros bastante escatológicos, sobre todo en su tercio final, que sin duda pondrán a prueba los estómagos de los espectadores.

Misterio, terror, comedia, todos estos ingredientes se encuentran agitados y mezclados dentro de la particular coctelera de De la Iglesia junto con su guionista habitual Jorge Guerricaechevarria que han dado en esta ocasión con la tecla adecuada cono la que satisfacer tanto a los seguidores del realizador vasco como a aquellos espectadores que se acerquen a ver la nueva propuesta del director de Muertos de risa.

Sin ser uno de sus mejores trabajos, al menos nos devuelve a un realizador que parecía haber perdido el norte con sus dos últimos trabajos y que nos permite volver a disfrutar de la propuesta del que fuera uno de los enfant terrible de nuestro cine.




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19 marzo 2017

Ghost in the Shell (1995)







Título: Ghost in the Shell
Dirección: Mamoru Oshii
País: Japón
Actores: Animación
Año: 1995
Duración: 83'
Crítico: Blueberry










Valoración:







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09 marzo 2017

Cabaret - El musical



Título: Cabaret
Duración: 160' (intermedio de 20 minutos incluido)
Fecha de representación: 4 de marzo al 9 de abril
Lugar: Teatro Olympia
Precio: Desde 39€
Crítico: La Perra Verde


Willkommen al Somier, porque la vida es un somier.


Queridos lectores, el ir a ver este musical me ha supuesto dos situaciones totalmente encontradas.
Primero, la de tener sobreinformación respecto a lo que iba a ver gracias a la película, a las miles de referencias o parodias que se han realizado a lo largo del tiempo, y a que hace unos años ya se estrenó en España protagonizado por Natalia Millán.
La segunda situación se ha producido al mirar el casting y ver que eran dos televisivos los que lo protagonizaban, y el no haberles oído cantar nunca. Así que por un lado fui "sabiendo lo que debía ver", pero por otro, no tenía ninguna referencia sobre "lo que podría ver".

En esta ocasión los famosos televisivos son:

-Cristina Castaño, cuyo último papel ha sido el de la psicóloga Judith Becker en la serie de Telecinco "La que se avecina".

-Alejandro Tous, el cual, incluso antes de ser conocido, tuvo que quitarse el sambenito de ser el hermano gemelo de Ángel Tous, concursante de Gran Hermano (uno de los más discretos dentro del programa y que menos ha dado que hablar a lo largo de los años) cuando protagonizó la serie de Telecinco "Yo soy Bea", adaptación española de la exitosa telenovela colombiana "Betty la fea".

Pero antes de hablar de las voces, empecemos a desgranar el musical en sí.



Nada más entrar nos recibe un luminoso con el texto "Kit Kat Klub - Willkommen" y nos empieza a imbuir el espíritu cabaretero "Emcee" (el maestro de ceremonias del club) que protagoniza todas la transiciones, y que si no fuera porque apenas comparte un par de momentos con la protagonista, siendo sus demás apariciones entre abstractas y descontextualizadas, resultaría el típico personaje robaescenas.
Sus aportaciones siempre nos transportarán a la transgresión, acidez y erotismo del cabaret, y nos deja claro que es un personaje ideado para gustar, para ser protagonista en su propio microsistema.

A diferencia de Mamma Mia (último musical al que acudí), Cabaret tiene diversas escenografías. Nos trasladaremos a la pensión donde se aloja el protagonista, viajaremos con él en tren, iremos al Kit Kat Klub para poder disfrutar de la actuación de la protagonista, e incluso les acompañaremos a hacer la compra a la frutería del barrio, entre otros emplazamientos.
Como he comentado, la mayoría de transiciones eran descontextualizadas, así que podían sucederse en el cabaret o en una simple escalera de caracol que unas veces estaba en el cabaret y otras "vaya usted a saber dónde y en qué momento".



Y ya por fin, entrando en los protagonistas, nos encontramos con Cliff (Alejandro Tous) y Sally (Cristina Castaño) que cantan... sorprendentemente bien. Alejandro no tiene tanta oportunidad para lucirse, pero Cristina está realmente espectacular, mostrando una voz potente, afinada y con matices, que sinceramente no me esperaba para nada. Por su tono al hablar, no imaginaba que pudiera alcanzar notas graves, y menos altas, así que fue una grata sorpresa descubrir que afortunadamente estaba equivocada.
El musical mezcla la diversión más gamberra y casposa del cabaret con la comedia dramática, el drama, y coronando la obra, nos despide un final breve pero muy efectista e impactante.

El espectáculo se pasa en un suspiro, y musical y vocalmente por parte de todo el elenco resulta un gran show que os recomiendo.





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08 marzo 2017

Iron Fist - primeros 6 capítulos





Estreno: 17 de marzo de 2017
Canal: Netflix
Crítico colaborador: Victor S



El 17 de Marzo se estrena la nueva colaboración entre Netflix y Marvel en su proyecto de adaptar a sus personajes de corte más urbano. Tras Daredevil, Jessica Jones y Luke Cage, Iron Fist es la última parada antes de que en verano podamos ver al cuarteto formando equipo en los 8 capítulos que compondrán “The Defenders”.

En el Gabinete del Doctor Somier hemos tenido acceso a los 6 primeros episodios. A continuación os traigo mis impresiones sin spoilers. La información que revelo es básicamente lo que se ha podido ver ya en trailers.

Al igual que sus series hermanas, se compone de 13 episodios y tiene como showrunner a Scott Buck (A dos metros bajo tierra, Dexter). La sinopsis es la siguiente: De niño, Danny Rand es el único superviviente en un accidente de avión en el Himalaya, donde viajaba junto a sus padres. Rescatado y acogido en la misteriosa ciudad de K´un-Lun, regresa 15 años después a Nueva York, donde intentará recuperar su vida y empresa familiar. Además, deberá hacer frente a una antigua amenaza que acecha en las sombras.

Antes de la crítica en sí, me gustaría poner un poco en antecedentes a los recién llegados: el personaje surgió de la mano de Roy Thomas en los años 70, aprovechando el tirón en Estados Unidos de Bruce Lee y las películas de artes marciales. El cómic tuvo una época con bastante éxito, hasta que las bajas ventas forzaron a juntar su cabecera con la de Power Man (Luke Cage), otro héroe que andaba de capa caída. De esa circunstancia editorial surgiría el negocio que fundaron ambos (Héroes de alquiler) y una de las amistades más longevas y peculiares de Marvel. También me gustaría añadir como anécdota que Danny y su novia, Misty Knight (detective de la policía en Luke Cage), fueron la primera pareja interracial del cómic de superhéroes.

Tras pasar por otro periodo de miniseries y apariciones esporádicas durante los 90 y principios del 2000, en 2006 llegó el momento más definitorio de su trayectoria: “El inmortal Puño de Hierro”, de Ed Brubaker y Matt Fraction (con dibujo del español David Ajá). Un cómic que no me canso de recomendar y que ahondando en los aspectos más místicos, multiplica la riqueza de su trasfondo y mitología y le convierte en un personaje lleno de posibilidades, cosa de la que han dado buena cuenta autores posteriores.


EL NIÑO PERDIDO

Uno de los grandes aciertos que tiene Netflix con sus series es que intentan que cada producto tenga su propia personalidad y temática. Iron Fist no es Daredevil en versión kung-fu. Y aunque el trailer y la premisa de “millonario heredero de una gran empresa que está desaparecido durante años y vuelve hecho una máquina de repartir cera” puedan oler peligrosamente a Batman Begins o a la serie de Arrow, basta con ver el piloto o unos pocos capítulos para comprobar que el enfoque es completamente distinto.

Comenzamos con Danny (Finn Jones) de vuelta en Nueva York, dándose de bruces con la realidad que supone un regreso así ¿cómo demuestras a tus conocidos que eres tú cuando se te dio por muerto de niño? ¿a quién acudes cuando nadie te escucha y todo lo que recuerdas ha cambiado? Este planteamiento, junto al hecho de que con el paso de los capítulos se nos vaya desvelando poco a poco detalles sobre Danny y lo que le sucedió, ayuda a que apetezca ir desentrañando el misterio y ver hacia donde va la historia.





El propio Danny es un personaje interesante con una personalidad bastante distinta a los de series anteriores. Tanto por su juventud como por la vida austera y de disciplina que ha tenido lejos de la civilización”, en muchos sentidos es un niño en el cuerpo de un adulto. Optimista, buen chaval y con un punto de ingenuidad a la hora de lidiar con el mundo “real” y la sociedad egoísta y materialista que no ha conocido. Pero al mismo tiempo ha tenido una niñez traumática y la mayor parte de su vida ha transcurrido entre férrea disciplina y trabajo duro, lo que hace que sea emocionalmente muy inestable. Lejos de caer en el estereotipo de occidental apropiándose de la cultura asiática, la serie no glorifica a su protagonista y lo presenta como una persona bastante disfuncional. Como decía el propio actor en declaraciones “Danny no es ningún salvador. Ni siquiera puede salvarse a sí mismo”.

Entre los secundarios están Joy Meachum (Jessica Stroup) y su hermano Ward (Tom Pelphrey), amigos de Danny en la infancia que ahora controlan Industrias Rand; Collen Wing (Jessica Henwick), la dueña de un humilde dojo. Como antagonista (a priori) tenemos al padre de Joy y Ward, Harold Meachum (David Wenham ¡¡Faramir!!), ex socio del padre de Danny. También hay viejos conocidos de otras series y sorpresas varias. Netflix sigue con su habitual buen hacer con los villanos y los personajes femeninos.

Sin entrar en spoilers, la estructura no es una historia de superhéroes al uso (cosa que como pasó con Jessica Jones o Luke, quizá no guste a todo el mundo). El arco principal es el viaje de Danny intentando recuperar su identidad y descubrir su lugar en el mundo (literal y metafóricamente). Otras temáticas que se tocan son los temas zen típicos en el subgénero de artes marciales, el legado (familiar y de otros tipos) y una mirada algo crítica a las corporaciones y al 1% (estando representado esto especialmente en Joy y Ward, personajes que me han gustado bastante). Como lector y fan acérrimo del personaje agradezco el esfuerzo que se han tomado los guionistas y responsables de la serie en beber del material original, al mismo tiempo que readaptarlo al contexto que necesita para continuar con la trama global de las series (lo que se viene cociendo en Daredevil, vamos). Y pese a que no me gustaron algunos cambios puntuales en el origen de Danny, quien esté familiarizado con los cómics encontrará que en general la base se mantiene en todos los aspectos.

Vamos con el misticismo, un tema que me tenía bastante quemado ¿Se puede trasladar al entorno callejero y relativamente realista de Netflix a un personaje cuyo trasfondo está enraizado en la fantasía? ¿Puedes mantenerse fieles a aspectos como que la fuente de su poder es haber derrotado literalmente a un dragón? Pues... más o menos.




A fin de preservar el “realismo” (y a evitar gastarse un presupuesto que no tienen, para que engañarnos), han optado por una solución intermedia. Si en Doctor Extraño vemos en primera persona a Stephen maravillado ante el descubrimiento de la magia y las artes místicas, en Iron Fist vamos a ver al enfoque opuesto: la incredulidad de los demás hacia Danny. La serie abraza los elementos y personajes místicos, pero la mayoría vienen por el relato de nuestro protagonista, pese a que la mayoría le tomen por un mentiroso o un lunático. Por supuesto, nosotros sabemos que es cierto, y puntualmente vemos algo de material en los flashbacks. Es decir, el misticismo se cuenta mucho y se enseña poco. Es una pena y me decepciona porque creo que el espectador se queda con las ganas, pero por otra parte me consuela que así queda establecido y hay opciones para que si en el futuro la serie tiene más temporadas y presupuesto, se puedan abordar de lleno y correctamente en lugar de con pocos medios.

No quiero extenderme mucho en la factura técnica pero pienso que está al nivel de Daredevil. Buena fotografía, buena iluminación (gran parte de los capítulos son a plena luz del día) y algunos decorados muy lujosos. La excepción son las escenas en las que más o menos se intuye K´un-Lun, que son... precarias.


BESADO POR EL FUEGO

Vamos ahora con algo vital en esta serie, la acción. En este aspecto soy tremendamente exigente: Puño es de los mejores luchadores del universo Marvel, muchos de sus enemigos son expertos, es una serie de superhéroes con temática de artes marciales, yo mismo soy practicante y aficionado... por lo tanto mis expectativas eran tener las mejores peleas de tv. Y... no lo son.

Al igual que con el misticismo, hay luces y sombras. Por una parte, está muy bien representado lo habilidoso que es Danny. No tiene superfuerza, sentidos aumentados ni va vestido con protecciones. Sin embargo es atlético, apenas encaja golpes, despacha a múltiples enemigos etc. En comparación a Daredevil por ejemplo, parece que lucha sin esfuerzo. Sus movimientos son fluidos y dispone de un repertorio mayor de técnicas (fintas, bloqueos, redirigir ataques del contrario, inmovilizaciones...). Se ha optado por darle un estilo que combina mayormente capoeira, wing tsun y diversos estilos de kung fu. Colleen en cambio tira más de estilos “duros”, tradicionalmente los japoneses.




Las coreografías en general están muy bien. ¿Cuál es el problema entonces? En primer lugar, que la dirección de escenas no siempre es la mejor: más cortes de los que me gustaría, ángulos que buscan que no se note el especialista y ocasionalmente saltos de eje al cambiar el plano que pueden desorientar. En segundo lugar, pasa algo de factura que los actores principales no tienen experiencia marcial previa a la serie y van a cara descubierta. Finn Jones hace un trabajo encomiable, pero su falta de presencia física y una preparación intensiva de un par de meses no le convierten en el Arma Viviente. Cuando acabe poniéndose la máscara y el disfraz, imagino que este aspecto se solucionará en gran manera, porque el 90% de las tomas de pelea será su doble. También puede ser que yo sea muy tiquismiquis y alguien que no controle del tema vea la serie y no lo note y las peleas le parezcan de 10.

Respecto al CGI, todo muy correcto. El Puño solo se usa ocasionalmente cuando la ocasión lo requiere, y no he visto nada que cante a excepción de un plano concreto de un golpe en un capítulo.


CONCLUSIÓN

- Lo mejor: buena factura marca Netflix, el planteamiento, las peleas, los secundarios y el potencial .

- Lo peor: K´un-Lun deja que desear, la anemia de Finn Jones, la edición en algunas peleas y la falta de misticismo en pantalla.

Teniendo en cuenta que esta serie me daba pánico en un principio, me puedo dar con un canto en los dientes de estar globalmente satisfecho con el resultado. La serie va de menos a más y tras 6 capítulos colocando piezas, se aprecia como ha ido pasando de ser un drama corporativo a cada vez meter más elementos fantásticos y de cara a Defensores. Si juega bien sus cartas y explota en su segunda mitad (me consta que faltan personajes por aparecer, algunos que ni están anunciados de hecho) podría ser mi favorita junto a Daredevil. O también desinflarse, quien sabe. La respuesta el 17 de Marzo. De momento la recomiendo.


Abre el corazón, cierra el puño :P




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25 febrero 2017

LOGAN






Título: Logan
Dirección: James Mangold
País: USA
Actores: Hugh Jackman, Patrick Stewart, Boyd Holbrook, Dafne Keen, Stephen Merchant, Doris Morgado, Richard E. Grant, Han Soto, Elizabeth Rodriguez, Julia Holt, Elise Neal, Al Coronel
Año: 2017
Duración: 135'
Crítico: Blueberry








Valoración


"El broche final que Lobezno y Jackman se merecían"





P.D: Id al cine a verla.




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