05 octubre 2017

Blade runner 2049










Título: Blade runner 2049
Dirección: Denis Villeneuve
País: USA
Actores: Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana de Armas, Jared Leto, Sylvia Hoeks, Robin Wright, Mackenzie Davis, Carla Juri, Lennie James, Dave Bautista, Barkhad Abdi, David Dastmalchian, Hiam Abbass, Edward James Olmos
Año: 2017
Duración: 163'
Crítico colaborador: JJ Bonal

Valoración:





Año 2049. Tras el colapso de los ecosistemas y una rebelión de replicantes en 2021, la sociedad ha resurgido de sus cenizas. El derrumbe de la empresa Tyrell ha propiciado la ascensión de Niander Wallace, cuyos avanzados sistemas de agricultura y tecnología le han catapultado a ser el hombre más poderoso del mundo. Los replicantes también han sido sustancialmente modificados, de forma que ahora son más leales que nunca. Los pocos nexus-6 sobrevivientes son cazados por los últimos Blade Runners.



El pasado lunes, pude disfrutar de la segunda parte de uno de los más icónicos filmes de ciencia ficción, Blade Runner 2049. Película muy satisfactoria y que ha sabido continuar y enlazar perfectamente con su predecesora. Nos encontramos con una sociedad estancada, donde cuesta diferenciar a replicantes de simples humanos (cuando lo consigues). 

3 décadas después de la desaparición de Deckard, el agente K, un blade runner (y tambien un nexus-6 de nueva generación), descubre un extraño enterramiento mientras termina una misión de supresión. Tras varias investigaciones se embarcará en la búsqueda de Rick Decard a fin de lograr desentrañar el misterio, pero se encontrará con un complot sumamente complejo en su camino hacia la verdad.

Los nuevos modelos son tan avanzados, que sus heridas sufren hinchazón.


Me ha gustado mucho. Francamente, me esperaba un remedo de la original y esta abre una serie de tramas muy interesantes. La sociedad, cómo ve esta a los replicantes, los propios replicantes y sus sentimientos. Todo ha sido magníficamente entremezclado hasta el punto de sorprender al espectador cuando ya cree haber comprendido todo. Ryan Gosling sabe adaptarse a un papel que en principio pensé que podría caerle grande, sin embargo, sabe transmitir al tiempo la frialdad de un androide y la compejidad de quien siente su cerebro abrirse a puertas totalmente ignotas, desde la bioética al amor entre IAs, si bien podría decir que tanta interactuación entre androides hace que la película, especialmente en su tercer acto, pierda una importante carga de emotividad y dramatismo. Con todo, le da mil vueltas a muchas de las películas que he visto hasta la fecha.



El apartado técnico, impecable, como ya he dicho, Villeneuve ha sabido transmitir el espíritu agobiante de las megalópolis futuristas, con las enormes edificaciones megalíticas repletas de luces de la película de 1982 sin pecar de excesivamente recargado. De hecho, podemos observar una cierta decadencia en las estructuras, reflejando que no solo han pasado 30 años en nuestras vidas, sino que la propia sociedad del filme ha evolucionado a un ambiente opresivo, donde reina una filosofía desesperada, en apariencia imperceptible para una sociedad que sigue su camino cada día, ajena a todo salvo los constantes anuncios y estímulos visuales que les asaltan por las calles.

No creo que vaya a ver películas mucho mejores en lo que queda de año. Sumamente recomendable, especialmente si ya has visto la primera.




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01 octubre 2017

madre!


 
Título original: mother!
Dirección: Darren Aronofsky
País: Estados Unidos
Actores: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ed Harris, Michelle Pfeiffer, Domhnall Gleeson, Brian Gleeson, Kristen Wiig, Cristina Rosato, Marcia Jean Kurtz, Ambrosio De Luca, Hamza Haq, Anana Rydvald, Arthur Holden, Bineyam Girma, Jaa Smith-Johnson, Xiao Sun
Año: 2017
Duración: 120'
Crítico: Harkness






Valoración:





“¡Madre!” es lo que decimos en cuanto acaba la proyección, las luces vuelven a encenderse y nos acordamos de toda la familia de Darren Aronofsky, cineasta moderno y provocador que ha cosechado durante las últimas décadas la admiración de una buena tropa cinéfila, así como el recalcitrante desprecio de quienes ven en él a un especialista del efectismo fácil, de lo truculento, incapaz de crear nada con auténtica sustancia dramática, más allá de agredir visualmente al sufrido espectador de sus películas. Poco prolífico, vuelve con este thriller sobre una pareja (Jennifer Lawrence y Javier Bardem) que vive tranquilamente en una casita de campo, cuya idílica rutina es quebrada súbitamente por la llegada de un extraño (Ed Harris) que parece saber más de la cuenta sobre el dueño de la casa... a partir de aquí, puede suceder cualquier cosa.

Por encima de todo, madre! es un ejercicio de terrorismo fílmico como hacía tiempo que no veía, que desde luego no olvidaré fácilmente y que me genera una duda fundamental; ignoro si lo que he visto es una condenada genialidad, o bien una estupidez supina.




El principio es algo digno del Polanski de ayer y de hoy, muy deudor de títulos como Repulsión, La semilla del diablo, Un dios salvaje... la acción transcurre en un espacio único y bien definido, intervienen pocos personajes, un clima de tensión creciente lo invade todo. Y especialmente, existe una preocupación de transmitir mediante imágenes y sonidos la inestabilidad mental de una protagonista metida, como quien no quiere la cosa, en una situación cada vez más malsana, inquietante y tronada. Hasta ahí, bien. Lo que viene a continuación es un desmadre surrealista, un circo de los horrores, un pulso con el espectador que revela tras la cámara a un individuo (Aronofsky) no sé si muy troll, con mucho ego, o directamente, de vuelta a todo. Un loco sin miedo al exceso, al ridículo. Y que ésto amenace con convertirse en Benny Hill es casi lo de menos, pues no sabemos con qué nos van a sorprender, a golpear, a continuación.

En cuanto a los recursos empleados, lo cierto es que resulta meritorio cómo cada mínimo elemento, desde el menor ruido hasta la brusquedad de la cámara, parece calculado para irritar y provocar una experiencia lo más inmersiva y subjetiva posible.




¿Y qué nos queda al final? Pues una metáfora de una obviedad pasmosa. O quizá no tanto, pues tras cada simbolismo facilón que vemos, es posible que cada uno haga sus propias interpretaciones de lo que ha visto; mensaje ecologista, sobre lo masculino y lo femenino, sobre la vida y sus ciclos de nacimiento y de muerte... Me quedo, sin embargo, con el cómo más que con el qué, con el camino elegido antes que con el destino final. Diría incluso que el amigo Darren combina sus obsesiones mejor que otras veces; lo puramente físico de la descripción del infierno, de lo abyecto (con un pie en el cine de terror y en el thriller)... y por otro lado, las veleidades místicas de quien parece un enamorado de las mitologías más dispares. Una especie de teólogo “new age” y un frikazo del copón, todo en uno. Pues en el fondo, hay algo muy gamberro en todo ésto, cual sketch alargado de los Monty Python (ni semillas del diablo, ni pollas en vinagre), sin el menor titubeo a la hora de conjugar géneros, tonos, ambientes, etc.

La polémica está servida, pues. La obra de un tipo que sabe lo que quiere y cómo conseguirlo, otra cosa es que nos parezca mejor o peor, pero el caso es que la cita con madre! en mi opinión, es obligada. Von Trier, jubílate ya.










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28 septiembre 2017

Comienza la gira 2017-18 de la Film Symphony Orchestra




FSO vuelve este otoño sin apenas tiempo de asimilar este intenso año en el que han pasado por la gala de los Goya y una exitosa gira homenaje a Star Wars por su 40 aniversario. En esta mega-gira, la más ambiciosa de la historia de la FSOla orquesta recorrerá más de 20 ciudades con más de 30 conciertos por las principales ciudades de nuestro país, interpretando un programa que incluye algunas de las mejores bandas sonoras de la historia del cine. Desde el venerado y veterano John Williams, habitual en el repertorio de FSOhasta el “novato” Justin Hurwitz, pasando por Ennio Morricone, Hans Zimmer, John Barry, Bruce Broughton, Michael Giacchino, Max Steiner, Ernest Gold… Son los autores de un repertorio repleto de Oscars© con el que la orquesta más cinematográfica está dispuesta a conquistar de nuevo al público.


ESTE OTOÑO, LOS GRANDES ESTRENOS DEL AÑO
Como gran obertura, llega la obra compuesta por Hans Zimmer para ‘El Hombre de Acero’, una de las más esperadas por los fans. La orquesta bajo la batuta de Constantino Martínez-Orts no deja pasar la oportunidad de interpretar en primicia la música de algunos de los grandes estrenos de este año, haciendo un pequeño guiño a su gira-homenaje a Star Wars con un tema de la nueva entrega: ‘Rogue One: A Story of Star Wars’. Y como no podría ser de otro modo, FSO interpretará por primera vez en formato sinfónico una preciosa suite que recogerá los temas más característicos de la banda sonora ganadora del Oscar© en 2017 La La Land’.

Como ya es habitual, se incluirán algunas de las bandas sonoras más emblemáticas y demandadas por los fans como es el caso de las míticas ‘Titanic’, ‘Tiburón’, ‘Rocky’, o una de las que más respaldo han tenido en las redes sociales, ‘La misión’.
Los más pequeños también tienen reservada su parte del programa y podrán revivir las aventuras de Peter Pan en ‘Hook’, y dejarse llevar en globo como Carl y Russel escuchando la música de ‘Up’. ‘Tombstone’ y ‘Bailando con lobos’ harán las delicias de los más fanáticos del género western. Y tampoco podían faltar algunos de los hitos del cine clásico: FSO interpretará la emocionante ‘Éxodo’, conmoverá al público con ‘Pearl Harbour’ y arrancará alguna lágrima con ‘Casablanca’.


UN REPERTORIO DE OSCAR©
En un solo concierto se podrán escuchar algunas de las piezas musicales más aclamadas por la Academia de Cine. El repertorio incluye las bandas sonoras de ‘La La Land’, ‘Titanic’, ‘Up’, ‘Tiburón’, ‘Bailando con lobos’ y ‘Éxodo’ todas ellas merecedoras de un premio Oscar© y las de ‘La misión’, ‘Rocky’, ‘Casablanca’ y ‘Hook’, nominadas al galardón. Un programa de lujo para una gira de cine que, como siempre, promete emocionar, hacer bailar y hasta cantar apúblico. Un público que ha demostrado ser de lo más entregado, para el que la FSO ha reservado alguna que otra sorpresa…


FSO XTREME XPERIENCE, UN NUEVO GIRO AL MUNDO TRANSMEDIA DE FSO
Si el año pasado FSpasado sorprendía a sus fans con el lanzamiento de una app con la que podían seguir la gira minuto a minuto, acceder a contenidos especiales e interactuar en los conciertos, este año van un paso más allá…
En su vocación de innovar y acercarse a sus seguidores, FSO ha desarrollado un nuevo formato transmedia. Los fans que hayan comprado la entrada podrán participar a través de las redes sociales en los concursos XTREME XPERIENCE para vivir en su propia piel las experiencias que cuentan los temas interpretados en esta nueva gira. Podrán volar en avioneta como en ‘Pearl Harbour’, bucear para encontrar un ‘Titanic’, o noquear al director de la orquesta como si fuesen Rocky Balboa. Así el público podrá, más que nunca, sentir la música de cine en su propia piel.

CONCIERTOS YA A LA VENTA en  filmsymphony.es

2017
SEPTIEMBRE
Sábado 30 de septiembre – MADRID (Auditorio Nacional) – SOLD OUT

OCTUBRE
Domingo 1 de octubre – BARCELONA (L'Auditori)
Sábado 14 de octubre – MADRID (Auditorio Nacional) – SOLD OUT
Sábado 21 de octubre – SEVILLA (Fibes)
Domingo 22 de octubre – GRANADA (Palacio de Congresos)
Viernes 27 de octubre – TARRAGONA (Palau Firal)
Sábado 28 de octubre – VALENCIA (Palau de la Música)

NOVIEMBRE
Viernes 3 de noviembre – OVIEDO (Auditorio Príncipe Felipe)
Sábado 4 de noviembre – SAN SEBASTIAN (Kursaal)
Sábado 11 de noviembre – VIGO (Auditorio Mar de Vigo)
Domingo 12 de noviembre – A CORUÑA (Palacio de la Ópera)
Sábado 18 de noviembre – VALLADOLID (Auditorio Miguel Delibes)
Viernes 24 de noviembre – ZARAGOZA (Auditorio de Zaragoza)
Sábado 25 de noviembre – VALENCIA (Palau de la Música)

DICIEMBRE
Viernes 1 de diciembre – MURCIA (Auditorio Víctor Villegas)
Sábado 16 de diciembre -  TORREMOLINOS – a la venta próximamente
Jueves 21 de diciembre – VITORIA (Teatro Antzokia) – a la venta próximamente
Sábado 23 de diciembre – PAMPLONA (Baluarte)
Miércoles 27 de diciembre – SANTANDER (Palacio de Deportes) – a la venta próximamente

2018
ENERO
Sábado 6 de enero – MALLORCA (Trui Teatre)
Domingo 7 de enero – MALLORCA (Trui Teatre)
Viernes 12 de enero – ALICANTE (ADDA)
Sábado 13 de enero – ROQUETAS DE MAR (Auditorio)
Domingo 14 de enero – CARTAGENA (El Batel)
Domingo 21 de enero – SALAMANCA (Palacio de Congresos)
Viernes 26 de enero – TENERIFE (Auditorio de Tenerife Adán Martín)






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Faemino y Cansado ¡Quien tuvo retuvo!



Título: Faemino y Cansado ¡Quien tuvo retuvo!
Duración: 100 minutos (sin intermedio)
Fecha de representación: 27 al 1 de octubre de 2017
LugarTeatro Olympia
Precio: desde 18€ + GDG
Crítico: La Perra Verde

Faemino y Cansado manejan un arte a la perfección, y es el de hacer creer al espectador que está disfrutando de un espectáculo totalmente nuevo y ciertamente improvisado, cada vez que se acude a verles.

Después de 3 veces, puedo asegurar que tienen una férrea estructura narrativa, y que esas risas "que no pueden evitar" están totalmente milimetradas para crear una sensación de complicidad con el espectador y hacer que se meta aún más en la obra y en lo absurdo y abstracto que es casi siempre todo.

Con su clásica manera de contar las historias, que viene a ser empezar por la mitad o casi el final, ir dando saltos narrativos y muchas veces, no llegar a contarte nunca el principio, el dúo se reboza en ocasiones en el humor más soez y burdo para recordarnos "que ellos no lo hacen", o se ponen a estirar un gag hasta el hastío para hacernos notar que "en efecto, en la situación narrada, uno de los dos estaba resultado cargante".

En la primera mitad del espectáculo notaremos como claramente "Cansado" lleva la voz cantante, siendo "Faemino" su contrapunto, el que le da la réplica y remata los gags, sin embargo, después de un pequeño momento en el que cada uno se luce en solitario, los roles se volverán más homogéneos.

Pese a usar en los sketeches a unos personajes recurrentes a lo largo de los años como son "Arroyito y Pozuelón", el nuevo espectáculo resulta mucho más novedoso y fresco de lo que resultó "¡Como en casa ni hablar!" respecto a su antecesor "Parecido no es lo mismo", así que la gente que saliese con la sensación de que los dos anteriores espectáculos eran demasiado similares entre sí, podrá ver este con tranquilidad, ya que, como bien he dicho, tiene la misma estructura exactamente, pero sí cambia (o maquilla lo suficiente) lo contado con anterioridad.






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19 septiembre 2017

KINGSMAN: El circulo dorado








Título: Kingsman: El circulo dorado
Dirección: Mathew Vaughn
País: USA
Actores: Taron Egerton, Colin Firth, Julianne Moore, Halle Berry, Mark Strong, Jeff Bridges, Channing Tatum, Pedro Pascal, Sophie Cookson, Edward Holcroft, Elton John, Ayman Khechini, Alessandro De Marco
Año: 2017
Duración: 101'
Crítico Colaborador: David Hidalgo



En 2015, llegó a nuestras carteleras “Kingsman: The Secret Service” de Matthew Vaughn. Fruto de otra colaboración entre las mentes de Vaughn y de Mark Millar (ya trabajaron juntos en la adaptación al séptimo arte de “Kick Ass”), esta cinta supuso un soplo de aire fresco al cine de espías. Deslenguada, violenta, hiperbólica y, sobre todo, divertidísima, incluso logró articular un interesantísimo discurso sobre el elitismo de las clases bienestantes sobre los más desfavorecidos. ¡De esta forma, se convirtió por méritos propios en una de mis películas de acción favoritas!


Dos años después nos llega esta secuela, envuelta por una astuta campaña publicitaria en la que apenas se ha revelado información sobre el argumento. La cinta deja muy claro desde un inicio que es de esas continuaciones que, usando a su favor todo lo presentado y establecido en la anterior entrega, va a arrancar a piñón desde el primer minuto. Por tanto, la secuencia de apertura es una trepidante escena de acción que tiene lugar a bordo de un taxi typical british. A partir de ahí, conocemos a los distintos personajes que componen la trama, y se nos introduce en el argumento que conduce el filme.

Algo que suele gustarme mucho de Matthew Vaughn y de Jane Goldman, en tanto que guionistas, es que siempre logran introducir una enorme cantidad de pequeños elementos que, en principio, pasan desapercibidos, pero que acaban cobrando un sentido global muy importante para la resolución de la trama. Además, siempre suelen cuidar mucho que haya tiempo para que se produzcan interacciones de calidad entre los personajes, para que los conozcamos y para que conectemos emocionalmente con ellos, de una forma u otra. De esta manera, el clímax de sus cintas gana mucho en intensidad.



Dicho todo esto, lo primero que debo mencionar es que “Kingsman: The Golden Circle” me ha gustado. He pasado un rato de lo más entretenido con este film, haciéndoseme cortas sus dos horas y veinte minutos de metraje. Y en más de una ocasión he acabado soltando una carcajada al son del resto de la sala. Sin embargo, pese a que en teoría todos los elementos están en su sitio y listos para deslumbrar… esta segunda entrega se me ha antojado excesiva. Excesiva y bastante tontorrona.

Me explico: cuando la trama es tan rocambolesca que, al decirla en voz alta, suena a completa estupidez, muy bien ejecutada tiene que estar para que no tengas un problema grave. En este caso, no lo está, al menos lo suficiente. Y es que lo que me ha entretenido y enganchado durante el primer visionado, ha fracasado a la hora de dejar una impronta en mí. En lo emocional, la cinta cumple y continúa desarrollando los arcos planteados durante la primera entrega, así como estableciendo nuevos viajes interiores que acaban culminando en un aprendizaje. Hasta ahí todo bien. Lo que no acaba de cuajar es unir esto con perros mecánicos, una antagonista risible y apenas desarrollada a la que Julianne Moore intenta dotar de empaque con todas sus fuerzas, y la presencia de cierta celebridad, cosa que como gag puntual es graciosa pero que acaba cayendo en el puro exceso. ¡Y ya no hablemos de la abundancia de deus ex machina, presentes en forma de gadgets para los Kingsman y los Stateman!



La primera “Kingsman” se sostenía gracias a un medido equilibrio entre tramas y subtramas, compensando la balanza entre humor y momentos emotivos con mucha habilidad. El villano, entonces interpretado por Samuel L. Jackson, podía resultar caricaturesco debido a su ceceo, pero esa característica solo era un gag aislado para dar personalidad a un personaje inquietante y de notable inteligencia. Su secuaz, Sofia Boutella (el gran descubrimiento de esta cinta), era letal, fría e incluso se permitía tener réplicas ingeniosas. Aquí, tenemos a una antagonista llevada al extremo, a un secuaz que “es malo porque sí” (y tiene un brazo mecánico… qué sorpresa, igual que las piernas cortantes de la secuaz en la primera entrega), un plan maestro con muchas lagunas… En definitiva, se ha intentado coger los mismos números que en “Kingsman” y que la suma diera un resultado mayor, estirando demasiado el chicle en el proceso.



Se ha perdido muchísima frescura por el camino, y eso se nota. Pero pese a todo esto, “Kingsman: The Golden Circle” continúa ofreciendo muchísima diversión. La dirección de Vaughn es creativa y logra que la historia avance a un ritmo trepidante, sin tiempos muertos pero al mismo tiempo dejando espacio para el desarrollo de los personajes; muchos de los gags son afilados, con momentos puntuales para el recuerdo; las set pieces, pese a carecer del factor sorpresa de la anterior entrega, siguen siendo espectaculares y dejándonos con la boca abierta; también podemos encontrar, subyaciente, una analogía sobre cómo los Gobiernos dejan en la estacada a las víctimas del tráfico de drogas por motivos electorales; y, por lo general, mantiene bastante el tipo respecto a su predecesora.

Sin embargo, poniéndome puntilloso, el mayor problema que tengo con esta cinta es que, pese a lo loable de sus intenciones, no me ha dejado un poso considerable. Por más que se esfuerce en replicar la magia de la entrega fundacional de esta eventual franquicia (a juzgar por lo visto en la última escena), a base de guiños y de repetir ciertas jugadas (Ejem, ¿de qué me sonará esa pelea a base de plano secuencia?), lo que queda es una comedia de acción y espionaje espectacular y funcional, pero con exceso de personajes, de tramas y de tonos entremezclados sin solución de continuidad (se pasa de lo trágico a lo épico, y de ahí a la coña pura y dura, en apenas una fracción de segundo, y así todo el film).

En conclusión, tal vez algo más de frescura y de riesgo, así como de mesura en los elementos que la componen, hubiera jugado a favor del nuevo trabajo de Vaughn. Es una buena película y cumple con su cometido palomitero, pero a la postre se siente algo fallida e incluso por pulir (¡Incluso hay una escena clave en la que reciclan descaradamente una pista de la banda sonora de “X-Men: First Class!). Para mí, un ejemplo de secuelas modélicas son “The Godfather: Part II”, “The Empire Strikes Back”, “Terminator 2: Judgment Day” o, más recientemente, “Guardians of The Galaxy Vol. 2”: cintas que tienen los mejores elementos de su antecesora, que evolucionan lo establecido hasta las máximas consecuencias, y que al mismo tiempo se esfuerzan por diferenciarse lo suficiente de las anteriores entregas. “Kingsman: The Golden Circle” pasará por la Historia del Cine como una más de tantas secuelas que se ven con agrado pero que se olvidan con facilidad.


 Valoración








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13 septiembre 2017

Faemino y Cansado regresan a Valencia en septiembre



Faemino y Cansado son fieles a la ciudad de Valencia, así que cada vez que estrenan nuevo espectáculo, vuelven a ella. De nuevo, es el teatro Olympia el que acogerá su show "¡Quien tuvo retuvo!", desde el 27 de septiembre al 1 de octubre. Se pueden encontrar las entradas en la web de teatro desde 18€ + GDG y ahora mismo cuentan con una promoción de un 20% de descuento para la sesión del jueves.

Cuando Faemino y Cansado encaran la creación de un nuevo espectáculo, su preocupación primera es conseguir la excelencia. No siempre lo consiguen. Por ejemplo, en ¡Quien tuvo retuvo!, desde luego que no.
Cuando deciden cuál será el tema que vehiculice su nuevo espectáculo, desechan habitualmente cualquier idea ya realizada. En ¡Quien tuvo retuvo! no ha sido el caso.
Cuando buscan cómo será la puesta en escena de su nuevo espectáculo, intentan no repetir jamás ningún elemento, ya sea de escenografía o iluminación. En ¡Quién tuvo retuvo! no ha sido posible.
Cuando Faemino y Cansado diseñan la producción de un nuevo espectáculo, jamás les asusta el coste económico, nunca eliminan un gag o un sketch por caro que resulte llevarlo a escena. En ¡Quién tuvo retuvo!, sin embargo, la producción ha sido más bien austera.
En definitiva, si no es excelente ni hay tema, repiten puesta en escena y es barato, ¿qué aporta ¡Quien tuvo retuvo! a la carrera de Faemino y Cansado? Pues dos cosas a cual más importante: risas y reminiscencias.




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10 septiembre 2017

IT (2017)




Título: IT
Dirección: Andres Muschietti
País: USA
Actores: Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Finn Wolfhard, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor, Jack Dylan Grazer, Chosen Jacobs, Nicholas Hamilton, Jake Sim, Logan Thompson, Owen Teague, Jackson Robert Scott, Stephen Bogaert, Stuart Hughes, Geoffrey Pounsett, Megan Charpentier, Javier Botet
Año: 2017
Duración: 101'
Crítico: Blueberry







Valoración:











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08 septiembre 2017

La seducción



 


Título original: The beguilded
Dirección: Sofia Coppola
País: Estados Unidos
Actores: Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning, Oona Laurence, Angourie Rice, Addison Riecke, Wayne Pére, Emma Howard, Matt Story, Rod J. Pierce
Año: 2017
Duración: 91'
Crítico: Harkness
Valoración:







Hace ya más de una década desde que Sofia Coppola, la hijísima del cine contemporáneo, se convirtió en nueva promesa y en icono de la más banal modernez “alternativa”, cuando todavía no había eclosionado la actual moda hipster y éstos aún constituian una selecta minoría estética y culturetil (que no cultural). Desde entonces, ha destacado por un cine enormemente personal, con unas obsesiones muy particulares, gracias al cual ha conseguido distanciarse de una etiqueta siempre molesta, la de ser “hija de”, llamando la atención por sus propios méritos. El cine de la directora de Las vírgenes suicidas y Lost in translation ha sido descrito como sutil, envolvente, retratando casi siempre a personajes desubicados, a menudo un tanto ausentes, víctimas casi siempre del tedio y cuyos problemas desde luego no son los de alguien que se levanta a las seis de la mañana y tiene que pagar las facturas cada mes... por ello, Sofia también ha sido para la crítica una especie de niñata frívola y petarda, que juega con la cámara de papá para producir un cine tan vacuo, tan insustancial, repelente y carente de interés, como sus personajes (posibles alter-egos de ella) y sus casi inexistentes tramas.





Sin ser yo ni mucho menos un defensor a ultranza de la amiga, pues he sido el primero en sentir indiferencia por sus películas y en cachondearme de su “mundo interior”, debemos reconocerle ya a éstas alturas un carácter insobornable, valiente, quijotesco casi, que nadie puede negar, a la hora de afrontar sus temas preferidos. Y ahora vuelve con La seducción, remake de un título de 1971 dirigido por Don Siegel y protagonizado por Clint Eastwood. Ambientada en la guerra de secesión, la historia gira en torno a un malherido soldado yanki (Colin Farrell, en esta nueva versión) a quien unas señoritas pertenecientes a un internado sureño rescatan y acogen hasta que sus heridas sanen. Sin embargo, durante el tiempo que está allí, la violencia y los deseos ocultos afloran entre el personal femenino, cuyas vidas quedan por completo trastornadas ante la llegada del extraño.

No he visto la versión de Eastwood y Siegel, pues he preferido ir “virgen” (chistaco) para no caer en las inevitables comparaciones. El caso es que La seducción es la típica película sobre un un grupo de personajes que, por las circunstancias, están encerrados en un lugar reducido y ésto desata unas tensiones entre ellos que crecen gradualmente hasta estallar en una situación no demasiado agradable, por decirlo suavemente. Algo que hemos visto mil veces, y sumamente previsible. Sin embargo, para mí pesan más los aciertos que los fallos. Lo que interesa, más que el manido desarrollo, es la genuina ambivalencia moral de los personajes, tanto del inquietante huésped como de las féminas que le cuidan. Cual cuento de hadas, la película empieza con una niña recogiendo setas en un bosque, pero no está nada claro quién es el lobo feroz y quién la ovejita. No hay buenos ni malos, tan solo individuos que luchan por sobrevivir y por sus propios intereses, en lo que constituye todo un estudio de la condición humana que evita caer en obviedades y en moralinas.




Tal vez Coppola no es la directora más indicada para los sórdido y lo truculento, pues ésto no es un thriller y, desde luego, sale perdiendo cuando parece que intenta serlo (esa cena con suspense hitchcockiano de pacotilla en torno a unas setas venenosas). Sin embargo, clava totalmente el retrato de un microcosmos femenino, donde desconocemos si la mansión sureña que ellas habitan es una prisión de hastío y soledad, o bien un paraíso perdido al margen del mundo donde comparten juegos, tareas, conversaciones, etc. en plena consonancia con la comentada ambigüedad moral. Colin Farrell está muy bien haciendo de sí mismo, de pichabrava turbulento, mercenario tanto en la guerra como en el amor. Son Dunst y Kidman, además, quienes tienen los papeles más jugosos; la primera, sin hacer grandes gestos, la segunda, como mujer firme que hace lo que debe hacerse, hasta las últimas consecuencias... en cuanto a la omnipresente Elle Fanning y las niñas, sus personajes son más planos y tópicos (la rebelde adolescente, la niña inocente y curiosa...), más por requerimiento del guión que otra cosa.

La directora nos cuenta ésto con una distancia y una frialdad muy típicas de ella, no exentas de un leve humor y de una marcada complicidad hacia sus criaturas. El esmero por la atmósfera y el encuadre es otro punto a favor. Y finalmente, son los apuntes sobre el derrumbe del mundo sureño y conservador, la frustración de los horizontes para la mujer de la época, el descubrimiento del mundo en la niñez... los temas periféricos en torno al gran tema central de La seducción; nuevamente, el inquietante misterio de la feminidad, de unas mujeres que, como una familia (o tal vez como unas zorras desalmadas), salen adelante en tiempos adversos.







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07 septiembre 2017

Michael's legacy (crítica)



Título: Michael's legacy
Duración: 110 minutos (sin intermedio)
Fecha de representación: 6 al 10 de septiembre de 2017
Lugar: Teatro Olympia
Precio: desde 20€ + GDG
Crítico: La Perra Verde

Corría el año 2009 y una joven Perra Verde con 8 años menos estaba emocionadísima porque había planeado "La semana de oro de los conciertos". Iba a viajar a Londres un par de días para asistir a uno de los 50 conciertos que Michael Jackson iba a ofrecer allí, y al volver se iba a ir 3 días a un festival de punk-rock. Sólo faltaba la confirmación de las vacaciones para, con un par de clicks, comprar la entrada y el billete de avión, pero... fue que no, como todos sabemos, el 25 de junio falleció en extrañas circunstancias. Así que, su gozo en un pozo, la pobre cánida verde se quedó compuesta y sin concierto. Con el tiempo, lo único que pudo hacer es llorar de rabia viendo "This is it", la especie de documental-detrás de bambalinas que cuenta como Michael estaba armando un espectáculo absolutamente maravilloso y demostrar su admiración por el cantante poniendo 2 cuadros en su casa y un vinilo de 1 metro con su silueta en la puerta de la habitación.

¿Y a qué viene esta intro? pues con ella quiero deciros que me gusta MUCHO Michael, así que por un lado soy una espectadora muy crítica y por otro alguien que quiere ver cualquier cosa de él.

Ayer pude disfrutar en el Teatro Olympia de "Michael's legacy", un original espectáculo que combina diversos recursos para traer de vuelta al artista.
El show empieza recreando un concierto y nos da la sensación de que va a ser todo el rato así (cosa que a mi no me habría desagradado, todo sea dicho) pero después vemos que es más, hay un hilo conductor, una historia introducida a modo de musical y además podremos disfrutar de los vídeos más icónicos representados en directo.
Esto hace que todo sea más dinámico, original y sorprendente que la mera recreación de un concierto. Si bien es cierto que los momentos de trama-musical resultan un bajón en el ritmo, son necesarios para contextualizar el porqué aparecerá la siguiente canción y darle un trasfondo palpable.

En cuanto a la escenografía, el espectáculo se basa sobre todo en proyecciones al fondo y el cuerpo de baile y sus cambios de vestuario.

Y por supuesto, hay que analizar con lupa al imitador de Michael, en quien se sustenta todo.
Sin duda, es una persona que ha estudiado al milímetro todos los movimientos y se ha aprendido de Pe a Pa sus coreografías, demostrando un respeto y cariño por el personaje claramente palpables. Se mimetiza y en muchos momentos te da la sensación de estar viendo realmente al Rey del pop. En varias ocasiones se me pusieron los pelos como Scorpions.

Concluyendo, un espectáculo que, aunque no es ostentoso, sí recrea con gusto, cariño, respeto y originalidad la obra del artista. Gustará mucho a los fans.





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02 septiembre 2017

Parada en el Infierno (Stop over in hell)







Título: Parada en el Infierno
Título original: Stop over in hell
Dirección: Víctor Matellano
País: España
Actores: Tábata Cerezo, Enzo G. Castellari, Nadia de Santiago, Antonio Mayans, Guillermo Montesinos, Maarten Dannenberg, Conrado San Martín, Ramón Langa, Manuel Bandera, Pablo Scola, Marta Fenollar, Veki G. Velilla, Tania Watson, Karlos Klaumannsmoller, Fernando Valdivielso, Denis Rafter, Víctor Vidal, Jorge Quesada
Año: 2016
Duración: 92'
Crítico: La Perra Verde

Valoración:






Tarantino, hijo, no hace falta que ruedes la recreación de los asesinatos de la "familia Manson", que ya existe esta película. Y es que es lo que tiene el icónico director, que su sombra es muy alargada y todo el mundo quiere ser él, pero no todo el mundo es Tarantino y a ti te encontré en la calle.

La película que nos ocupa es una western rodado íntegramente en España que usa y abusa de la ultraviolencia y lo explícito. Da la sensación de que estamos viendo "La matanza de Texas meets el lejano oeste", porque los malos son maniqueamente malvados y hacen barrabasadas por el placer de hacerlas, sin ninguna motivación en claro o sin que dé la sensación de que todo ese sufrimiento vaya a servir para algo, sea en forma de moraleja o de superación o crecimiento personal de los personajes.


Una película llena de diálogos y monólogos gratuitos, largos, rimbombantes y grandilocuentes que nos intenta hacer ver que, sobre todo uno de los personajes, tiene un carisma y una profundidad y complejidad de los que en realidad carece.

Ahora pasamos al uso de la cámara lenta, del que también se hace un uso excesivo, llegando a ser ridículo el resultado en un punto determinado, concretamente una escena en la que sale Manuel Bandera. El efecto se usa para crear dramatismo y tensión, pero lejos de eso, el resultado es forzado y risible.

Y por último acabamos con las actuaciones y doblaje. Pese a contar con rostros populares como Guillermo Montesinos, Nadia de Santiago o Manuel Bandera, todo resulta muy forzado, no hay fluidez por ningún lado en las presentaciones de los personajes o en el desarrollo de diálogos y trama. En cuanto al doblaje... parece mentira que haya implicados en él grandes profesionales como Ramón Langa, porque en algunos personajes sí se nota que hay una buena interpretación y cuadrado con la boca, sin embargo en el caso de otros personajes se aprecia la sensación de, o bien inexperiencia o bien desgana, cosa que da como resultado un doblaje digno de un programa americano de la TDT y que acaba por sacarte del film.

Podría valorar más cosas en cuanto al aspecto técnico, de fotografía o de guión, pero creo que ya está bien de criticar y es hora de llegar a la conclusión final.

Con más ganas de homenajear todo lo que le gusta al director que buenos resultados finales, esta película no es buena, ni es mala realmente, es como un experimento casero, una especie de hacer una tarantinada de marca blanca, pero sin la clase y el estilo de éste, porque incluso para rodar y plasmar la inmundicia humana y la sordidez, hay que tener arte, para que no te quede una mera película gore ambientada en el oeste.
En cualquier caso, la recomiendo porque me ha parecido curiosa y con posibilidades e incluso me ha dado ganas de ver las anteriores obras de su director, Víctor Matellano, para así comprobar si es un director que vive de referencias ajenas o sólo es alguien que intenta forjarse un estilo propio haciendo lo que al fin y al cabo hacemos todo el mundo para aprender... copiar.



Créditos: cartel al óleo extraído del blog del dibujante Manuel Sanjulián



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22 agosto 2017

El musical "Priscila, reina del desierto" llega a Valencia

Desde el 1 al 12 de noviembre podremos disfrutar en Valencia del musical "Priscila, reina del desierto", basada en la película homónima. A diferencia de lo que es habitual en este tipo de espectáculos, las representaciones tendrán lugar en el espacio polivalente La Rambleta.
Se pueden adquirir las entradas desde 45 euros (La entrada incluye parking gratuito hasta completar aforo y cerveza o refresco.)

FUNCIONES:
- Miércoles 1 noviembre a las 20:30h.
- Jueves 2 noviembre a las 20:30h.
- Viernes 3 noviembre a las 18:00 y 22:00h.
- Domingo 5 noviembre a las 17:00 y 21:00h.
- Martes 7 noviembre a las 20:30h.
- Miércoles 8 noviembre a las 20:30h.
- Jueves 9 noviembre a las 20:30h.
- Viernes 10 noviembre a las 18:00 y 22:00h.
- Sábado 11 noviembre a las 18:00 y 22:00h.
- Domingo 12 noviembre a las 17:00 y 21:00h.








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Michael's Legacy llega a Valencia



Desde el 6 al 10 de septiembre podremos ver en el teatro Olympia Michael's Legacy, avalado por el Club de Fans de Michael Jackson en España como el mejor espectáculo musical sobre El Rey del Pop en la actualidad, es un homenaje a Michael Jackson creado por la compañía Jackson Dance Company. Michael's Legacy es el primer homenaje a Michael Jackson que ofrece el concepto de espectáculo que tenía el rey del pop en sus giras.

Una escenografía muy cuidada, réplicas exactas de las canciones originales y un toque especial dado por la compañía en sus representaciones, un gran cuerpo de baile formado por 9 bailarines y grandes voces en directo nos transmitirán a la perfección los mensajes que el rey del pop nos hacía llegar en cada una de sus actuaciones, haciéndote vivir una increíble historia como si tú fueses el protagonista. Para ello contamos con el mejor impersonator del Rey del Pop, con gran parecido físico y capaz de realizar y transmitir a la perfección cada movimiento y gesto que acompañaban en cada uno de sus conciertos a ese gran artista que fue MICHAEL JACKSON.

Entradas desde 20 euros





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