BIG HERO 6



Título: Big Hero 6
Directores: Chris Williams y Don Hall
País: USA
Actores: Animación
Año: 2014
Duración: 108'
Critico: Blueberry










Valoración








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El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos




Título: El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos
Título original: The Hobbit: The Battle of the Five Armies (The Hobbit 3)br />
Director: Peter Jackson
País: USA
Actores: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, Luke Evans, James Nesbitt, Aidan Turner, Evangeline Lilly, Ken Stott, Graham McTavish, Jed Brophy, Stephen Hunter, John Callen, Adam Brown, Dean O'Gorman, William Kircher, Peter Hambleton, Mark Hadlow, Cate Blanchett, Lee Pace, Orlando Bloom, Hugo Weaving, Billy Connolly, Christopher Lee, Stephen Fry, Ryan Gage, Ian Holm, Sylvester McCoy, Manu Bennett
Año: 2014
Duración: 144'
Crítico colaborador: Mary

Calificación:




Tres años después Peter Jackson concluye la precuela de El señor de los Anillos. Y a su manera, claro, aunque eso ya lo sabíamos desde que empezó la primera película, Un viaje inesperado. Tras regalar al mundo esa plasmación de la obra de Tolkien, el cineasta sentía ansias de más, cual Gollum con el anillo, así que allá que fue con El Hobbit, y con ella la decepción y admiración de muchos fans. Ya ha llegado el último capítulo.

Recuerden, el año pasado nos quedamos con esa lamentación de Bilbo “¿Qué hemos hecho?”. Pues bien, he ahí los 144 minutos de metraje. Peter ya se permitió muchas licencias en esta saga, y sigue con ellas. Algunas más creíbles que otras (muchos alucinan con el amorío entre elfa y enano, aunque el romance quede muy banal también aquí). Con una introducción que solventa la intriga que dejó La desolación de Smaug, el dilatado guion se dirige hacia el combate que menciona el título. No es tan épica como la anterior, pero sí más bélica. Como el nombre vaticina, la trama se entrega a la lucha entre los personajes ya conocidos que un día J. R.R. Tolkien diseñó.

Como siempre, la dirección artística y los efectos especiales siguen dándolo todo. El sonido y la música hacen lo mismo. El CGI se apodera de Jackson cual narcótico y toma el protagonismo al completo. Por ello semejante contienda es visualmente grandiosa (los planos de los ejércitos perfectos). No obstante, las artimañas de los combatientes son en muchos casos de primer nivel, pues siguen un mismo procedimiento infantil: sustos que vienen por detrás y en el último momento se salvan, aparte de que algunas se estiran demasiado. Aun así, dado que duran casi una hora, mantienen al espectador despierto. Otra cosa es que lleguen al corazón del fan de Tolkien, pero sin duda, impresiona.

Cierto es que todo este enriquecimiento del 3D canta mucho en el extenso combate contra los orcos: desde los animales hasta la agilidad de algunos personajes (el virtuosismo de Legolas saltando sobre piedras que caen es de videojuego).


El rol de Bilbo (Martin Freeman será ya Bilbo como Elijah es Frodo) queda totalmente eclipsado ante los enanos, ya que Thorin y compañía toman el protagonismo que adquirieron en la segunda. Porque Freeman será el intermediario, pero es Richard Armitage la voz cantante de esta gran batalla, y Bardo el Arquero (Luke Evans) un fiel esbirro de la causa. Ian Mckellen será Gandalf, igual que Cate Blanchett será Galadriel.


En lo que a moralejas se refiere, no hay nada nuevo: continúa con la certeza de que el dinero -estamos en la Tierra Media, así que el oro- no da la felicidad, algo que se ve en Thorin, en los elfos y en cada una de las divisas procedentes de la Tierra Media

La batalla de los cinco ejércitos es más de lo mismo, guste o no. Peter Jackson pone su broche final a una trilogía innecesaria para muchos, pero que se entrega a su función: entretener. El neozelandés cierra la saga aportando dosis de diversión y espectáculo.



Imagen 2 extraída de esta web.


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Charlando entre Patatinas - Episodio 2 : The Force Awakens, Jurassic World y Sin City 2


 Os traemos nuestro capitulo segundo, esta vez destripamos el trailer de Star Wars VII segmento a segmento, Jurassic World y nuestras impresiones de Sin City. Con Marmotameister, Blueberry, Dani y Gonzalo , con invitado estrella....UNA MUJER...PANTU.



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Encuesta: La mejor y peor película de 2014

Amigos del Somier, vuestra opinión nos interesa, así que os invitamos a que elijáis vuestra o vuestras películas favoritas o que menos os han gustado, en esta encuesta que hemos creado para vosotros.

Primero podéis votar la favorita y al acabar la lista, veréis la siguiente para votar la que peor os ha parecido, además podéis poner una película "a mano", ya que no todas las que hemos podido ver se han estrenado en cine, por lo cual no estarán en estas listas.
Si todavía tenéis pensado ver algún estreno, no os preocupéis, podréis volver a votar las que hayáis visto a posterori.
Gracias por colaborar, y esperamos que sigáis con nosotros el año que viene.






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Podcast El día de la bestia, de Carne de videoclub con La Perra Verde




Nuestra redactora La Perra Verde se ha liado la manta a la cabeza por segunda vez y ha vuelto adrede a grabar un podcast con los amigos de Carne de videoclub.
Como ya estamos casi en navidad, esta vez el podcast versa sobre la película "El día de la bestia". Si os gusta, no dejéis de seguirles en facebook o twitter.






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SITGES 2014 .Musarañas

Autor: Neuromante

Valoración





Volvemos al ataque con la crónica de Sitges 2014 con una de las pocas películas de factura española en la que no se enseña teta.

Musarañas nos narra la historia de Montse y su hermana pequeña, las únicas miembros de una muy católica familia en la que la madre murió dando a luz a la hermana pequeña y en la que el padre desapareció sin dejar rastro durante la guerra civil. Tras estas dos tragedias, Montse se verá encargada de criar a su hermana pequeña como si fuera su hija, perdiendo en el proceso toda su vida, sufriendo un caso terrible de agorafobia, y convirtiéndose en una déspota ama de casa que usará cualquier herramienta a su mano, empezando con la religión, para mantener "en el buen cauce" a su hermana pequeña.

Será la aparición de Carlos, el vecino del piso de arriba, la que terminará de trastocar unas vidas que ya iban de por si en un camino que a ningún lugar bueno podría llevar.


La verdad es que me está costando más de lo que querría escribir este comentario. Empecé la semana pasada y no sabía como demonios efocarlo: Que destacar, que destrozar, que elementos del guión mencionar sin tocar ningún punto importante del mismo... y creo que es porque en el fondo, Musarañas es una película que aunque cuenta una historia de manera correcta, no termina de destacar en nada.

Las actuaciones son convincentes, aunque la verdad creo que Macarena Gómez borda el papel de esa Monste agorafóbica y terriblemente católica, a veces ridícula, a veces terrible y muchas otras veces loca (conversando con la alucinación del padre desaparecido), la dirección cumple con planos cerrados, siempre (irónicamente) claustrofóbicos que refuerzan de manera ejemplar el desarrollo de la historia y el guión mantiene dignamente el tipo, desarrollando un pequeño thriller con toques de terror que incluso se permite coquetear en un par de ocasiones con la comedia sin salir mal parado.

 
Y lo cierto es que tampoco hay demasiados elementos criticables. La película no se esfuerza nada en intentar hacer verosimil el contexto histórico en el que se desarrolla, quizá de manera consciente, eliminando cualquier tipo de elemento característico de alguna época concreta de la España de la posguerra. Sí que puedo decir que la representación de las tradiciones católicas (y en parte su uso como parte de la personalidad de la familia) me ha resultado un tanto exagerada (Y no por una fé que no profeso, sino por un uso que me parece un poco burdo, empezando por la voz en off del inicio en el que la hermana pequeña relata como su hermana mayor "le contaba historias terribles en las que siempre había un ogro que todo lo veía", para que a continuación la cámara se fije en el "libro de historias", que resulta ser la Biblia, risas generalizadas en el auditorio incluídas), o que quizá las actuaciones de los demás personajes dejan un poco que desear (Se supone que vimos la versión original, en español, pero las voces se notaban extrañas, como cuando Antonio Banderas se doblaba a sí mismo),

En resumidas cuentas: Musarañas se deja ver. Cuenta bien la historia, pero a veces se atasca en detallitos. Resulta una película incómoda de ver, porque la idea es que sea incómoda de ver, pero no creo realmente que entre en ningún top 10.



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Charlando entre Patatinas. PODCAST DE CINE



Saludos amigos del Somier, os presentamos un programa especial, un PODCAST, el primer programa de CHARLANDO ENTRE PATATINAS, que se encuentran nuestro redactor Blueberry, Marmotameister de Estudios de frikis, Gonzalo de La Azotea de Sallah y Dani de Viciados de Mesa.

Los temas que tratamos son , Star Wars VII especulaciones y Marvel vs DC. No os lo perdaís, lo tenemos en Youtube y en IVOOX donde podreis descargarlo si quiereis





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Exodus



Director: Ridley Scott

País: EEUU

Actores: Christian Bale, Joel Edgerton, Aaron Paul, Sigourney Weaver, Emun Elliott, John Turturro, María Valverde, Anton Alexander, Indira Varma, Ben Mendelsohn, Golshifteh Farahani, Hiam Abbass, Kevork Malikyan, Andrew Tarbet, Aaron Neil, Anna Savva, Barrie Martin, Gerard Monaco, Ghassan Massoud

Año: 2014

Duración: 151'

Crítico: Harkness


Puntuación:


Llega a las carteleras el último largometraje de Ridley Scott, una nueva incursión por su parte en el género histórico-épico que tan buenos resultados le ha dado en el pasado (Gladiator) y no tan buenos (El reino de los cielos). En lo que parece un intento de volver a poner de moda las adaptaciones sobre historias de la Biblia, y ahí tenemos la reciente Noé de Darren Aronofsky, Scott contraataca con Exodus, el relato de la huida de Moisés y los israelitas de Egipto, que conoció su traslación más célebre a la gran pantalla de la mano de Cecil B. De Mille en los años 50, la por aquél entonces espectacular y megalómana Los diez mandamientos.

Bajo mi punto de vista, el resultado es medianamente aceptable, pero también me he encontrado con lo peor que me temía de un cineasta, a mi parecer, injustamente encumbrado como uno de los mejores de las últimas décadas (gracias, en gran medida, a Alien y Blade Runner, los dos principales tótems de su trayectoria como realizador), cuando su verdadero talento deja bastante que desear. Aquí tenemos un gran envoltorio en cuanto a la recreación de la época (un Egipto antiguo en todo su esplendor), a la labor de vestuario, de extras, y sobre todo, de creación de efectos digitales como los de la escena de la travesía por el mar Rojo, o los de las plagas (de largo, el mejor momento de toda la película, de una incomodidad y truculencia que llaman bastante la atención). Por lo demás, el contenido es muy justito; el guión es completamente esquemático, tópico y previsible. Por no decir que resulta ser una fotocopia del guión de Gladiator, con un protagonista aristocrático que cae en desgracia, enfrentado a quienes antaño fueron su aliados, amigos, familia, etc. al más puro estilo El conde de Montecristo.


Los personajes son lo que se espera de ellos, con unos conflictos y situaciones de un rutinario que asusta. Los dos protagonistas, Moisés y Ramsés, destacan por una caracterización que les asemeja, y no exagero lo más mínimo, a dos canis chungos de Vallecas, con una constante actitud violenta, chulesca y malcarada a lo largo de todo el metraje... juraría que no se les desvanece la expresión de estreñimiento de sus rostros en ningún momento. Christian Bale, de hecho, empieza siendo un malote envidioso de su hermanastro, más macarra que él y cubierto de oros, luego se convierte en un Pablo Iglesias que critica a la “casta” egipcia (los hebreos son ciudadanos de segunda clase), descubriendo su sangre gitanaca (con lo que te saca la navaja-espada que es un primor). Le da consejos, cual maestro Jedi, nada menos que Dios himself, bajo la apariencia de un niño más bien repelente y cabrón, quien le dice que queme cosas. En cuanto a Ramsés, el actor que le interpreta guarda un relativo parecido con ese infame personaje televisivo y ¿cantante? llamado John Cobra... como en la vida real.


Los demás se limitan a figurar (Ben Kingsley, Sigourney Weaver). María Valverde, directamente, supone un pegote que ralentiza con su participación el desarrollo de la historia. Por lo demás, mucha épica de garrafón, con muchas subidas de volumen para emocionar y crear esa épica blanda, de pega, en lugar de hacer que surga de dentro de los propios personajes, de sus hazañas y de sus acciones (justo lo que no consigue Scott). Al menos la banda sonora de Alberto Iglesias constituye un score potente, y se agradece. Por su parte, Scott le dedica la película a su difunto hermano Tony, un bonito gesto, aunque tiene su parte de coña que dicha película trate de dos hermanos que se quieren matar entre sí...

Por resumir, no es un desastre ni tampoco una película mala, no llega al preocupante extremo de mediocridad de Robin Hood, pero se echa en falta algo más, un mayor riesgo, ambición, por hacer de un relato tan unviersal algo realmente memorable, algo que trascienda el simple espectáculo hueco.






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Magia a la Luz de la Luna




Título: Magia a la luz de la luna
Título original: Magic at the moonlight
Director: Woody Allen
País: USA
Actores: Emma Stone, Colin Firth, Marcia Gay Harden, Jacki Weaver, Eileen Atkins, Simon McBurney, Hamish Linklater, Erica Leerhsen, Jeremy Shamos, Antonia Clarke, Natasha Andrews, Valérie Beaulieu, Peter Wollasch, Jürgen Zwingel, Wolfgang Pissors, Sébastien Siroux, Catherine McCormack

Año: 2014
Duración: 97'
Crítico Colaborador: Mary



 Valoración



 

Magia a la luz de la luna: El hechizo de Allen

Woody Allen vuelve con una película de época, algo que no es tan representativo en su filmografía. Hace ya quince años viajó a los años 30 con Acordes y desacuerdos, antes lo había hecho con La rosa púrpura del Cairo. Y hace tres viajó, sólo en parte, a los años veinte a París con la original Medianoche en París. Esa coordenada de espacio tiempo le debió gustar, porque ahora regresa a la Francia (a la Riviera francesa) de aquella feliz y bella década.

El discurso de Magia a la luz de la luna está en su línea. El realizador sigue tocando sus temas de siempre y con las asiduas y jocosas conversaciones, pero sin ahondar profundamente. Otro autor hubiera tocado el tema de la cinta –la ilusión- más profundamente. Pero así es el neoyorkino, que prefiere retratar sus neuras, sus miedos y sus suposiciones en la gran pantalla con humor.



Los instrumentos que usa son cruciales: el guion y una buena dirección de actores. Allen saca muy bien el jugo a los actores de calidad. Bien se demostró el pasado marzo cuando Cate Blanchett se alzó con el Oscar a mejor actriz por Blue Jasmine.
Ahora el protagonista es masculino, y como lleva ya tiempo haciendo, deja el rol principal a otro: a Owen Wilson o Kenneth Brannag entre otros ya les tocó aturdirse en las anteriores tramas. Ahora Allen deposita sus neuras, sus escepticismos y sus inseguridades en Colin Firth.

Qué gusto da ver al actor británico en un guion que hace juego con el talento del inglés. Tras las obras menores de Un largo viaje, Condenados o Un plan perfecto, este papel le deja explayar al cien por cien su capacidad interpretativa. Ahora es un mago que habla del espiritualismo desde la razón, con modales pero misántropo. Le da pie Emma Stone y está a la altura; el rol de americana pizpireta es de su talla, como el maravilloso y envidiable vestuario que muestra en cada toma. Ella le aporta el toque de sofisticación e intelecto necesario para no ser tan florero (los guiones del director no han sido precisamente adalid de la igualdad).


  

A la pareja le rodea un elenco de actores de alta calidad como Eileen Atkins Jacki Weaver, Marcia Gay Harden,  Simon McBurney. Allen escoge bien a sus secundarios para que bailen  al son del guion y la historia. Ellos ayudaran a que el argumento se lleve a cabo. En este caso, es la evolución de Stlanley (Firth), el mago recto e impasible deje a un lado su ironía y las teorías de Nietzsche y que, con ayuda de Sophie (Stone), la supuesta médium,  mire al cielo de vez en cuando. Esa es la metáfora tratada en el guion, las ilusiones se ve en la evolución de Stanley según conoce a la chica.  

El director mantiene un guion muy notable haciendo uso de buenos trucos para que el embrujo del espectador sea constante en la hora y media de metraje: la dirección de fotografía, que lo tiene fácil ante el cautivador entorno, la dirección artística y el vestuario (claro que los años veinte en cine es una apuesta a caballo ganador). No es pomposo sino elegante, siguiendo la estela del cineasta.



La magia es modesta, cierto, pero la estratagema del mago es aceptable. El discurso es agradable y la puesta en escena sabe jugar tímidamente con la credulidad del público cual espectáculo de ilusionista. Sus dos actores son muy dispares, pero ambos mantienen la chispa viva, quizá por ser polos tan opuestos. No es sobresaliente, pero sí es digna.



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La última aventura de Robin Hood








Título: La última aventura de Robin Hood
Título original: The Last of Robin Hood
Director: Richard Glatzer, Wash Westmoreland
País: USA
Actores: Kevin Kline, Susan Sarandon, Dakota Fanning, Bryan Batt, Max Casella, Sean Flynn, Patrick St. Esprit, Jane McNeill, Matt Kane, Ben Winchell, Amanda Dunn, Ava Santana Cassano, Judd Lormand, Emily Marie Palmer, Jason Davis, Kelly O'Neal
Año: 2013
Duración: 94'
Crítico: La Perra Verde

Calificación:




¡Oh, Errol! dime algo bonito



Capitán de barco o Robin Hood, el actor Errol Flynn lucía en sus películas como todo un caballero, como el yerno que cualquier madre querría tener, detrás de las cámaras, era un mujeriego, bebedor, vividor y que se metió en el cuerpo de todo, menos miedo (al menos para con su salud).

Sin embargo, para bien o para mal, en este biopic no veremos su faceta más gamberra y desfasada, sino que nos encontramos a un Errol crepuscular, que si bien aún conserva un estatus en la meca del cine, a sus 50 años ya no es la estrella rutilante que fue antaño. Un Errol ablandado por la edad que encuentra en un jovencita (jovencinta nivel "es ilegal") la alegría y estabilidad que no había tenido o querido en sus años anteriores.

Con las dosis justas de sucesos sórdidos y humor, aquí se nos enseña como hacer un biopipc que no resulte vergonzante ni para el homenajeado ni para el que lo ve, igual esta película que la miniserie "El rey", quienes mis compañeros Serdna y Harkness tuvieron el santísimo valor de ver y reseñar, en pos de que la humanidad avance hacia su iluminación total.



En el apartado actoral, Kevin Kline es un sosias totalmente convincente, Susan Sarandon como madre alcahueta lo borda y Dakota Fanning es totalmente sosa e insustancial, pero claro, al no formar ese romance parte del papel couché de mi cultura, no puedo decir si está clavada o no.

Un film amable y complaciente que nos hace ver como algo hermoso y tierno la relación de una cría y un hombre con más del triple de años, que nos puede recordar a "Gran bola de fuego" con la salvedad de que el escándalo fue a posteriori y se lo comió enterito ella con patatas.


Esta película no la podréis ver en salas de cine, su estreno este viernes 5 de diciembre será en exclusiva en la plataforma "Cine on line" por el módico precio de 2'99€.




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Mortadelo y Filemón contra Jimmy El Cachondo





Título: Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo
Director: Javier Fesser
País: España
Actores: Karra Elejalde, Janfri Topera, Berta Ojea, Mariano Venancio
Año: 2014
Duración: 90'
Critico: Blueberry









Valoración




Esta critica esta hecha por un verdadero fan demenciado de Mortadelo y Filemón, desde los 10 años que llevo leyendo los cómics, me he comprado todo lo habido y por haber de estos dos merluzos,os aviso de hantebraso; Mi impresión de los anteriores peliculas son,  que la primera de Fesser es mediocre, esteticamente de 10 (El Super y Mortadelo clavados), pero intragable filmicamente, al salir del cine lo comenté con mi circulo de amigos: "esto en animación habría sido mejor".

La segunda película, fue la hecatombe, el artífice de esto, Fesser se pira a hacer Camino (Peliculón), y se la dan unos mercenarios que como no tienen ni putisima idea lo que hacen es recargar mas la película, cambiando al Mortadelo anterior (que no voy a negarlo, se parecia mucho) por el Edu Soto, alias el  NENG, un cochambroso guión, escenas que rozaban la vergüenza ajena y 0 espíritu del cómic.

La tercera pelicula , donde vuelve al timón Javier Fesser, esta vez dejando a un lado el buscar actores reales y recurrir a la animación por ordenador a manos de Ilion Animation Studios (los responsables de Planet 51), donde por fin el señor Fesser entiende algo que era básico y esencial para poder intentar llevarlos al cine: que Mortadelo y Filemón no funciona con actores de carne y hueso, pero esto no quiere decir que la peli sea para tirar cohetes.


Antes de darle cera voy a hablar de lo positivo del film, el diseño como siempre de 10, las animaciones 10, el doblaje 10, Karra Elejalde pone la voz PERFECTA a Mortadelo, me quito el sombrero ante Ilion Studios, como se nota que estuvisteis trabajando en Pyro Studios;  y también que ciertos chistes están bien usados y hacen gracia.


Lo malo del film, pese a que corrige uno de los fallos gordos de las anteriores , sigue habiendo otro fallo que Fesser no corrige, y es que NO sabe adaptar a los personajes, Fesser no entiende en absoluto el humor de los comics de Mortadelo y Filemon y es totalmente incapaz de plasmarlo en la pantalla, hace cosas que quedan totalmente fuera de sitio (como ese Rompetechos Facha de las 2 anteriores, los personajes soltando palabrotas, algunos comportandose como salidorros...)y lo mas hiriente, que sigue  centrando la película en un personaje y el resto son meros garabatos, me estoy refiriendo a Filemón, Fesser debe sentir algún tipo de fanatismo o afinidad con el personaje, ya que le hace protagonista absoluto y foco de atención del film, dejando a Mortadelo totalmente a un tercer  plano, irrelevante, superficial, no juega con ambos como en los comics, ambos personajes funcionan juntos , si uno falta la mesa cojea, en esta película, la química es 0 , siendo personajes CGI, ¿Como demonios Fesser le haces el vacio absoluto al mas popular de los dos y el que todo el mundo conoce?. ES UNA GRAN CAGADA, estas tirando el material a la basura.


Otro fallo es el desarrollo del film, Fesser sigue en su misma copla, solo sabe hacer dos chistes:

-Meter un golpe, castaña, colleja, tortazo cada 5 segundos, que provoca lo mismo que las anteriores, SOBRECARGAR al espectador y que se empiece a aburrir.

- Chistes sexuales o soeces...Dime tu en que comic de Mortadelo hacen chistes de ese calibre, o dicen palabrotas del nivel "Hijos de puta", vamos desafio a alguien que me encuentre un cómic en el que salga un taco de ese calibre.

Conclusión, un film flojo, desaprovechando el material y a un equipo técnico que ha hecho visualmente una maravilla, pero por culpa de Fesser y su limitada visión, se queda en algo mediocre y olvidable.

Si queréis ver unos buenos films de Mortadelo y Filemón, os recomiendo los Festivales de Estudios Vara, que tienen casi 50 años, y plasman fenomenal a Mortadelo y Filemón





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El rey (serie de TV)





Director: Norberto López Amado

País: España

Actores: Fernando GilChristian AgenoJorge ClementePedro MatosMarta Belaustegui,Cristina BrondoPatrick CriadoJosé Luis García PérezFrancisco MerinoAdriana Torrebejano

Año: 2014

Duración: 225'

Género: Fantástica/Ciencia-ficción

Crítico: Harkness y Serdna


Puntuación: 



La propaganda del Régimen del 78 en general, y las ficciones monárquicas de las televisiones españolas en particular, son siempre una fuente inagotable de risas y de vergüenza ajena. Ahora, de la mano de Telecinco, llega El rey, la historia épica jamás contada de Juan Carlos de Borbón. 

Sí, tal como suena, un biopic del rey, el hombre más campechano de la Tierra, el señor de la cadera de titanio, el hombre lleno de orgullo y satisfacción, misterioso motociclista que vela por el bienestar de todos los españoles y por la aniquilación de todos los paquidermos. Y la pregunta es ¿A quién se le ocurriría producir algo así? Más aún ¿A quién coño le puede interesar ver algo así? En momentos delicados de crisis e inestabilidad política, cuando el prestigio borbónico más se encuentra comprometido por culpa de escándalos de todo tipo, está claro que algún poder en la sombra se ve obligado a movilizar los engranajes de la propaganda, y el resultado es nada menos que esta miniserie de tres episodios para la televisión, en la línea de anteriores aberraciones biográficas perpetradas últimamente como Felipe y Letizia: Querer y deber, que parecía ser el culmen de la parodia involuntaria. Pero todo indica que, vaya, no se quedaron a gusto...

La infanta Cristina tratando de robarle el bocadillo a su hermana para llevarlo a Suiza.

Este panfleto de exaltación borbónica contiene momentos absolutamente impagables, todos ellos buscando presentarnos al antiguo monarca como una especie de superhéroe. Por ejemplo, días antes de su boda, Juan Carlos se lesiona el hombro practicando artes marciales. Durante la ceremonia se muestra dolorido y Sofía se lamenta de que no vaya a poder cogerla en brazos, ¡pero se equivoca! Ignoramos si la anécdota es real o ficticia (bueno, "real" es, nos referimos a si pasó de verdad), pero eso es lo de menos. Son los problemas de intentar hacer hagiografías de personajes cuyo único mérito es existir, que te ves obligado a convertir en hazañas heroicas hechos tan triviales como conseguir abrir una lata. La campechanía de Juan Carlos es llevada a extremos bastante delirantes, el hombre es tan buenazo que ayuda a todos los que le rodean como si fuera una especie de hada madrina o de “rey-Amelie”; por ejemplo, cuando es pequeño, le regalan unos bombones y los comparte generosamente con sus amiguitos del colegio (por cierto, no quiere que le llamen alteza, sino “Juanito”), ayuda a su hermano pequeño a montar a caballo, e incluso durante su entrenamiento militar le echa una mano al típico recluta patoso, ante las amenazas de sus malvados supervisores. 

Como todos las producciones televisivas sobre Juan Carlos I, ésta hace el ridículo por dos razones principales. La primera es la que acabamos de comentar, la exagerada, excesiva y forzada idealización de un personaje que, en el mejor de los casos, resulta gris y moralmente ambiguo. Nos lo presentan como a una pobre víctima de su cargo, un sacrificado y desprendido patriota que cumplió su deber para con su país, en ningún caso un colaborador y continuador político de un dictador a quien doró la píldora (cualquier cosa que hiciera es justificable). La segunda razón es, precisamente, la esquizofrenia ideológica con la que presentan siempre a Franco. Por un lado es un malo malísimo, un supervillano de tebeo que ordena sentencias de muerte mientras lanza papeles al aire, atraviesa a sus esbirros con la mirada y suena de fondo lo que parece una imitación cutre de Hans Zimmer. Pero por otro lado... es al fin y al cabo quien legitima a Juan Carlos, así que también le vemos en algunas escenas como un rey anciano y mágico de cuento de hadas, anunciándole al joven Juancar que quiere que sea su heredero, se sonríen, se estrechan la mano y suena música sentimentalona. Su relación llega a tal extremo que en una escena van en coche a presidir el desfile del 18 de julio y Juan Carlos se duerme sobre el hombro de Franco ¡Metáfora! 



Si tuvieramos que quedarnos con sólo uno de los tres capítulos, sería difícil, pues todos ellos alcanzan un buen nivel de caspa y de cutrerío, cutrerío por partida doble; tanto en el trasfondo ideológico manipulador como en la deficiente calidad audiovisual del producto, malamente dirigido, torpemente narrado y mediocremente interpretado. Básicamente, la parte de la infancia es “Harry Potter”, con nuestro monarca en el colegio siendo amenazado por un cura malvado y cabronazo que hace las veces de Snape. La parte de la adolescencia es “El diario de Noah/Juancar”, con el rey yéndose de picos pardos y dejándose arrastrar por su genética borbónica; aquí es donde tiene lugar su historia de amor prohibido por las circunstancias sociales con una aristócrata jamona y escotada llamada Olghina, viviendo acaramelados momentos entre los que destaca la cumbre de la serie, un beso tendidos en la playa mientras una ola pasa por encima de nuestros protagonistas, en lo que es un plagio descarado de la famosa secuencia de De aquí a la eternidad y un topicazo como una casa, que parece imposible que alguien pretenda reproducirlo hoy día y pretender seriedad. Finalmente, el último segmento es “Juancar: La leyenda renace”, abordando el momento más decisivo de la vida del rey, sin que escaseen los instantes de taparse la cara del bochorno. Es como un capítulo de Juego de tronos a la española, con “la collares” como Dama de las espinas, queriendo joder a Juancar y compañía.

En realidad no se están dando el lote, es sólo que Juan Carlos acaba de tener la primera de sus míticas caídas. 

Los actores, lamentables, cosa que no nos sorprende. Los niños y los jóvenes lo hacen muy mal, pero quien se lleva la palma es la actriz que hace de Sofía de Grecia, posiblemente la peor intérprete de la historia, cuya monótona y forzada inflexión se junta con su inexpresivo gesto facial para aparecerse en tus peores pesadillas. Por otra parte, el Conde de Barcelona (padre del rey) es el único personaje interpretado de manera digna, nada menos que por el doctor “Woson” de la obra maestra Holmes & Watson: Madrid Days de Jose Luis Garci, que imprime carácter a su actuación con su voz ronca y mala follá. Pero no... no es el único actor de dicha película presente aquí, sino que también contamos nada menos que con el mismísimo Holmes en persona... el mayestático Gary Piquer, con la solemnidad, el carisma y la presencia que le caracteriza, en el rol de Torcuato Fernández-Miranda, abogado y maestro Jed... digo mentor intelectual del rey. Ver a Holmes dando lecciones de derecho político a Juancar, escribiéndole los discursos y planeando traer la democracia no tiene precio.

Holmes & Watson. Estoril days.

Por lo demás, todo muy empalagoso y muy cursi, son todos tan bondadosos que dan asco. Se llevan la palma las escenas con los niños y los diálogos con un matiz profético (en plan, “Adolfo Suárez, nos vamos a llevar bien con este hombre, je, je” cuando conocen al futuro presidente). Nos deslizan incluso ciertos toques de humor, humor borbónico, en forma de gracietas y gags visuales como Juancar cayéndose de la cama, asustándose de un ratón... de lo más entrañable todo, no cabe duda. La narración abunda en elipsis repentinas que parecen olvidarse de lo anterior, siendo necesarios letreros explicativos, y repentinos cambios en la personalidad de los personajes, como el Conde de Barcelona, que pasa de la rivalidad al afecto, del odio al amor hacia su hijo, ¡incluso en la misma secuencia!


Momentos de altura:  

-La muerte del hermano de Juancar por culpa de un accidente con una pistola. De un suspense que haría hacerse caquita a Alfred Hitchcock. La pistola es un regalo de Franco, quien se la entrega a nuestro héroe con música siniestra de fondo y como si fuera el anillo único. Tras el nefasto accidente, el padre se libra del arma... tirándola por un acantilado.

El escudo del Capitán América en la habitación de Juan Carlos. ¿Un easter egg de cara a la Fase 3?

-El general de Franco. Siempre es el mismo general, se ve que no tiene otro. El pobre hombre se encuentra constantemente acojonando ante la malignidad suprema del tío Paco, asintiendo constantemente a todo lo que le dice y obedeciendo sin rechistar. Uno casi espera ver al pobre hombre orinarse encima, cual esbirro de Torrente 2, pero no se da el caso. Como todo el mundo sabe, el franquismo era Franco, él era el único malo malísimo y quienes le rodeaban no tenían culpa de nada. 

-Un bonito y oportunista plagio de Terrence Malick, con el pequeño borbón en un idílico entorno acompañado de una mariposa. QUÉ BONITOOOOOOOOO.


-El desenlace. De fondo, se oye el 23-F mientras vemos a padre e hijo reconciliados, navegando despreocupadamente al más puro estilo megalómano y norcoreano, en lo que es otra gran metáfora, el jefe de estado como timonel del país y capitán de la democracia... Sin comentarios.

-ESTORIL. La palabra mágica. Es la localidad portuguesa donde tiene su centro de operaciones la monarquía en el exilio, pero se ve que a los responsables de la serie les suena muy bien y aprovechan cualquier oportunidad para decirlo, repitiéndolo ad náuseam. Podría sacarse un juego de beber de aquí perfectamente, en el último episodio contamos la puta palabra “Estoril” al menos unas nueve veces. ESTORILESTORILESTORILESTORIL... el diálogo podría sustiturise así y nadie notaría la diferencia, lo juro. Al final del tecer capítulo descubrimos el porqué de tanta insistencia:

Estoril, ciudad de vacaciones. 

Vean El rey, diversión asegurada para todos los españoles que aman la libertad.



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