22 marzo 2017

La cura del bienestar









Título: La cura del bienestar
Título original:A cure for wellness
Dirección: Gore Verbinski
País: USA
Actores: Dane DeHaan, Jason Isaacs, Mia Goth, Susanne Wuest, Celia Imrie, Lisa Banes, Adrian Schiller, Ivo Nandi, Natalia Bobrich, Johannes Krisch, Jason Babinsky, Judith Hoersch, Jeff Burrell, Eric Todd, Godehard Giese, Craig Wroe
Año: 2017
Duración: 156'
Crítico colaborador: JJ Bonal

Valoración:





El pasado viernes acudi al pase de “La cura del bienestar”, la última película de Gore Verbinski. He aquí mis impresiones.

Animado por el tráiler, decidí asistir a este pase, convencido de que me encontraría con una vuelta de tuerca de cuento de E. A. Poe “El método del profesor Alquitrán y el Dr. Pluma”. La realidad resultó ser un jarro de agua fría de sabor agridulce, ya que me encontré con una película de tipo thriller gótico y que poco tenía que ver con la premisa esperada. Pese a ello la disfruté bastante.

Lockhart (Dane Dehaan), un joven ejecutivo es enviado a los Alpes Suizos para traer de vuelta de un recóndito balneario al director de la compañía, tarea poco grata pero que le garantizará un importante puesto en la junta directiva. Sin embargo un accidente hará que se vea obligado a permanecer allí en reposo, donde irá descubriendo que los novedosos tratamientos del Dr. Valmer (Jason Isaacs) y el propio lugar no son lo que parecen, hasta el punto de acabar comprometiendo su propia cordura en aras de descubrir los terroríficos secretos que oculta el lugar.

Probablemente la escena que más te clava las uñas a la butaca, no creo que vuelva a ver a mi dentista con los mismos ojos. Aunque la escena de “la sala de transfusiones” tampoco se queda corta.

La película sabe perfectamente cómo jugar con la tensión y el misterio. A una soberbia banda sonora se le une una excelente fotografía y un guión cuidado, a pesar de algunas situaciones vagamente inconexas, fruto probablemente, del montaje final. La dirección es excelente y se nota la experiencia de Verbinski a la hora de trasladarnos a un ambiente claustrofóbico con varias pinceladas de misterio, mientras vamos intentando encajar todas las piezas del rompecabezas. Quizás el mayor fallo al respecto sea la excesiva duración de la misma (150 minutos) y, si bien no se hace excesivamente lenta, si que en ocasiones se tiene la sensación de que algunos planos deberían recortarse, sobre todo aquellos donde lo onírico juega un papel principal, pero que peca de ser excesivamente largo. Abundan escenas un tanto sorprendentes y que consiguen mantenerte pegado a la pantalla a pesar de ser brutalmente crudas y directas, añadiendo un final que, no por ser en gran parte esperado y evidente, deja de sorprender y de añadir algunas incógnitas que el director deja sin responder. No obstante, me dio la sensación de ser un poco precipitado y cliché, siendo quizás esto (su final) el mayor “pero” del filme. Pese a todo, el conjunto es una película bastante interesante, con unos acertadísimos actores, especialmente a Mia Goth, en el ambiguo e inquietante papel de Hannah.

Inquietante y seductora al mismo tiempo, una escena muy bien lograda…


En general una película para disfrutar con tiempo y calma, especialmente si eres amante del género. La recomiendo, pese a su excesivo metraje.




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21 marzo 2017

El Bar









Título: El Bar
Dirección: Álex de la Iglesia
País: España
Actores: Mario Casas, Blanca Suárez, Secun de la Rosa, Terele Pávez, Carmen Machi, Jaime Ordóñez, Joaquín Climent, Alejandro Awada, José Sacristán, Jordi Aguilar, Diego Braguinsky, Mamen García
Año: 2017
Duración: 102'
Crítico colaborador: Warriors77

Valoración:





El próximo viernes se estrena en nuestras pantallas la nueva cinta de Álex De la Iglesia, que nos narra como en un bar de barrio cualquiera, a las nueve de la mañana, un grupo variopinto de personas entre los que se encuentran la pija Elena (Blanca Suárez) que ha entrado a cargar su móvil, el hípster Nacho (Mario Casas), el camarero Sátur (Secun de la Rosa), la dueña del bar Amparo (Terele Pavez), la ludópata Trini (Carmen Machi) o el mendigo Israel (Jaime Ordóñez) están desayunando tranquilamente cuando uno de los clientes al salir es asesinado. Desde ese momento el terror, el misterio que rodea a la muerte del hombre asesinado y la desconfianza entre ellos no tardarán en aparecer.

Interesante propuesta que empieza fuerte para luego ir perdiendo gas para acabar remontando ligeramente el vuelo en su parte final. Y es precisamente la conclusión de sus últimas cintas uno de los problemas ante los que se enfrentaba de un tiempo a esta parte el director. Daba la sensación de que no sabía cómo acabar los filmes después de un buen comienzo. Algo que por fortuna no ocurre aquí, parece ser que el realizador ha tomado buena nota y ha sabido dar con la tecla adecuada en su última producción.

Uno de los aciertos del reparto es Jaime Ordóñez, que con su interpretación demuestra ser un gran robaescenas y ser algo más que el cómico al que hemos visto junto a José Mota o en Aquí no hay quien viva, por citar dos de sus trabajos más conocidos. Aquí está de dulce interpretando a Israel, un mendigo que recita la biblia sin parar pero que en no pocas ocasiones demuestra ser el más lúcido de todos los que se encuentran atrapados dentro del bar.



El resto de intérpretes hacen buenos papeles, destacando Mario Casas, que de un tiempo a esta parte está demostrando ser un actor bastante solvente y que es más que una cara bonita, y Blanca Suárez, que comienza siendo una pija a la que no parece importarle nadie salvo sí misma, pero sufre una clara evolución a lo largo del metraje.

La primera referencia cinéfila que a uno le viene a la mente mientras ve esta cinta es El ángel exterminador de Luis Buñuel. En esta cinta del realizador aragonés un grupo de personas se encuentran atrapadas en un lugar del que no pueden escapar por mucho que lo intenten, pero también se pueden adivinar trazos de REC e incluso, salvando las distancias, con La niebla en donde los personajes se encuentran encerrados en un lugar y no pueden salir ya que la muerte les aguarda fuera. Todas estas cintas tienen en común el elemento claustrofóbico, de mostrarnos cómo reaccionarían personas normales ante un suceso en apariencia inexplicable y que saca lo peor, y en ocasiones lo mejor, de lo que los seres humanos llevamos en nuestro interior. Lo que el realizador nos muestra es como reaccionaríamos en una situación parecida en el caso de vernos implicado en la misma. ¿Seríamos unos héroes inesperados, nos portaríamos de forma detestable, no cambiaríamos en absoluto?

Como es habitual dentro del cine de De la Iglesia, existen golpes de humor negro que se alternan con momentos más sangrientos y otros bastante escatológicos, sobre todo en su tercio final, que sin duda pondrán a prueba los estómagos de los espectadores.

Misterio, terror, comedia, todos estos ingredientes se encuentran agitados y mezclados dentro de la particular coctelera de De la Iglesia junto con su guionista habitual Jorge Guerricaechevarria que han dado en esta ocasión con la tecla adecuada cono la que satisfacer tanto a los seguidores del realizador vasco como a aquellos espectadores que se acerquen a ver la nueva propuesta del director de Muertos de risa.

Sin ser uno de sus mejores trabajos, al menos nos devuelve a un realizador que parecía haber perdido el norte con sus dos últimos trabajos y que nos permite volver a disfrutar de la propuesta del que fuera uno de los enfant terrible de nuestro cine.




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19 marzo 2017

Ghost in the Shell (1995)







Título: Ghost in the Shell
Dirección: Mamoru Oshii
País: Japón
Actores: Animación
Año: 1995
Duración: 83'
Crítico: Blueberry










Valoración:







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09 marzo 2017

Cabaret - El musical



Título: Cabaret
Duración: 160' (intermedio de 20 minutos incluido)
Fecha de representación: 4 de marzo al 9 de abril
Lugar: Teatro Olympia
Precio: Desde 39€
Crítico: La Perra Verde


Willkommen al Somier, porque la vida es un somier.


Queridos lectores, el ir a ver este musical me ha supuesto dos situaciones totalmente encontradas.
Primero, la de tener sobreinformación respecto a lo que iba a ver gracias a la película, a las miles de referencias o parodias que se han realizado a lo largo del tiempo, y a que hace unos años ya se estrenó en España protagonizado por Natalia Millán.
La segunda situación se ha producido al mirar el casting y ver que eran dos televisivos los que lo protagonizaban, y el no haberles oído cantar nunca. Así que por un lado fui "sabiendo lo que debía ver", pero por otro, no tenía ninguna referencia sobre "lo que podría ver".

En esta ocasión los famosos televisivos son:

-Cristina Castaño, cuyo último papel ha sido el de la psicóloga Judith Becker en la serie de Telecinco "La que se avecina".

-Alejandro Tous, el cual, incluso antes de ser conocido, tuvo que quitarse el sambenito de ser el hermano gemelo de Ángel Tous, concursante de Gran Hermano (uno de los más discretos dentro del programa y que menos ha dado que hablar a lo largo de los años) cuando protagonizó la serie de Telecinco "Yo soy Bea", adaptación española de la exitosa telenovela colombiana "Betty la fea".

Pero antes de hablar de las voces, empecemos a desgranar el musical en sí.



Nada más entrar nos recibe un luminoso con el texto "Kit Kat Klub - Willkommen" y nos empieza a imbuir el espíritu cabaretero "Emcee" (el maestro de ceremonias del club) que protagoniza todas la transiciones, y que si no fuera porque apenas comparte un par de momentos con la protagonista, siendo sus demás apariciones entre abstractas y descontextualizadas, resultaría el típico personaje robaescenas.
Sus aportaciones siempre nos transportarán a la transgresión, acidez y erotismo del cabaret, y nos deja claro que es un personaje ideado para gustar, para ser protagonista en su propio microsistema.

A diferencia de Mamma Mia (último musical al que acudí), Cabaret tiene diversas escenografías. Nos trasladaremos a la pensión donde se aloja el protagonista, viajaremos con él en tren, iremos al Kit Kat Klub para poder disfrutar de la actuación de la protagonista, e incluso les acompañaremos a hacer la compra a la frutería del barrio, entre otros emplazamientos.
Como he comentado, la mayoría de transiciones eran descontextualizadas, así que podían sucederse en el cabaret o en una simple escalera de caracol que unas veces estaba en el cabaret y otras "vaya usted a saber dónde y en qué momento".



Y ya por fin, entrando en los protagonistas, nos encontramos con Cliff (Alejandro Tous) y Sally (Cristina Castaño) que cantan... sorprendentemente bien. Alejandro no tiene tanta oportunidad para lucirse, pero Cristina está realmente espectacular, mostrando una voz potente, afinada y con matices, que sinceramente no me esperaba para nada. Por su tono al hablar, no imaginaba que pudiera alcanzar notas graves, y menos altas, así que fue una grata sorpresa descubrir que afortunadamente estaba equivocada.
El musical mezcla la diversión más gamberra y casposa del cabaret con la comedia dramática, el drama, y coronando la obra, nos despide un final breve pero muy efectista e impactante.

El espectáculo se pasa en un suspiro, y musical y vocalmente por parte de todo el elenco resulta un gran show que os recomiendo.





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08 marzo 2017

Iron Fist - primeros 6 capítulos





Estreno: 17 de marzo de 2017
Canal: Netflix
Crítico colaborador: Victor S



El 17 de Marzo se estrena la nueva colaboración entre Netflix y Marvel en su proyecto de adaptar a sus personajes de corte más urbano. Tras Daredevil, Jessica Jones y Luke Cage, Iron Fist es la última parada antes de que en verano podamos ver al cuarteto formando equipo en los 8 capítulos que compondrán “The Defenders”.

En el Gabinete del Doctor Somier hemos tenido acceso a los 6 primeros episodios. A continuación os traigo mis impresiones sin spoilers. La información que revelo es básicamente lo que se ha podido ver ya en trailers.

Al igual que sus series hermanas, se compone de 13 episodios y tiene como showrunner a Scott Buck (A dos metros bajo tierra, Dexter). La sinopsis es la siguiente: De niño, Danny Rand es el único superviviente en un accidente de avión en el Himalaya, donde viajaba junto a sus padres. Rescatado y acogido en la misteriosa ciudad de K´un-Lun, regresa 15 años después a Nueva York, donde intentará recuperar su vida y empresa familiar. Además, deberá hacer frente a una antigua amenaza que acecha en las sombras.

Antes de la crítica en sí, me gustaría poner un poco en antecedentes a los recién llegados: el personaje surgió de la mano de Roy Thomas en los años 70, aprovechando el tirón en Estados Unidos de Bruce Lee y las películas de artes marciales. El cómic tuvo una época con bastante éxito, hasta que las bajas ventas forzaron a juntar su cabecera con la de Power Man (Luke Cage), otro héroe que andaba de capa caída. De esa circunstancia editorial surgiría el negocio que fundaron ambos (Héroes de alquiler) y una de las amistades más longevas y peculiares de Marvel. También me gustaría añadir como anécdota que Danny y su novia, Misty Knight (detective de la policía en Luke Cage), fueron la primera pareja interracial del cómic de superhéroes.

Tras pasar por otro periodo de miniseries y apariciones esporádicas durante los 90 y principios del 2000, en 2006 llegó el momento más definitorio de su trayectoria: “El inmortal Puño de Hierro”, de Ed Brubaker y Matt Fraction (con dibujo del español David Ajá). Un cómic que no me canso de recomendar y que ahondando en los aspectos más místicos, multiplica la riqueza de su trasfondo y mitología y le convierte en un personaje lleno de posibilidades, cosa de la que han dado buena cuenta autores posteriores.


EL NIÑO PERDIDO

Uno de los grandes aciertos que tiene Netflix con sus series es que intentan que cada producto tenga su propia personalidad y temática. Iron Fist no es Daredevil en versión kung-fu. Y aunque el trailer y la premisa de “millonario heredero de una gran empresa que está desaparecido durante años y vuelve hecho una máquina de repartir cera” puedan oler peligrosamente a Batman Begins o a la serie de Arrow, basta con ver el piloto o unos pocos capítulos para comprobar que el enfoque es completamente distinto.

Comenzamos con Danny (Finn Jones) de vuelta en Nueva York, dándose de bruces con la realidad que supone un regreso así ¿cómo demuestras a tus conocidos que eres tú cuando se te dio por muerto de niño? ¿a quién acudes cuando nadie te escucha y todo lo que recuerdas ha cambiado? Este planteamiento, junto al hecho de que con el paso de los capítulos se nos vaya desvelando poco a poco detalles sobre Danny y lo que le sucedió, ayuda a que apetezca ir desentrañando el misterio y ver hacia donde va la historia.





El propio Danny es un personaje interesante con una personalidad bastante distinta a los de series anteriores. Tanto por su juventud como por la vida austera y de disciplina que ha tenido lejos de la civilización”, en muchos sentidos es un niño en el cuerpo de un adulto. Optimista, buen chaval y con un punto de ingenuidad a la hora de lidiar con el mundo “real” y la sociedad egoísta y materialista que no ha conocido. Pero al mismo tiempo ha tenido una niñez traumática y la mayor parte de su vida ha transcurrido entre férrea disciplina y trabajo duro, lo que hace que sea emocionalmente muy inestable. Lejos de caer en el estereotipo de occidental apropiándose de la cultura asiática, la serie no glorifica a su protagonista y lo presenta como una persona bastante disfuncional. Como decía el propio actor en declaraciones “Danny no es ningún salvador. Ni siquiera puede salvarse a sí mismo”.

Entre los secundarios están Joy Meachum (Jessica Stroup) y su hermano Ward (Tom Pelphrey), amigos de Danny en la infancia que ahora controlan Industrias Rand; Collen Wing (Jessica Henwick), la dueña de un humilde dojo. Como antagonista (a priori) tenemos al padre de Joy y Ward, Harold Meachum (David Wenham ¡¡Faramir!!), ex socio del padre de Danny. También hay viejos conocidos de otras series y sorpresas varias. Netflix sigue con su habitual buen hacer con los villanos y los personajes femeninos.

Sin entrar en spoilers, la estructura no es una historia de superhéroes al uso (cosa que como pasó con Jessica Jones o Luke, quizá no guste a todo el mundo). El arco principal es el viaje de Danny intentando recuperar su identidad y descubrir su lugar en el mundo (literal y metafóricamente). Otras temáticas que se tocan son los temas zen típicos en el subgénero de artes marciales, el legado (familiar y de otros tipos) y una mirada algo crítica a las corporaciones y al 1% (estando representado esto especialmente en Joy y Ward, personajes que me han gustado bastante). Como lector y fan acérrimo del personaje agradezco el esfuerzo que se han tomado los guionistas y responsables de la serie en beber del material original, al mismo tiempo que readaptarlo al contexto que necesita para continuar con la trama global de las series (lo que se viene cociendo en Daredevil, vamos). Y pese a que no me gustaron algunos cambios puntuales en el origen de Danny, quien esté familiarizado con los cómics encontrará que en general la base se mantiene en todos los aspectos.

Vamos con el misticismo, un tema que me tenía bastante quemado ¿Se puede trasladar al entorno callejero y relativamente realista de Netflix a un personaje cuyo trasfondo está enraizado en la fantasía? ¿Puedes mantenerse fieles a aspectos como que la fuente de su poder es haber derrotado literalmente a un dragón? Pues... más o menos.




A fin de preservar el “realismo” (y a evitar gastarse un presupuesto que no tienen, para que engañarnos), han optado por una solución intermedia. Si en Doctor Extraño vemos en primera persona a Stephen maravillado ante el descubrimiento de la magia y las artes místicas, en Iron Fist vamos a ver al enfoque opuesto: la incredulidad de los demás hacia Danny. La serie abraza los elementos y personajes místicos, pero la mayoría vienen por el relato de nuestro protagonista, pese a que la mayoría le tomen por un mentiroso o un lunático. Por supuesto, nosotros sabemos que es cierto, y puntualmente vemos algo de material en los flashbacks. Es decir, el misticismo se cuenta mucho y se enseña poco. Es una pena y me decepciona porque creo que el espectador se queda con las ganas, pero por otra parte me consuela que así queda establecido y hay opciones para que si en el futuro la serie tiene más temporadas y presupuesto, se puedan abordar de lleno y correctamente en lugar de con pocos medios.

No quiero extenderme mucho en la factura técnica pero pienso que está al nivel de Daredevil. Buena fotografía, buena iluminación (gran parte de los capítulos son a plena luz del día) y algunos decorados muy lujosos. La excepción son las escenas en las que más o menos se intuye K´un-Lun, que son... precarias.


BESADO POR EL FUEGO

Vamos ahora con algo vital en esta serie, la acción. En este aspecto soy tremendamente exigente: Puño es de los mejores luchadores del universo Marvel, muchos de sus enemigos son expertos, es una serie de superhéroes con temática de artes marciales, yo mismo soy practicante y aficionado... por lo tanto mis expectativas eran tener las mejores peleas de tv. Y... no lo son.

Al igual que con el misticismo, hay luces y sombras. Por una parte, está muy bien representado lo habilidoso que es Danny. No tiene superfuerza, sentidos aumentados ni va vestido con protecciones. Sin embargo es atlético, apenas encaja golpes, despacha a múltiples enemigos etc. En comparación a Daredevil por ejemplo, parece que lucha sin esfuerzo. Sus movimientos son fluidos y dispone de un repertorio mayor de técnicas (fintas, bloqueos, redirigir ataques del contrario, inmovilizaciones...). Se ha optado por darle un estilo que combina mayormente capoeira, wing tsun y diversos estilos de kung fu. Colleen en cambio tira más de estilos “duros”, tradicionalmente los japoneses.




Las coreografías en general están muy bien. ¿Cuál es el problema entonces? En primer lugar, que la dirección de escenas no siempre es la mejor: más cortes de los que me gustaría, ángulos que buscan que no se note el especialista y ocasionalmente saltos de eje al cambiar el plano que pueden desorientar. En segundo lugar, pasa algo de factura que los actores principales no tienen experiencia marcial previa a la serie y van a cara descubierta. Finn Jones hace un trabajo encomiable, pero su falta de presencia física y una preparación intensiva de un par de meses no le convierten en el Arma Viviente. Cuando acabe poniéndose la máscara y el disfraz, imagino que este aspecto se solucionará en gran manera, porque el 90% de las tomas de pelea será su doble. También puede ser que yo sea muy tiquismiquis y alguien que no controle del tema vea la serie y no lo note y las peleas le parezcan de 10.

Respecto al CGI, todo muy correcto. El Puño solo se usa ocasionalmente cuando la ocasión lo requiere, y no he visto nada que cante a excepción de un plano concreto de un golpe en un capítulo.


CONCLUSIÓN

- Lo mejor: buena factura marca Netflix, el planteamiento, las peleas, los secundarios y el potencial .

- Lo peor: K´un-Lun deja que desear, la anemia de Finn Jones, la edición en algunas peleas y la falta de misticismo en pantalla.

Teniendo en cuenta que esta serie me daba pánico en un principio, me puedo dar con un canto en los dientes de estar globalmente satisfecho con el resultado. La serie va de menos a más y tras 6 capítulos colocando piezas, se aprecia como ha ido pasando de ser un drama corporativo a cada vez meter más elementos fantásticos y de cara a Defensores. Si juega bien sus cartas y explota en su segunda mitad (me consta que faltan personajes por aparecer, algunos que ni están anunciados de hecho) podría ser mi favorita junto a Daredevil. O también desinflarse, quien sabe. La respuesta el 17 de Marzo. De momento la recomiendo.


Abre el corazón, cierra el puño :P




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25 febrero 2017

LOGAN






Título: Logan
Dirección: James Mangold
País: USA
Actores: Hugh Jackman, Patrick Stewart, Boyd Holbrook, Dafne Keen, Stephen Merchant, Doris Morgado, Richard E. Grant, Han Soto, Elizabeth Rodriguez, Julia Holt, Elise Neal, Al Coronel
Año: 2017
Duración: 135'
Crítico: Blueberry








Valoración


"El broche final que Lobezno y Jackman se merecían"





P.D: Id al cine a verla.




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22 febrero 2017

T2: Trainspotting










Título: T2: Transpotting
Título original: T2: Trainspotting
Dirección: Danny Boyle
País: Reino Unido
Actores: Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kelly Macdonald, Shirley Henderson, Steven Robertson, Anjela Nedyalkova, Irvine Welsh
Año: 2017
Duración: 117'
Crítico colaborador: Warriors77


Valoración:





“Elige una vida, elige una carrera, elige un empleo, elige una familia, elige un televisor grande que te cagas….” Con estas palabras arrancaba en 1996 el film Trainspotting de Danny Boyle, una de las mejores cintas sobre el mundo de las drogas y que con el tiempo se ha convertido en una cinta de culto. 20 años después se estrena la secuela, en donde volvemos a encontrarnos con Renton, Ewan McGregor, Sick Boy, Jonny Lee Miller, Spud, Ewen Bremner, y Begbie, Robert Carlylye. Dos décadas más viejos pero no más sabios, puesto que aún colea entre ellos la traición llevada a cabo por Renton que ahora pasado ese tiempo vuelve para reencontrarse con su pasado y cerrar viejas heridas.

Cinta que cuenta con buenos elementos pero que queda por debajo de su predecesora. Decía la famosa canción “que 20 años no es nada…” algo que no sirve para esta producción. Los protagonistas son más viejos, pero el paso del tiempo no les ha hecho madurar apenas. En el fondo son unos veinteañeros que se siguen recordando épocas pasadas y que por mucho que intentan huir de su pasado, este no quiere dejarles atrás para recordarles los errores que cometieron en su juventud.

Dentro del apartado interpretativo todos tienen su momento de lucimiento, dentro de los actores son Bremner y Carlyle los que tienen las secuencias más interesantes de la cinta. En este aspecto es Bremner el que consigue llevarse el gato al agua, con su rol de toxicómano al que todo sale mal y que por mucho que lo intente nada bueno parece ocurrirle, aunque en esta ocasión tal vez la suerte acabe sonriéndole. En cuanto a Carlyle vuelve a interpretar a un Begbie más loco y peligroso que nunca, a quien su paso por la cárcel no parece haberle domado el carácter en absoluto.

En cuanto a McGregor y Miller tienen para si la secuencia más hilarante y divertida de toda la cinta. La relación que nos muestra Boyle es la de dos amigos que se siguen apreciando pero que parecen vivir de los recuerdos del pasado y que a la vez se miran con recelo desconfiando el uno del otro, sobre todo por la intervención de la amante de Sick Boy,  Veronika (Anjela Nedyalkova).



La película tiene instantes de humor negro, que se van alternando con el drama y unas gotas de thriller, sobre todo cada vez que el personaje de Begbie entra en acción. A diferencia de la primera entrega, aquí apenas vemos reflejado el mundo de las drogas, lo que Boyle ofrece a los espectadores es una cinta de personajes cansados, cuyos abusos y pecados del pasado les pasan factura ahora.

Antes de verla iba sobre aviso respecto a las malas críticas que ha ido cosechando y a su tibia recepción. Una vez vista, he de decir que el film no es tan horrible como lo pintan, pese a que el director recurre a referencias visuales ya vistas en la primera película, a las que se remite en no pocos instantes a lo largo del mismo y que la banda sonora no llega a ser tan memorable como lo fue anterior. A pesar de estos defectos, consigue ser una digna secuela que hará pasar un rato entretenido a todos los que se acerquen a verla.

¿Secuela innecesaria? Yo no diría tanto, me ha gustado y deja un buen sabor de boca a pesar de que se le podía haber sacado más partido, ya que el material original se prestaba a ello. Y hablando de esto, aquellos que no se hayan leído ninguna de las dos obras quizá se encuentren un poco perdidos cuando hace su aparición un personaje relacionado con Begbie que no aparecía en su adaptación a la gran pantalla pero que si lo hace en ambas novelas.





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20 febrero 2017

Psiconautas: Los niños olvidados












Título: Psiconautas, los niños olvidados
Dirección: Pedro Rivero, Alberto Vázquez
País: España
Actores: Animación
Año: 2015
Duración: 76'
Crítico colaborador: Antonio Ramón Jiménez


Valoración:





El cobre es la sangre.

Describir el fin de la adolescencia, la injusticia social, la falta de valentía para aventurarnos a lo desconocido, lo terrible de las adicciones y las horribles consecuencias que tiene la explotación y destrucción de la naturaleza en menos de noventa minutos se antoja particularmente difícil. Sin embargo, con sus virtudes y sus defectos, Psiconautas se erige como una arriesgada y personal propuesta que consigue aglutinar estos temas y más.

Basada en la novela gráfica homónima de Alberto Vázquez, que junto a Pedro Rivero dirige y escribe, Psiconautas: los niños olvidados nos sitúa en un mundo pos-apocalíptico y gótico, lleno de colores y animales antropomorfos. Se nos cuenta la historia de varios adolescentes que quieren escapar de la isla en la que viven, donde no encuentran perspectivas de futuro ni una sociedad que les admita. ¿Os suena de algo?



Pero Psiconautas no cuenta una historia al uso, de narrativa clara, sino que profundiza y toca de forma directa o tangencial, como decíamos, numerosos temas. Es un canto a la adolescencia, e incluso a su final, pero también una historia de huidas (físicas y mentales, como afirma Alberto Vázquez), así como una eco-película que reivindica de forma llana y sincera la naturaleza frente al artificio, y, en definitiva, frente al destructivo ser humano, siendo éste su mensaje más potente.
Desgranar todo el contenido que vierte Psiconautas es complejo, porque a pesar de que es fácil seguir la linealidad de la historia -algo floja en su inicio pero que mejora conforme avanza-, no sólo se tratan temas a nivel argumental, sino que otros elementos, como color y el sonido juegan un papel fundamental en el film. Las diferentes tonalidades adquieren un protagonismo que el espectador no deja pasar durante una película en la que, a pesar de lo mucho que se habla, termina siendo especialmente visual, mientras que el sonido refuerza situaciones dramáticas que consiguen potentes escenas en algunas partes del metraje.

También es la historia de Psiconautas una historia de rebeldía, de resistencia contra lo establecido y dogmático, a todos los niveles. El aspecto familiar termina siendo fundamental: es una historia de padres perdidos cuyos hijos, estos adolescentes que quieren huir, no saben cómo enfrentar una realidad que odian. Pero también lo es el social, donde hay interesantes similitudes de ambientes distópicos: la sociedad vive engañada en una falsa tranquilidad, y los que no la aceptan sobreviven entre basura y drogas, buscando cobre para sobrevivir.



Pero no deberíamos engañarnos. Al igual que virtudes, la película también tiene defectos, sobre todo en el aspecto narrativo, donde es irregular. Y, por supuesto, tiene otra tara: compite en sus categorías con una de las mejores películas de animación que se han hecho en lo que va de siglo, La tortuga roja. Y eso son palabras mayores.

Sin llegar a la altura de anteriores grandes películas de animación españolas, como Chico y Rita o Arrugas, Psiconautas es correcta y tiene ciertos puntos de interés, además de ser justa ganadora del Goya y estar viviendo un impresionante recorrido internacional. Hay que agradecer a los productores que creyeran en un proyecto tan alejado del circuito comercial, y también a sus directores su empeño en contar una historia que tiene verdadera voluntad por destacar en la maraña de la industria cinematográfica. Si podéis, id a verla. No os dejará indiferentes.




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13 febrero 2017

La FSO girará interpretando exclusivamente temas de Star Wars

Fotografía perteneciente a la actuación de la FSO en los premios Goya 2017. Tanto esta imagen como la nota de prensa son cortesía de Madumadu comunicación


Tras el éxito cosechado en la pasada gala de los Goya en la que el valenciano Constantino Martínez-Orts fue elegido paracomponer toda la banda sonora y en la que por primera vez en la historia de los premios, una orquesta tocaba en directo , FSO prepara el 40 aniversario de Star Wars con 'La Música de las Galaxias' en una gira exclusiva con toda la música de concierto de la saga.

Entrado el año, en un guiño al primer tour de la orquesta en 2012 dedicado en exclusiva al grandísimo John Williams, y para celebrar el 40 aniversario de la saga, FSO prepara una gira muy exclusiva para esta primavera con un programa dedicado por completo a la música que el oscarizado compositor ha creado para cada entrega de Star Wars. Cuando se cumplen cuatro décadas del estreno de la primera película un 25 de mayo de 1977 “Star Wars Episodio IV: Una nueva Esperanza” y coincidiendo con el estreno del episodio VIII que llegará a las pantallas el 26 de mayo, Film Symphony Orchestra hará un recorrido por toda la música de la saga escrita para orquesta sinfónica y disponible para ser interpretada en concierto.

Un programa único, interpretado por vez primera al completo en nuestro país. Los temas de Anakin, Yoda, de la Princesa Leia, de Luke y Leia, La Marcha Imperial, A Través de Las Estrellas, La Banda de la Cantina, El Salón del Trono, El Desfile de los Ewoks, Las Aventuras de Jar Jar, El Scherzo de los Alas-X, La Marcha de la Resistencia... ¡y muchos más! Momentos apasionados, persecuciones galácticas, batallas épicas, desfiles singulares, duelos a muerte, y los temas de los personajes más característicos en un concierto para todos los públicos que pasará por Valencia el próximo 22 de abril en el Palau de la Música. Entradas disponibles en http://www.filmsymphony.es/entradas2.php




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12 febrero 2017

El nacimiento de una nación







Título: El nacimiento de una nación
Título original: The birth of a nation
Dirección: Nate Parker
País: USA
Actores: Nate Parker, Armie Hammer, Jackie Earle Haley, Gabrielle Union, Aja Naomi King, Penelope Ann Miller, Aunjanue Ellis, Mark Boone Junior, Colman Domingo, Roger Guenveur Smith, Griffin Freeman, Jeryl Prescott, Steve Coulter, Katie Garfield, Cullen Moss, Aiden Flowers
Año: 2016
Duración: 119'
Crítico colaborador: Antonio Ramón Jiménez


Valoración:





Hablar de la lucha por la justicia social y la premisa plenamente marxista de la revolución de los oprimidos frente a los opresores es tan rabiosamente actual que casi quema. Y es magnífico que, en un momento tan complicado en la historia de Estados Unidos, donde hay una preocupante incitación al odio racial y a la xenofobia por parte de las altas esferas, Nate Parker coja el testigo en el primer largometraje que dirige, coescribe y protagoniza.

En una cuidada, pero nada original puesta en escena que parece estar diseñada más para lucimiento de sus dotes interpretativas que para el reclamo de la figura de Nathaniel Turner, fundamental antecedente para la Guerra de Secesión, Parker realiza un pulcro ejercicio cinematográfico en el que demuestra conocimiento de la narrativa clásica y la forma tradicional, pero nada más. Y yo me pregunto, ¿por qué?



En un tema tan tratado como el de la esclavitud negra, del que sigue siendo necesario hablar, el contenido sigue siendo fundamental, pero la forma ha ganado mucha más importancia de la que se le concede en los últimos tiempos a prácticamente todo el cine comercial. Me sorprende que en Sundance haya ganado una propuesta que adolece de falta de originalidad en casi todos los aspectos técnicos y narrativos, que siempre son correctos, pero para nada arriesgados, y que vacían de contenido un discurso tan necesario.

La representación de arquetipos se recomienda en la creación de historias, pero los arquetipos no son siempre iguales, son prototipos con los que experimentar, y no formas repetidas hasta la saciedad y que terminan siendo predecibles para un espectador que conozca los códigos clásicos de la narrativa cinematográfica. Y también ocurre en El nacimiento de una nación una suerte de “idiotización” del espectador, con momentos en los que la historia se vale de clarísimos símbolos para justificar acciones posteriores que deberían ser sorprendentes, pero terminan resultando obvias.



El único punto de cierto riesgo que toma Parker es una interesante serie de paralelismos mesiánicos entre la figura de Nat Turner, el predicador negro, y la figura de Jesucristo, con símbolos que de nuevo se tornan demasiado evidentes: los latigazos, la duda ante Dios… Sí que agradezco a Parker dos cosas: que el hombre blanco siempre sea malvado y sin cierta ambigüedad moral con esos personajes que son aliados de la causa, pero desde su posición de comodidad y que no destacan en su largometraje; y una satisfactoria banda sonora que se engrandece al final del metraje.

El problema de tratamiento de El nacimiento de una nación no sólo se queda en lo cinematográfico, sino también en cuestiones de representación igualitaria -mejor ni hablamos de los personajes femeninos de la película-. Una propuesta que no arriesga y se ciñe tanto a lo clásico, habitualmente, tiene dos posibles caminos: convertirse en una obra inolvidable (algo muy improbable en nuestros días), o pasar de largo en la memoria del espectador. Y El nacimiento de una nación parece condenada a pasar al olvido, a no destacar y perderse entre la maraña de películas entretenidas que ver un domingo.




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50 sombras muy oscuras



Título: 50 sombras muy oscuras
Título original: Fifty Shades of Black
Año: 2016
Duración: 92 min.
País: Estados Unidos
Director: Michael Tiddes
Guión: Rick Alvarez, Marlon Wayans
Música: Jim Dooley
Fotografía: David Ortkiese
ActoresMarlon Wayans, Jane Seymour, Fred Willard, Mike Epps, Kali Hawk, Andrew Bachelor, Affion Crockett, Tina Grimm, Kate Miner, Alice Rietveld, Brad Schmidt, Karli Karissa
Año: 2013
Duración: 86'
Critico Colaborador: Pagalitros

Calificación:





Llega febrero, los malvados y carismáticos ejecutivos de los estudios de Hollywood (que todos sabemos que son reptilianos), nos quieren seguir haciendo la vida imposible a todos aquellos que tenemos novia. Si en 2015 tuvieron la genial ideal de estrenar en San Valentín, 50 sombras de Grey, este año no va a ser menos y nos vuelven a maltratar psicologicamente con la secuela. Marlon Wayans quería sacar tajada del asunto haciendo su particular versión con estas 50 sombras muy oscuras.

Si no tuviste suficiente con ver Paranormal movie, entonces te toca ver esta ¿película? hablemos de su argumento, Hannah recibe el encargo de entrevistar a un joven empresario, Christian Black. La inexperta e inocente chica intenta olvidarlo, pero pronto comprende cuánto le desea. Cuando la pareja por fin inicia una apasionada y desenfrenada relación, Hannah se sorprende por las peculiares prácticas eróticas de Black, al tiempo que descubre los límites de sus propios y más oscuros deseos ¿Muy original, no?

Pero este no era para el casting de la nueva de Tyler Perry??
Tengo que decir que me he visto muchos filmes de los hermanos Wayans (ya casi una saga, porque no solo son hermanos sino, ya muchos de ellos tienen hijos que siguen la tradición familiar de seguir actuando). De sus filmes más famosos están las dos primeras de Scary Movie y las pocos conocidas Fiebre de oro (una especie de blackexpoliation) o Los Colegas del Barrio (Parodiando cine de John Singleton o Spike Lee). Pero se nota que la calidad de los mismos siempre han ido a peor.

Pero lo de este filme ya se pasa de lo autenticamente chabacano, e incluso han copiado bromas de otras cintas como de Scary Movie. La  cinta no sabe crear ningún gag original, imita a la cinta a la que parodia (casi en el 99% de sus escenas y sino mete alguna que otra película como Magic Mike). El personaje de Wayans es totalmente insoportable, va totalmente de sobrado y luego después es matadillo del 15.

Toda una dama
La chica aunque tampoco es que lo haga mal es bastante pasable pero sin duda la peor del reparto es su amiga, una chica pasada de quilos que es una hortera obsesa del sexo que no para de soltar perlitas por su boca ¿Y que puñetas hace por aquí Jane Seymour? Bastante lamentable ver por aquí a la Doctora Quinn haciendo de la madre del protagonista.

En resumen, la peli es un calco de la película a la que parodia, salvo su tramo final que mete allí algo del exorcista porque supongo que había que meter más personajes ¿La recomiendo? Por supuesto que no, si acaso a los fans de los hermanos Wayans y eso que tienen filmes muchos más divertidos.

Y volveremos con la secuela..



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