DOOM




Crítico: Blueberry

Ya es Mayo, si, Mayo de 2016 y como el nuevo Doom ya esta aquí.











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Gira del musical Mamma Mia! por España



Si no vas a los musicales, los musicales vendrán a ti. Primero empezó a girar por España "Sister Act", al cual acudimos, ahora se paseará por nuestra geografía el longevo musical "Mamma Mia!", dedicado a ABBA y del cual se ha hecho también adaptación cinematográfica.
Como protagonista, volvemos a tener a Nina, la cual ha estado casi todos los años desde 2004.

El musical ha sido visto en Madrid por millones de personas, y promete agotar las entradas en todas las ciudades que visite.

Aquí podéis consultar las ciudades, fechas y el precio de las entradas.




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Sorteo 3 entradas dobles preestreno Eddie El Águila en Barcelona



Somieres ¡nuevo sorteo! aún está coleando el sorteo de las entradas de X-Men y ya os ofrecemos otro. En la imagen encontraréis todos los pasos a seguir:







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Alberto Tarín, ex de Seguridad Social vuelve fusionando a Bach con el reggae



Gracias a Madu Madu comunicación nos hacemos eco de esta noticia:

Alberto Tarín, ex componente del legendario grupo de rock Seguridad Social y compositor de las conocida canción “Quiero tener tu presencia”, lanza “Aire”, su nuevo adelanto musical. Un tema que combina la popular suite “Aire para cuerda en Sol” de J.S Bach con el ritmo místico del reggae y con el que pretende acercar la música clásica al público joven.

“Aire”, una de las piezas más famosas de la música barroca de Bach, suena en esta ocasión con ritmo jamaicano, fruto de la inspiración del trabajo con legendarios cantantes y artistas caribeños como Rita Marley, Vin Gordon, BB Seaton, Derrick Morgan o Leonard Dillon buscando un estilo único que traspase fronteras. “Mi pasión por el sonido reggae se inició a principios de los 80, coincidiendo con la eclosión de Bob Marley. “Aire” es una vuelta a la música de Bach, con aires místicos africanos, algo que nadie había hecho hasta ahora”, apunta Alberto Tarín. 
Su nuevo lanzamiento supone la unión entre la solemnidad del compositor alemán con el contagioso ambiente sonoro Jamaicano. Una invitación a las emociones y al movimiento.
El nombre de Alberto Tarín, se asocia a uno de los solistas más importantes de nuestro país ya que ha contribuido a la música popular española durante más de 25 años, tocando y componiendo para algunos de los grupos y cantantes más famosos de la escena musical como Mecano, Raimundo Amador, Lolita Flores o Seguridad Social.




Sobre Alberto Tarín
Alberto Tarín, nacido en 1961 en Valencia (España), ha contribuido a la música española durante más de 25 años, tocando y componiendo para algunos de los grupos y cantantes más famosos de la escena musical española: Mecano (1989), Jah Macetas (1990- 1996) Seguridad Social (1991-1997), Rafa Villalba Chiquetere (1994) , Palabra de guitarra (1995), Raimundo Amador, Lolita Flores (2002) entre otros. Como artista en solitario publicó Coraje (1997) con Warner Music, donde demuestra un acercamiento a varios estilos y ritmos diversos.

Internacionalmente el reconocimiento ha llegado cuando una de sus canciones fue incluida en el CD de compilación “Guitar music for small rooms vol.2 (Warner Canadá – 2001) entre otros grandes guitarristas como Wes Montgomery, George Benson, Eric Clapton, Carlos Santana, Ry Cooder, Larry Carlton, estando 8 semanas en las listas canadienses.
Actualmente, trabaja con su banda Alberto Tarín y Orquestra.



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Ara Malikian 15 Symphonic gira España



El violinista español de origen libanés Ara Malikian girará por España en la segunda mitad de 2016 con 5 conciertos sinfónicos después de presentar su nuevo disco "15".
Las ciudades que acogerán el espectáculo son Málaga, Madrid, Valencia, Santander y Zaragoza. Las fechas y el precio de las entradas pueden ser consultados en este enlace.

Éste virtuoso del violín se ha atrevido a cosas tan dispares como a ser colaborador de concursantes del programa "Pasapalabra" o hacer junto a Yllana el divertido espectáculo "PaGAGnini", en el que en clave de humor, hacían gags con la música del clásico compositor italiano.





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La gira de "Cuarto Milenio" llega a Valencia



 La gira de "Cuarto Milenio" llega a Valencia, aterrizando en el Teatro Olympia.

Un evento único, con la participación de Iker Jiménez y Carmen Porter, para poner en común experiencias con los asistentes. Iker viste así del más puro misterio cada ciudad que visita, acercando a los fans de lo desconocido muchos de los enigmas con los que se ha topado en su larga relación con el misterio. 
En cada uno de estos encuentros los asistentes viajarán con él a través de la palabra, de la sensación, de la música y de la imagen a la esencia del misterio. Una experiencia que no podrá ser grabada ni difundida. Un encuentro personal, único e inolvidable, en el que los asistentes podrán preguntar a Iker, cara a cara, lo que siempre quisieron saber. Las noches del Misterio no son un programa de televisión en vivo, ni uno de radio, ni una conferencia. Más allá de todo convencionalismo, son una nueva experiencia de comunicación entre Iker Jiménez, Carmen Porter y los asistentes a una noche mágica. Las historias, los sucesos que jamás se contaron en Cuarto Milenio, y las imágenes y la música entrelazados provocan un efecto de auténtico viaje al epicentro de lo desconocido. Los lugares elegidos se convierten en auténticas naves donde lo documental y lo sensorial son pilares básicos para una experiencia que, según las miles de personas personas que lo han vivido, resulta transformadora. Además el público, en debate abierto, tiene la oportunidad de preguntar todo aquello que siempre quiso saber.





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X-MEN Apocalipsis











Titulo: X-MEN Apocalipsis
Director: Brian Singer
País: USA
Actores: Michael Fassbender, James McAvoy, Jennifer Lawrence, Hugh Jackman, Oscar Isaac, Nicholas Hoult, Evan Peters, Rose Byrne, Kodi Smit-McPhee, Sophie Turner, Chaning Tatum, Alexandra Shipp, Tye Sheridan, Olivia Munn, Lucas Till, Lana Condor
Año: 2016
Crítico Colaborador: David Hidalgo

Valoración:

 





El último film de Bryan Singer y de la franquicia cinematográfica “X-Men” llega rodeado de mucha controversia en cuanto a críticas. Y es que, tras publicarse las primeras críticas durante las semanas previas al estreno del film, ha llegado a tener un 45% en Rotten Tomatoes. Actualmente, la media de notas en Rotten Tomatoes y Metacritic está subiendo, pero lo que está claro es que esta cinta ha generado mucha discrepancia entre público (que suele valorarla más positivamente) y una crítica a la que, por lo general, no le ha entusiasmado la propuesta de Singer.




¿Está justificada esta animadversión? En la humilde opinión de un servidor, ni de lejos. Pero primero describamos la trama en líneas generales: Apocalipsis, más conocido como “En Sabah Nur” (“El Primero”), es el mutante más poderoso que ha existido nunca desde el inicio de los tiempos. Adorado como un dios, es forzado a un letargo que dura miles de años. Al despertar en un mundo que no le gusta, decide reclutar un equipo de cuatro Jinetes, encabezado por Magneto, para crear un nuevo orden mundial. Pero el Profesor X, con la ayuda de Mística, se unirá a un grupo de jóvenes mutantes para tratar de detener al mayor enemigo contra el que se hayan enfrentado jamás.

Lo primero que he de decir es que “X-Men: Days of Future Past” no me entusiasmó tanto como a muchos críticos y a la mayoría del público, a juzgar por la media de notas que cosechó esa película. Me pareció una propuesta con buenas ideas y bastante amena, pero muy floja como adaptación de la obra de Chris Claremont, con personajes desperdiciadísimos (ese Bolivar Trask que apenas aparece 10 minutos en todo el film…), y un tempo narrativo que va de más a menos conforme avanza el metraje. Tenía muchas esperanzas depositadas en esa película, pero una vez vista, en conjunto, me pareció bastante inferior a “X-Men: First Class” de Matthew Vaughn. Pese a todo, me encantó el hecho de que Singer recuperara la silla de director en esta saga, una franquicia que el propio Singer inauguró con dos excelentes películas y que ayudó a sentar unas bases en el cine de superhéroes que cineastas como Christopher Nolan o los Hermanos Russo, entre otros, explotarían al máximo.



Dicho esto, creo firmemente que “Apocalypse” acierta donde “Days of Future Past” fallaba o se quedaba corta. Para empezar, tiene lo que algo de lo que “DOFP” carecía: un villano con algo de enjundia. Aunque el Apocalipsis que propone Singer nada tiene que ver con el de los cómics, e incluso se podría argumentar que su aspecto físico es distrayente e incluso ridículo, Oscar Isaac logra dar a ese personaje una presencia intimidante, así como que sus peculiares motivaciones resulten comprensibles, e incluso aceptables, para el espectador medio. No en vano, dentro de la vanidad y egolatría que muestra este villano en todo momento, Apocalipsis no deja de ser un vehículo para reflexionar sobre cómo las guerras, así como el culto al dinero y al poder, han corrompido al Mundo y lo han llevado a una suerte de decadencia social y moral. Sin entrar en spoilers, quisiera destacar cierta escena en la que Apocalipsis muestra por primera todo aquello de lo que es capaz, al ritmo de música clásica y un discurso sobre las armas y los falsos ídolos.


Después, la acción. Puedo afirmar, sin miedo a equivocarme, que “Apocalypse” es la cinta más espectacular de la saga, a la par de “First Class”. Repleta de efectos digitales y de trepidantes set pieces, está rodada con un pulso eficaz por Singer. Mucho ha llovido desde que el autor de “Usual Suspects” dirigiera la primera entrega de la saga con buena mano para las escenas intimistas pero dudoso gusto para las escenas de acción; ahora, Singer pone toda la carne en el asador para crear momentos impactantes, sin embarullar o atontar al espectador en el proceso (aprende, Zack Snyder). Y por supuesto, cabe destacar dos escenas en particular, ambas protagonizadas por el mutante Quicksilver. Estos dos momentazos (no hay más ni mejores palabras para definirlos) quedan en el recuerdo del espectador y son dignos de aplauso, por lo bien ejecutados que están y por su combinación entre humor slapstick y acción.



Pero no nos engañemos: ante todo, “Apocalypse” es una cinta emocional, una carta de despedida que Singer dedica a una de las obras más importantes en su carrera. Por ello, el director, amparado por el guionista Simon Kinberg (con quien repite desde “Days of Future Past”), pone toda la carne en el asador para cerrar el arco Charles Xavier – Eric Lensherr que viene gestándose desde “First Class”, y casi todas las tramas y subtramas que han ido abriéndose desde ese film. Para ello, se sirve de una serie de acontecimientos que desencadenan un conflicto aparentemente irresoluble entre quienes quieren la convivencia pacífica entre humanos y mutantes, y quienes desean la extinción de los humanos.

Aunque Apocalipsis es el gran villano de la función, y Charles Xavier es el protagonista indiscutible, hay dos personajes en los que el film deposita el foco emocional: Magneto y Mística. Mientras que el primero está envuelto por un aura trágica, tanto a causa del guión como por obra y gracia de una maravillosa interpretación de Michael Fassbender (tal vez, la mejor que ha ofrecido en todos estos filmes), la segunda cobra más protagonismo del que nunca ha tenido como heroína y líder de los X-Men. Ambos se ven reforzados por otras caras familiares, como Hank McCoy/Beast o Alex Summers/Havoc. En contexto, funciona y es una resolución coherente a su participación dentro de este reboot de la franquicia.



Mención especial a los nuevos mutantes que se incorporan a ambos bandos, X-Men y Jinetes del Apocalipsis. Por un lado, tenemos a Jean Grey/Phoenix, Scott Summers/Cyclops y Kurt Wagner/Nightcrawler, cada uno bien defendido por su respectivo intérprete, y con su propio momento para lucirse y brillar. Por el otro, están Ororo Munroe/Storm, Angel y Psylocke. En este caso, como refuerzos del villano resultan un tanto flojos, entes con muy poca personalidad cuya mera función es la de obstaculizar momentáneamente a los protagonistas para que no logren derrotar a “En Sabah Nur”. En ese sentido, me recuerdan a los flojísimos Sabertooth y Toad de la primera “X-Men”, salvo que en aquella película, al menos creaban divertidos contrastes e interacciones entre ambos personajes, mientras que en ésta apenas tienen líneas de diálogo, ni entre ellos ni entre otros caracteres. La única que sale más o menos bien parada es Storm, pero ni siquiera ella logra tener un arco evolutivo bien plasmado.

Otro defecto del que peca esta cinta es un cierto uso de conveniencias y Deus Ex Machina, tanto para justificar ciertos eventos como para ayudar a la resolución de la trama principal. Resulta algo molesto que un film que se está tomando su tiempo para desengranar una trama más o menos bien construida, para desarrollar una serie de personajes y para presentar unos elementos que al final son empleados narrativos de una forma u otra, ciertas tramas y subtramas sean resueltas deprisa y corriendo, o incluso que parezcan pegotes mal integrados. Hay una subtrama en particular que, aunque da lugar a una escena de acción muy vistosa, no acaba de encajar bien con el resto del film, y parece más bien un guiño a los fans. Quienes hayáis visto la película, sabréis de qué subtrama estoy hablando.



Por lo demás, “Apocalypse” es una cinta a todas luces imperfecta, especialmente en lo que a guión se refiere, pero en conjunto resulta entretenida, espectacular, y un digno cierre para la trilogía que viene gestándose desde 2011. Con bastantes guiños y elementos que satisfarán a los fans de la saga así como de los cómics (atentos a cierta coña sobre “The Last Stand”), me ha parecido una cinta vastamente superior al desastre que fue “Batman V Superman: Dawn of Justice”, por más que la crítica especializada se haya empeñado en comparar ambas cintas como si les fuera la vida en ello. No llega a la altura de la excelente “Captain America: Civil War” en lo que a excelencia superheroica se refiere, y sin duda alguna sigo pensando que “X-Men 2” es la mejor película de toda la saga, pero “Apocalypse” cumple bastante bien como película de escapismo. Podría haber sido algo mejor, pero en conjunto, es más de lo que esperaba, y Singer ha logrado decir adiós con dignidad a los X-Men.

A partir de ahora, esperemos que venga sangre nueva a la saga, y que todo vaya a más… y a mejor.

LO MEJOR: La emotividad que la cinta desprende en todo momento, por mano de Singer; lo espectaculares que resultan las escenas de acción; algunas ideas y reflexiones sobre el mundo y la humanidad que el film plantea son interesantes, e incluso un tanto arriesgadas; lo bien integrados que están los nuevos X-Men con las generaciones ya previamente establecidas; unos agradecidos toques de humor, que alivian la tensión y tragedia que impregnan la trama principal.

LO PEOR: Ciertos Deus Ex Machina y conveniencias que Simon Kinberg emplea para salir de algunos callejones sin salida en los que se mete; una subtrama en particular que no acaba de quedar bien integrada con el resto del film; el aspecto físico de Apocalypse, bastante grotesco y distrayente; que los Jinetes del Apocalipsis, salvo Magneto, son bastante flojos como personajes con entidad propia.



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Angry Birds: La pelicula




Titulo: Angry Birds. La pelicula
Director: Clay Kaytis y Fergal Reilly
País: USA
Actores: Jason Sudeikis, Peter Dinklage, Josh Gad, Bill Hader,Danny McBride, Kate McKinnon, Maya Rudolph
Año: 2016
Crítico: Blueberry









Valoración: 














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Sorteo 3 entradas dobles preestreno X-Men:Apocalipsis






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El otro lado de la puerta



Titulo: El otro lado de la puerta
Director: Johannes Roberts
País: UK
Actores: Sarah Wayne Callies, Jeremy Sisto, Suchitra Pillai, Javier Botet, Sofia Rosinsky, Jax Malcolm, Logan Creran
Año: 2016
Crítico Colaborador: J.J Bonal
Valoración:




 
“A menudo, el camino hacia la condenación del infierno está lleno de buenas intenciones”

Si tuviera que resumir en una sola frase el argumento de la nueva película de Johannes Roberts, probablemente esa sería la más acertada. El director británico nos trae en esta ocasión una película de terror indo-británica donde una pareja recientemente casada tiene que convivir con el hecho de la pérdida de Oliver, uno de sus hijos. Desesperada y al borde del suicidio, la madre (Sarah Wayne Callies) decidirá poner en práctica un consejo desesperado de la canguro de la niña: Acudir a un templo perdido en medio de la selva, y allí, mediante el ritual correcto y unas normas muy específicas, contactar con el alma de su difunto hijo. Pero algo sale mal, pues la mujer rompe la regla de oro del lugar, desencadenando así una serie de hechos, en principio inofensivos, pero posteriormente terribles.


 
No esperaba gran cosa de la película, en general en los últimos años el cine de terror se resume en escenas con ruidos de golpes y sustos pasajeros, aderezadas con una buena cantidad de casquería surtida, un par de cubos de sangre y, si acaso, algún que otro fantasma de un CGI tan cantoso que haría a Ray Harryhausen revolverse en su tumba. Por supuesto, cualquier escena siempre a oscuras y con una música tan obvia que hace a la propia escena tan predecible como sosa. Bien, pues me supuso una gran alegría comprobar, como aficionado al género de terror, que en esta ocasión, se ha sabido hacer una película correcta. No es la mejor que he visto (superar a clásicos como El Exorcista está difícil), pero si una que recomiendo a todo el mundo. Hay que decir que una de las claves, si no la más importante y principal, del cine de terror es que la película, el argumento y/o al menos los hechos, han de ser mínimamente creíbles. Si la historia no te entra por los ojos, que lo hagan los protagonistas, o al menos los monstruos o fantasmas de turno, pero es muy difícil asustarse y tomarse en serio algo que, o no te lo podrías creer, o sencillamente no se lo tragaría ni un niño de 5 años.


Seamos sinceros, a estas alturas del partido, cada vez nos asustamos menos (no solo como personas, sino también como sociedad) y de hecho es muy raro que se haga cine de terror sin explotar el mundo de los fantasmas de oriente. Quizás por exótico, quizás por rico en espíritus, pero parece que es la nueva mina del terror. Por mi, si consiguen hacer el resto como esta otra, perfecto oiga. En cualquiera de los casos, hay que reconocer que la película acojona (y eso es mucho hoy en día)



En el aspecto técnico, no hay muchos reproches. Sin cámara en mano, los personajes cumplen con su papel (algo cliché, pero son pocos papeles que no lo son y más en este género), la dirección es correcta y puedes ver lo que pasa en la habitación, aun cuando se va la luz (detalle que agradeceré infinitamente y del cual espero que tomen ejemplo muchos directores como, por ejemplo, Guillermo del Toro). Como digo una correcta ejecución. Por desgracia el final pierde un poco de fuelle (probablemente es lo más absurdo de la historia, habida la cuenta de que hablamos de una historia de fantasmas), pero lo recupera a última hora. No puede faltar el final abierto de turno, pero por otro lado lo suficiente como para que no sea un simple y cantoso “continuará”. Si bien creo que ciertos personajes que aparecen varias veces en el film son muy poco realistas y creíbles en sí mismos, reconozco que le dan un extra de intriga y suspense hasta el final, sin contar con varias escenas “de susto” simples pero efectivas para mantener al espectador en tensión.

Mi opinión: Muy recomendable






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ESA SENSACIÓN






Titulo: Esa sensación
Director: Juan Cavestany, Julián Génisson, Pablo Hernando
País: España
Actores: Lorena Iglesias, Vito Sanz, Jorge Suquet, Miquel Insua, David Pareja, Pietro Olivera, Bárbara Santa Cruz, Juanan Lumbreras, José Luis Alcobendas, Carmela Lloret
Año: 2015
Crítico: Harkness



  


 Puntuación:





Esa sensación es el proyecto conjunto de tres cineastas españoles que han destacado en los últimos años por sus propuestas heterodoxas y a contracorriente, que algunos encuadran dentro de cierta tendencia entre los creadores audiovisuales que se ha venido a llamar “post-humor”, fundamentalmente entre un público más bien hipsteroso y madrileño. El significado de esta etiqueta no está muy claro, pero que en general se caracteriza por un sentido de la comedia disparatado y absurdo, capaz de general desconcierto y descoloque en el espectador.


Juan Cavestany es el autor de Dispongo de barcos, Gente en sitios y El señor, entre otras, un director que comenzó haciendo un cine muy convencional, narrativo (El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo) y con clara vocación “mainstream”, pero que se ha volcado últimamente en un cine de escasos medios y nula (por desgracia) distribución, donde el argumento ha ido desvaneciéndose cada vez más hasta llegar a plasmar un mundo raro, ilógico, pero extrañamente familiar, donde el espectador queda perdido para reencontrarse, tal vez, con sus angustias y preocupaciones más íntimas. Para reencontrarse consigo mismo frente a un espejo deformante.





Julián Genisson es uno de los autores de la no menos desconcertante La tumba de Bruce Lee y miembro del colectivo Canódromo Abandonado, que lleva estas características que venimos comentando del post-humor más lejos que ningún otro. Y finalmente, Pablo Hernando es otro cineasta joven y que tiene ya unas cuantas películas y cortometrajes en su haber, como Berserker, Cabás y Agustín del futuro, del cual no tengo el gusto de conocer ninguna.


Hemos hablado más de Cavestany que de sus dos secuaces, sin embargo, la película que nos ocupa es tan obra de uno como de los otros. Son tres las historias que componen la película, sin llegar a unirse en ningún momento, no se trata de capítulos independientes, sin embargo, sino que están concebidas con la voluntad de tener algún tipo de nexo común. La gracia del asunto es que cada uno de los directores escribió por su cuenta una historia y la rodó, para finalmente hacer la película entera entre todos mediante el montaje. Proyecto singular y arriesgado, pues, sorprende que cada uno de ellos comparta, de alguna manera, una estética (a veces un poco más feísta, por momentos más elaborada) y unas ideas comunes, pues el resultado final es muy homogéneo y nadie diría que ha sido realizado por tres personas distintas.




No quiero contar mucho de la película, pues perdería gran parte de la gracia si lo hiciera (no por cuestión de spoilers, más bien porque es mejor enfrentarse a ella virgen, por decirlo de alguna manera, y dispuesto a encontrarse con cualquier cosa). Únicamente, y para quien quiera saberlo, diré de qué tratan las historias: una mujer solitaria emprende romances apasionados con el paisaje urbano, un virus que obliga a la gente a decir cosas que no vienen a cuento de nada va contagiándose de unos a otros, y por si fuera poco, un hombre es espiado por su hijo debido a una extraña conducta relacionada con ir a misa.

Sin más, os dejo una pequeña entrevista rápida con los directores (me limito a reproducir aproximadamente sus respuestas):



Somier: Pregunta que va sobre todo dirigida a Juan (Cavestany) ¿Tus películas parten de un intento deliberado de provocación, o simplemente te sale así?

J. Cavestany: Pues la verdad es que no tengo ninguna intención deliberada de provocar al espectador, no sé por qué me preguntas eso...


Somier: Hombre, hay que reconocer que no son películas para nada convencionales, que lo más normal es que el espectador se sorprenda, incluso que pegue un salto en el asiento


J. Cavestany: Puede ser... sin embargo, mis películas no tienen ese intento de provocación, no lo veo, o tal vez puede que sí, puede que no, no veo incompatible una cosa con la otra, en cualquier caso así es como me salen a mí


Somier: ¿Cuál ha sido el proceso creativo?


J. Cavestany: La película la hemos realizado de manera independiente cada uno, ha sido al final, a la hora del montaje, cuando hemos juntado lo que teníamos y le hemos dado forma a la película tal y como la has visto ahora, partiendo de unas situaciones de guión ideadas por nosotros mismos


Somier: Querría saber vuestra opinión, más que nada por curiosidad, sobre algo que suele verse mucho por internet. Cuando se comenta una película poco convencional y que se sale un mínimo de lo que cualquier espera, de planteamiento, nudo y desenlace, siempre sale a relucir el mismo adjetivo, “lynchiana” ¿Creéis que referirse a David Lynch como sinónimo de raro, onírico, etc. ha acabado por convertirse en un tópico más?


J. Genisson: Sin duda, yo creo que hay varios cineastas muy referenciales que todo el mundo tiene en mente, que han sido muy influyentes, de ahí que todo tienda a ser comparado con el trabajo de ellos. Es como cuando alguien hace una película de estética cercana al cómic, al cine de serie B, etc. y se le pone la etiqueta de tarantiniano.


P. Hernando: ¡Como si fuera tan fácil imitar a David Lynch!


J. Cavestany: Eso digo yo, David Lynch es alguien que nos gusta a todos, todos admiramos sus películas, sin embargo, no tiene por qué hacer una referencia directa... además, ese halo de raro que tiene, seguro que mucho de lo que hay en sus atmósfera contiene algo de humor y de ligereza


Somier: ¿Vosotros pensáis que el cine actual ha perdido peso en favor de otros formatos de ficción, como por ejemplo, la series de televisión? ¿Sería posible que ahora mismo una película tuviera tanta influencia en la vida cotidiana como, por ejemplo, Rebeca, que allá por los años 40 logró darle nombre a una prenda de vestir?


J. Genisson: Yo creo que es un hecho. De todas formas, quién sabe, es posible que se logre un éxito tal que también consiga pasar a nombrar una prenda de vestir. Mira por ejemplo el éxito de Ocho apellidos vascos.


P. Hernando: Pues yo creo que, efectivamente, el cine ahora mismo está pasado de moda


Somier: Por otra parte ¿Creéis que el cine ha sido, de algún modo, “invadido” por otros medios audiovisuales?


J. Genisson: De eso no hay duda, youtube [Nos comenta aquí algo sobre un proyecto audiovisual de youtube sobre un conductor de autobús que va todo loco, mientras están todos los pasajeros acojonados]


Somier: Una última pregunta ¿Cuál es la importancia que le concedéis a la técnica cinematográfica?

J. Cavestany: He intentado concederle una importancia mayor, más o menos como hacía en mis primeras películas, y al contrario que en las últimas


Somier: Que tenían una estética más amateur


J. Cavestany: Sí, pero aquí he querido darle más empaque, lo que no sé es si lo habré conseguido


Somier: Yo noto una homogeneidad mucho mayor en la estética de la película, si la intención era que cada segmento pareciese de un sólo director, en general lo veo logrado. En cualquier caso, gracias a los tres por la entrevista y enhorabuena, sin duda habéis logrado transmitir “esa sensación”.


 (Imagen tomada del festival "D'a" de Barcelona)



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La venganza de Jane









Título: La venganza de Jane
Título original: Jane got a gun
Director: Gavin O´Connor
País: USA
Actores:Natalie Portman, Joel Edgerton, Ewan McGregor, Rodrigo Santoro, Noah Emmerich, Boyd Holbrook, Todd Stashwick, River Shields, Jacob Browne, Sam Quinn
Año: 2016
Duración: 98'
Crítico Colaborador: G.Pérez

Valoración:





Del cineasta de la magnífica Warrior,  nos llega una historia del oeste que de venganza tiene poco... 

Jane (Natalie Portman) es una esposa y madre que vive en una casita alejada en pleno oeste americano. Todo es tranquilo hasta que su marido Ham (Noah Emmerich) regresa con varios balazos y con una advertencia: una amenaza de su pasado común sabe dónde están y van a por ellos. Con su marido incapacitado para poder huir, decide hacer frente a la banda de forajidos de McCaan (Ewan McGregor) en su casa. Para ello, pedirá ayuda a Dan Frost (Joel Edgerton) un hombre con quien también tuvo una historia común y el presente y pasado de ambos se volverán a cruzar en espera de la llegada de McCaan...



Creo que lo primero casi obligatorio que hay que decir de esta cinta es que engaña. Cuando tú piensas en una historia de venganza, esperas encontrarte con que la protagonista va en busca de los malhechores que han matado a su marido como en cualquier buena historia de venganza. De hecho ya no es solo el título, sino hasta el propio trailer te lo da a entender. No deja de ser algo curioso, cuando te encuentras que en realidad es al revés y es la banda de McCaan la que busca vengaza contra Ham y por ende Jane.



Ya hablando de la película, hay que decir que resulta entretenida, tiene buen ritmo y ayuda mucho esos noventa minutos que dura ya que en estos tiempo parece obligatorio que una cinta dure más de dos horas. Pero tiene algunos problemas (que tampoco son muchos) que al final el director no consigue apaliar. Por un lado, se encuentra el excesivo número de flashbacks que mete que no sólo en ciertos momentos resultan innecesarios ya que los cuentan más adelante en una conversación, sino que además, al repetirse varias veces, te sacan de la historia principal que quieren contar que es el vicio que suele ocurrir cuando se usa los flashbacks de forma excesiva (ya le ocurrió algo parecido a Deadpool). Y por otro lado, está la poca valentía por parte del equipo responsable, cayendo en el cliché y en la simplicidad de contentar al espectador. La tónica de la película, buscaba otro devenir de acontecimientos que al final no se produce. Mientras que en Slow West consiguen dar con la tecla en este sentido, en La venganza de Jane queda todo muy descafeinado y artificial a causa de no dar a la historia la crueldad y el tono gris que requería.



En cuanto al reparto, no hay nadie que desentone haciendo personajes bastante sobrios y convincentes. Quizás la nota freak la dé Joel Edgerton ya que tendrá sentimientos encontrados: volver a trabajar con el director que le llevo al estrellato encarnando a Brendan Conlon; y reencontrarse con Natalie y Ewan que ya había trabajado con ellos en Star Wars como el tío Owen saga que dentro de su intrascendente papel, le dio la oportunidad de tener una cara reconocible en el mundillo del cine. Sin duda, un gran actor que se ha ganado con su esfuerzo ser un rostro reconocible en el panorama actual.

No se podrá decir que La venganza de Jane sea la mejor película de Gavin O'Connor pero sí tiene aspectos positivos que viendo el panorama actual de la cartelera, haga que merezca la pena echarle un vistazo 




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