El 2019 llegó a su fin. Como cada año en Doctor Somier, los redactores disfrutamos de nuestra sustancial paga extra (risas), tomando nuestras copas de champan. Como muestra de nuestra generosidad vamos dejando nuestro particular top, con lo mejor, lo peor y lo MEH. Aquí a Pagalitros (el mismo que escribe en Adicine.com y en 20 sitios más) le toca su turno de hacer repaso a lo visto durante estos 12 meses.
En líneas generales, se ha roto la racha de años anteriores, ha sido un buen año de entretenimiento. Hemos visto el fin de grandes sagas (tanto en cine como en televisión), la llegada de interesante proyectos y personajes. Pero por otro, hay cierta sensación de agotamiento, por parte de los "ofendiditos" y sus verdades absolutas en esa absurda batalla en las redes sociales, sobre que es bueno o malo. Pero a nosotros nos da igual, seguiremos disfrutando del cine como el primer día. Esperemos que con la llegada de los locos años 20 (ya sabéis todo el mundo a bailar el charleston), tengamos unos grandes 366 (este año es bisiesto) días de cine.
Lo mejor
Lo peor
Lo MEH
Erase una vez en Hollywood
Muñeco diabólico
Hellboy
Shaft (2019)
Objetivo Washington D.C.
6 en la sombra
Capitana Marvel
Point black: Cuenta atras
Aladdin
Criminales en el mar
Replicas
Dinero sucio
El camino
Venganza bajo cero
Midway
Emboscada final
Timadoras compulsivas
Desaparecida (Angel of mine)
Extremadamente cruel,...
Juliet, desnuda
Joker
Mula
Feliz día de tu muerte 2
Peleando en familia
Rambo: Last Blood
Future World
The dirt
Vengadores: Endgame
Terminator Destino Oscuro
Yo soy Dolomite
X-men: Fénix Oscura
Shazam
Arizona
Spiderman: Lejos de casa
Mandy
Triple frontera
Mi cena con Hervé
Star Wars: El ascenso de Skywalker
Avengement
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Título: El crack Cero
Dirección: José Luis Garci
País: España Actores: Carlos Santos, Miguel Ángel Muñoz, Luisa Gavasa, Patricia Vico, Pedro Casablanc, María Cantuel, Macarena Gómez, Belén López, Raúl Mérida, Cayetana Guillén Cuervo, Luis Varela, Ramón Langa, Andoni Ferreño, Alfonso Delgado, Jacobo Dicenta, Samuel Miró, Susana Paz, Jero García, Daniel Huarte
Año: 2019 Duración: 120' Crítico colaborador:Warriors77
Valoración:
Rodada íntegramente en blanco y negro, y ambientada en la transición, la trama empieza con el suicidio del sastre Narciso Benavides. Su amante, Remedios (Patricia Vico), acude en ayuda del antiguo policía de la Brigada Criminal y ahora detective privado, Germán Areta (Carlos Santos), para que investigue acerca de acerca de su muerte. Para ello, Areta contará con la ayuda del raterillo Moro (Miguel Ángel Muñoz). Pero como siempre, nada es lo que parece en un principio.
Además de los intérpretes mencionados, dentro del reparto nos encontramos con caras tan conocidas como Pedro Casablanc, dando vida al abuelo, que en los dos anteriores cracks diera vida José Bodalo; María Cantuel como Adela, el interés amoroso de Areta; Macarena Gómez en el rol de Luisa, la secretaria del fallecido Benavides; Ramón Langa; Andoni Ferreño, como "el Solomillo", antiguo compañero de Areta; Luis Varela como Rocky, el barbero de confianza de Areta y que fue interpretado en las dos anteriores cintas por Manuel Lorenzo o Daniel Huarte como Meri, a quién dio vida José Luis Merino en el crack 1 y 2.
Cuando se anunció esta precuela del crack, una de mis cintas favoritas, me alegré bastante. Puesto que durante años, y seguro que no fui el único, estuve esperando ver a Landa volver a dar vida a uno de sus roles más reconocidos. Pero, por diversas circunstancias, la tan ansiada tercera parte del crack no pudo hacerse realidad.
Pero, ahora por fin, los seguidores de Areta podemos ver como "el Piojo" creó su agencia de detectives, como conoció al "Moro", de dónde sacó su apodo y cómo fue uno de sus primeros casos. Si esto fuera una producción estadounidense, se podía haber titulado Areta Begins. De hecho, el primer título barajado fue Areta investigación, para acabar titulándose como El crack cero.
Y he decir que la espera ha merecido la pena. Voy a tratar que el fan que soy del crack no salga del todo a la luz, y ser lo más imparcial posible acerca de la última propuesta del director de Volver a empezar o Las verdes praderas. Como buen seguidor del cine negro que es Garci, de hecho el film está dedicado a James M. Cain, autor de Pacto de Sangre que dio pie a Perdición, tal y como los dos anteriores cracks estuvieron dedicados a Hammet y Chandler, padres de la literatura negra.
De lo que no hay duda es que Garci le tiene bien cogido el pulso al cine negro. Se toma su tiempo en presentarnos a los personajes, las situaciones y en no descubrirnos más de lo necesario, de forma que los espectadores no sepan más que el detective, y vayan descubriendo las pistas a la vez que lo hace Areta.
Cuando se anunció el reparto, tenía mis dudas acerca de los dos principales intérpretes a la hora de dar vida a dos personajes tan icónicos como "el Piojo" y "el Moro", y más siendo Landa y Rellán quienes les dieron vida. Pronto esas dudas quedaron disipadas. Santos está muy bien como Areta, siendo un más que digno sucesor de Landa. Pero quien sin duda me sorprendió para bien fue Muñoz. El que fuera intérprete de Un paso adelante, aprueba con nota, y espero que siga así en futuros papeles. Tal y como hiciera Rellán en los dos anteriores cracks, supone el alivio cómico en no pocas ocasiones, aunque también tiene ocasión para lucirse en un par de escenas dramáticas.
Aun así a la cinta hay que sacarle un par de peros. La primera es que Garci deja una trama secundaria coja, tranquilos que no os voy a reventar nada de la trama, aunque más o menos se deja entrever el destino de uno de sus protagonistas. Pero este argumento nos sirve para presentarnos, por si había alguna duda, a Areta como un tipo íntegro y que no se deja vender, por muy alto que sea el precio.
El segundo pero es una incongruencia de guión, o al menos eso me pareció entender. En un momento determinado de la cinta, Areta y el abuelo se reúnen, y una vez más se dejan entrever los motivos que llevaron al ahora detective a su salida de la policía. Si en El crack 2 se nombraba una investigación, ahora Garci y su guionista nombran el caso Almería. ¿Mala memoria de Garci, fallo de guión, no quiere dejar claro el verdadero motivo?
El tercero es que esta cinta toma elementos del crack uno y dos. El personaje interpretado por Andoni Ferreño recuerda al interpretado por Manuel Tejada, el inicio de la cinta con la partida de mus recuerda al del crack dos y lo que pasa después recuerda, y mucho, a los impactantes principios de los primeros cracks.
Con esto Garci no solo se homenaje a sí mismo y a sus cintas más famosas, sino que también lanza unos guiños a los seguidores de las mismas.
Pero son un par de detalles sin importancia, que no tienen por qué dejarnos de disfrutar una vez más de uno de los mejores personajes que ha dado nuestra filmografía negra. Si os gustaron los anteriores cracks, no lo dudéis y ved esta precuela. Seguro que no os arrepentiréis.
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Título: Padre no hay más que uno Dirección: Santiago Segura País: España Actores: Santiago Segura, Toni Acosta, Silvia Abril, Leo Harlem, Anabel Alonso, Pepa Charro, Wendy Ramos, Fernando Gil, Goizalde Núñez, Luna Fulgencio, Martina D'Antiochia
Año: 2019 Duración: ? Crítico colaborador:Yolanda (@Mami3.0)
Valoración:
Nos llena de orgullo y satisfacción anunciar que desde esta crítica, colaboraremos puntualmente con el blog sobre maternidad "Mami3.0" ¿Y cómo es eso? pues Yolanda, fundadora del blog y hermana de nuestro colaborador habitual Warriors77 de Cinefagia80, se ocupará cuando pueda de las "películas familiares", para darnos una visión distinta sobre este cine, más cercana a lo que unos padres pueden desear saber, como: "¿Será una película apta para niños muy pequeños o se aburrirán?", "¿Será muy infantil o me gustará también?".
Desde este prisma, Yolanda nos desgranará los films.
Bienvenida a nuestra familia, donde ya estaba parte de la tuya.
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Os contaré una cosa, mi hermano mayor es un cinéfilo empedernido, gracias a él desde pequeña, he podido disfrutar de muchos géneros cinematográficos y una de mis películas favoritas era “Padre no hay mas que dos” de Andrés Pajares y Fernando Esteso: padres separados que tienen que hacerse cargo de una buena tropa de hijos. Siendo Santiago Segura otro gran cinéfilo y amante del cine español de antes y sus actores (recordemos cómo recuperó a Tony Leblanc en sus películas de Torrente), me pregunto, salvando las distancias y diferencias y empezando por el título que es similar……. ¿Será la nueva película de Santiago Segura un guiño, un remake modernizado o un homenaje a estos actores y a aquel maravilloso film?
En "Padre no hay más que uno", Santiago Segura y Toñi Acosta son padres de 5 hijos, él, adicto al trabajo, y ella madre entregada al cuidado de la casa y los hijos, a parte de su trabajo. ¿Qué ocurre cuando esa madre, harta de la rutina y un marido “sabelotodo” que piensa que el cuidado de los niños esta “chupado”, decide darse un merecido descanso y se marcha una semana de vacaciones?
Bajo esta premisa, a partir de entonces vamos a disfrutar en clave de humor y sarcasmo, de un padre que descubre la difícil tarea de ser papá 24 horas al día, mezclada con la adolescencia, la rebeldía, las rabietas y las interminables preguntas de cada uno de sus hijos, los colegios, las mamis del cole, extraescolares ……. Y nos iremos metiendo en un día a día caótico y en un ¿qué mas les puede pasar? Pero lo más importante es que tanto padre como hijos pasan de ser prácticamente unos desconocidos a conocerse por fin de verdad.
La película cumple su cometido entreteniendo y llegando, con muchas alusiones a cosas sobre los tiempos que vivimos, al publico infantil y preadolescente (cabe destacar también que la actriz que da vida a la hija mayor es una conocida youtuber, que a mi hija le encanta, por cierto)
A parte del humor sarcástico, una de las cosas que más me han gustado, como madre de dos niños, es verme reconocida en muchas situaciones, así que creo que a los papis les va a gustar
Por último, uno de los alicientes que para mí tenía esta película es que varias escenas están rodadas en Guadalajara, mi ciudad (compartiendo exteriores con Madrid y Toledo), de hecho pude observar en directo como se rodaba una de esas escenas, y verlo en la gran pantalla, no os negaré que me ha hecho ilusión
En definitiva, una película que me recuerda al cine español de antes, en clave de comedia actual, perfecta para disfrutarla en familia una tarde de verano.
Hasta la próxima peli 😉
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Título: Spider-Man: Lejos de casa Título original: Spider-Man: Far from home Dirección: Jon Watts País: EEUU Actores: Tom Holland, Zendaya, Jacob Batalon, Jake Gyllenhaal, Marisa Tomei, Michael Keaton, J.B. Smoove, Jon Favreau, Samuel L. Jackson, Cobie Smulders, Angourie Rice, Davina Sitaram, Martin Starr, Remy Hii, Tony Revolori, Numan Acar, Samantha Mishinski, Hemky Madera, Eric Patrick Cameron, Ruth Horrocks, Joseph Long, Jeroen van Koningsbrugge, Sonia Goswami, Peter Bankole, Emily Ng, Giada Benedetti, Hiten Patel, Bruno Bilotta, Michael de Roos Año: 2019 Duración: 129' Crítico colaborador: Antonio Ramón Jiménez Peña
Valoración:
Spider-Man: Lejos de casa. Del ingenio y otras carencias.
Spider-Man: Lejos de casa llegaba para cerrar una era en el Universo Cinematográfico Marvel, tal como se empeñó en recordar Kevin Feige en unas imágenes previas al visionado de la nueva película de nuestro amigo y vecino. Y esa, la tónica de la insistencia burda y la repetición, es la que conduce a la secuela de Homecoming a un fracaso maquillado de triunfo en su segunda mitad, que cambia de rumbo para intentar salvar los muebles de un ejercicio carente de imaginación y del carisma que Tom Holland y Jake Gylenhall se empeñan en dotar a unos personajes maniqueos en exceso. De hecho, el corte a la primera escena tras la animación de los créditos iniciales es hasta sintomático: pasamos de la imagen de Columbia Pictures con la mítica efigie que sostiene una antorcha que ilumina la pantalla a una estatua de piedra en una carretera que rápidamente es ignorada con un frenético paneo que sigue a un coche en el que se encuentran Nick Furia y Maria Hill. El destello y la luz de la figura original no sólo han desaparecido en el único intento de coherencia estética del filme, sino que, además, la escultura de piedra tiene apenas un segundo en pantalla antes de que nos traslademos al lugar donde John Watts prefiere situarnos: el de la acción frenética y constante, sin tiempo para la contemplación o la búsqueda de originalidad formal. El viaje de Peter Parker a Europa, culminación de esta falta flagrante de imaginación y del camino hacia la infantilización que Disney sigue promoviendo en las películas Marvel, no sólo coquetea la vergüenza ajena en su
concepción humorística, sino que, además, demuestra el poco ingenio de su director para planificar una secuencia en la que lo único que destaca es una cámara temblorosa y al hombro que no parece tener función más allá de cambiar el ritmo de la cinta hacia el videoclip.
El continuo ensalzamiento a Tony Stark, también en línea con la agresiva campaña de marketing del estudio sobre el nuevo Iron Man, no sólo desdibuja la verdadera asunción de la pérdida a la que se enfrenta Peter Parker, sino que, además, deifica al personaje que interpretó Robert Downey Jr. en pos de un fan-service rancio y conformista. Por suerte, Mysterio salva la situación durante el primer tramo, y se convierte, a excepción de la escena que divide la película en dos, en la única demostración de que aún quedan ideas en la casa del mismo nombre. El personaje de Gyllenhaal, además de tener una magnífica química con Tom Holland, protagoniza la mutación conspiranoica de la cinta en su segunda mitad, sembrando también una interesante reflexión sobre el artificio que bien podría achacarse a Marvel Studios en particular y a todo el audiovisual por el abuso de efectos especiales. Pareciera entonces que por fin Watts ha tomado la batuta, decidiendo, al menos desde sus planteamientos narrativos, la voz de su película, pero el atrevimiento llega tarde y a costa de destrozar el personaje de MJ, cuyas trazas de complejidad se desdibujan hasta convertirla en mero trofeo para el héroe salvador. El final de la cinta siembra, eso sí, un futuro movido para el Universo Marvel, brillante guiño mediante incluido en la escena ¿postcréditos? -interrogado aquí porque, aunque ocurre entre los créditos finales, suena más a desenlace de la propia película, a modo de cliffhanger, que a escena extra- en la que resuena el triunfo del bulo y el engaño. Tal y como el que la Casa de las Ideas nos ha intentado colar.
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Título: X-Men: Fénix oscura Título original: X-men: Dark Phoenix Dirección: Simon Kinberg País: EEUU Actores: Sophie Turner, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Jessica Chastain, Nicholas Hoult, Tye Sheridan, Alexandra Shipp, Kodi Smit-McPhee, Evan Peters, Scott Shepherd, Ato Essandoh, Brian d'Arcy James, Summer Fontana, Hannah Emily Anderson
Año: 2019 Duración: 116' Crítico colaborador: JJ Bonal
Valoración:
El viernes 7 de junio, la escuela de jóvenes talentos del profesor Charles Xavier se despide de la FOX con su última entrega. X-Men: Fénix Oscura, que sigue la estela de “Primera Generación”, “Días del futuro pasado” y “Apocalipsis”. Ambientada en los años setenta, los X-Men son enviados a auxiliar a los miembros de una fallida misión espacial. Sin embargo, en el transcurso del rescate, una fuerza cósmica desconocida entrará en el cuerpo de la joven Jean Grey, desatando consecuencias devastadoras.
La película cumple. Por desgracia, también sigue la estela de otras películas de superhéroes, que nos presenta un villano protagonista de una larga saga de los cómics (en este caso, la Fuerza Fénix), y que se nos finiquita en una única entrega. Ultron, Apocalipsis, Dormammu... Y ahora se une al club la fuerza psiónica.
El guión de Simon Kinnberg, (que también corre a cargo de la dirección), se centra en las sagas de Fénix y Fénix Oscura. Desgraciadamente a pesar de centrarse en esas dos sagas, la trama no es fluida, avanza a diferentes saltos bastante abruptos y no convence. Los personajes principales apenas tienen unas lineas y vemos una mezcla de angustia con ira por parte de Jean Grey, pero desde luego no una fuerza oscura que la vaya poseyendo poco a poco. Francamente, cabría esperar un mejor trabajo para un cierre de saga. Ojo, la película en si no es mala. La interpretación de Sophie Turner es correcta, (aunque queda eclipsada por el dúo Fassbender-McAvoy, cuya linea que separa el héroe del villano es más fina y difusa que nunca) también con correctos la fotografía, la musical o el enfoque. En general tiene todo lo necesario para ser una buena película. El problema es que te deja totalmente frío, y con la sensación de haber sido un desperdicio de tiempo. En cuanto al villano final, veremos una actuación absolutamente plana por parte de Jessica Chastain. Es imposible tomarse este villano en serio. Entre sosa y mediocre, a la altura del filme.
En mi opinión, si eres un gran fanático de las películas de los X-Men y los mutantes al que no importa más que los personajes, o te gustó su predecesora, podrás disfrutar viéndola. No obstante, en general no recomiendo verla fuera del día del espectador. Y si queréis disfrutar de una Fénix realmente oscura y movida por sus pasiones, tirad de hemeroteca y visionad “X-Men III, la decisión final”.
Enviáis a una cría a hacer el trabajo de una mujer. Y luego pasa lo que pasa...
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Volvemos a la acción, con un nuevo estreno para la pequeña pantalla. Miracle Workers es una comedia que se podría decir que es divina, por lo menos por su temática. Estrenada hace un par de semana por el canal TNT, nos encontramos con una comedia donde sus caras más conocidas son Daniel Radcliffe (en un nuevo intento por hacernos olvidar a su Harry Potter) y Steve Buscemi, de regreso a televisión tras Broadwalk Empire, donde interpreta a Dios.
Dios (Buscemi) está aburrido y tiene una idea, la de crear una especie de restaurante rotatorio. Pero antes tiene que hacer algo que tenía pendiente desde hace tiempo, destruir la Tierra. Eliza (Geraldine Viswanathan) acaba de ser trasladada al departamento de plegarias, donde sólo trabaja Craig (Radcliffe), ante el cierre del departamento, le propone a su jefe que si es capaz de realizar una sola plegaria catalogada de "imposible" en dos semanas, la Tierra se salvará.
Esta es la premisa de Miracle Workers, una divertida y gamberra propuesta, que durante sus primeros episodios nos ha servido a modo de presentación de sus personajes, y su trama central. Habría que destacar a Steve Buscemi, como ese Dios despreocupado de todo, que en general tiene una serie de ideas innovadoras que, por una cosa u otra, está más interesado en la creación de su restaurante. Por otro lado, muestra también su lado vengativo, cuando ve por televisión a un cómico ateo.
Por si alguien se lo pregunta, nuestro Harry Potter, interpreta a un currito del cielo que no tiene amigos y está entregado por completo a su trabajo. Aunque la mayoría de las veces se dedica a buscar las llaves de la gente que se lo pide en sus plegarias. Con la llegada de Eliza, suponemos que tendrán más de un conflicto de intereses, ya que ella es todo lo contrario.
Además tenemos a secundarios, como Sanjay, un ejecutivo pelota bastante estirado, que anteriormente trabajaba en el departamento de plegarias. No hace muy buenas migas con Craig y Eliza. Rosie, la secretaria de Dios, que evitará participar en cualquier tarea a la que su jefe le asigna. Y por último, Sam y Laura, la pareja de jóvenes que nuestros protagonistas tienen que unir para poder salvar a la humanidad.
La serie se basa en la obra What in God’s Name, escrita por Simon Rich, que es también el creador de la serie. En la producción ha participado uno de los grandes nombres de la comedia americana que es Lorne Michaels, el creador del mítico programa de televisión Saturday Night Live. Además de sus protagonistas, Buscemi y Radcliffe.
Con todo esto, Miracle Workers, es una serie que promete. Aquellos a los que les gustan las comedias con cierta mala baba, le deben de dar una oportunidad.
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Muchos de nosotros, entre los que me incluyo, en la banda sonora de su infancia incluirían el opening de las muchas variantes que existieron de la saga Dragon Ball. Incluso hasta aquella saga que seguro que se gestó después de un”A que no tienes coj...”, llamada Dragon Ball GT, la cual, aunque en su mayoría fue una broma de mal gusto, tuvo una saga dentro de la saga (sólo una, de las muchas que hubo) ciertamente aceptable: La del enano cabrón llamado Baby.
Quien más y quien menos, ha hecho un Kame Hame Ha (el que se inventó lo de Onda Vital, allá haya tenido que exiliarse a un país feo como un lunes al volver de vacaciones), se ha intentado convertir en Súper Guerrero, etc. Dragon Ball es sinónimo de una época. Y como estamos inmersos en la moda de la nostalgia (o traduciendo, recuperando viejas ideas porque no hay imaginación ni dinero para otra cosa) muchas viejas series intentan revivir aunque sea una milésima gota de las mieles del éxito que disfrutaron años, e incluso décadas atrás.
Dragon Ball no es una excepción. Después de una más que correcta vuelta con una película que introducía a un personaje a la altura de los más clásicos, siguió el retorno dentro del retorno, que no fue otra cosa que resucitar a un personaje que, aunque es para mí de los mejores de la saga, empieza a ser más aborrecible y cansino que los chistes de Millán Salcedo.
Todo
personaje que venga después de mi será caca de la vaca, y lo sabes
¿Qué nos presenta esta tercera película? Pues sin ánimo de hacer spoilers, seré claro y directo: Tomarnos por gilipollas, ofrecernos una trama infantiloide que se pasa por el forro cierta parte de la historia del personaje que aquí nos ¿presentan? Todo esto sabedores de que en vez de estar atados a una hipoteca y de crear una prole, como personas de provecho… estaremos expectantes en la puerta del cine cual adolescentes ante un concierto de los Gemeliers.
La primera media hora es ciertamente salvable. Presenta la historia de los saiyajins. A pesar de que no dice nada que no supiéramos o intuyéramos (¿El Rey Vegeta un cabroncete? Quién lo diría) mostrando más o menos los orígenes del planeta Saiyan, el cual fue sometido más pronto que tarde por el ejercito de Freezer. Dicha media hora no es otra cosa que una burda estratagema para meter con calzador de nuevo al personaje anteriormente citado, que posteriormente si le hubieran puesto unos pompones en plan animadora a favor Broly, tampoco habría desentonado. Total, no aporta un carajo a la trama, y si no aparece, tampoco nadie lo echaría de menos. De veras, soy un acérrimo fan de dicho personaje, pero empieza a ganarse el título de cansino histórico.
Muchos otros personajes míticos de la saga, aparecen a modo de cameo innecesario y metido con calzador, siempre que quisieras meter un pie de talla 42 en un zapato de talla 38 (¿Alguien ha dicho Piccolo?)
Posteriormente, viene lo realmente interesante, y por lo que a todos nos gusta Dragon Ball: Las tollinas. La pelea tiene bastante ritmo, está animada de manera bastante decente, y a pesar de que repita la misma canción todo el rato, se hace amena. Cabe destacar también la animación. En algunos momentos, se nota de sobremanera (para bien) el ordenador, y en otras ocasiones es bochornosamente horrenda (momentos en los que los personajes no tienen NINGUNA expresión facial).
Todo se resuelve finalmente, de un modo muy dragonballniano. Al fin y al cabo es una serie infantil, y el final de ésta película le hace bastante justicia a tal hecho.
Conclusión: Diría que la película hará las delicias de los fans... pero ni eso. A mi parecer, la saga ya empieza a evidenciar signos de agotamiento. Que algo haya sido un fenómeno relevante, no justifica que tenga que serlo de manera perpetua.
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Título original: Angie Tribeca
Año: 2016
Duración: 24 min.
País: Estados Unidos
Creadores: Nancy Carell, Steve Carell
Guion: Nancy Carell, Steve Carell, Marisa Pinson, Alex J. Reid, Ava Tramer
Música: Jim Latham
Fotografía: Tom Magill, Matt Sohn
Reparto: Rashida Jones, Jere Burns, Deon Cole, Hayes MacArthur, Andree Vermeulen, Chidi Ajufo, Laura Bell Bundy, Andreas Wigand
Productora: Carousel Television / 301 Productions / TBS Productions
Género: Comedia, Policíaco
Redactor: Pagalitros
Valoración:
Hoy el amigo Pagalitros viene a recomendaros una comedia que puede que haya pasado algo desapercibida, y que ahora con el estreno de su cuarta temporada, va siendo hora de comentar. Se trata de Angie Tribeca, creada por el actor Steve Carrell (el Michael Scott de The Office) y su esposa Nancy. Ambos recuperan la idea de usar el humor absurdo de Agárralo como puedas, con esta serie que se ríe de los típicos show policíacos de la actualidad al estilo CSI o NCIS.
La detective Angie Tribeca trabaja en el departamento policial de Los Angeles. Ahora le han asignado un nuevo compañero, Geils, con el que tendrá que investigar una serie de delitos que pueden estar relacionados con la desaparición de un antiguo amor de ella, el sargento Pepper. La pareja de detectives no estarán solos, contarán con la ayuda de los detectives Tannen y Hoffman, este último un pastor alemán.
Lo primera que llama la atención, es el humor paródico de la serie, ya que en apenas sus veintipocos minutos pasan mil y un gags por un minuto. Aquel espectador que no este acostumbrado este tipo de humor, se llevará una grata sorpresa, ya que el guión trata de evitar el humor facilón (a base de escatología) que se suele hacer habitualmente en películas tipo Casi 300 o las últimas entregas de Scary Movie. Nos encontramos con bromas más elaboradas, e incluso algunas muy divertidas, tampoco falta alguna fallida (no son perfectos).
Además se ríe de los tópicos mil veces visto en este tipo de shows policíacos procedimentales. Donde nos encontramos con un equipo muy profesional, unos personajes que se ríen de los arquetipos (en el equipo de Angie tenemos, como no, al afroamericano graciosete) donde hay un jefe que no para de gritarles y donde los forenses tienen unos métodos muy particulares a la hora de dar con las pistas.
Como ya he mencionado, la serie no es perfecta, tras ver algunos episodios, el efecto de frescura y originalidad de las bromas desaparecen y en ocasiones sabes por dónde van a venir. Pero para sorpresa de todos, hay cierta continuidad que hace que te mantenga pendiente de lo que le suceden a nuestros protagonistas, y en especial a Angie.
Porque otro de los aciertos de la serie es contar con Rashida Jones (también vista en The Office), la cual se convierte en la versión femenina de Frank Drebin, el protagonista de la mencionada Agárralo como puedas. Su Angie es una intrépida detective, capaz de resolver cualquier caso, pero que tiene problemas a la hora de entablar una relación sentimental. A pesar que su compañero, Gails, desde el primer minuto se muestra más que interesado en ella.
El resto del reparto cumple de sobra, donde tenemos a ese teniente que no para de gritar y de decir cosas absurdas que interpreta Jere Burns (visto en mil series como Justified o Burn Notice), Deon Cole (visto en Black-ish) como el simpático del grupo, la doctora Scholls (pues sí, como la famosa marca de plantillas) o el simpático Hoffman, el agente canino más humano del departamento.
Además, en estas cuatro temporada se han dejado ver una gran cantidad de cameos y roles secundarios por parte de gente como James Franco, Lisa Kudrow, Alfred Molina, Bill Murray, Nathalie Portman, Chris Pine, Heather Graham, Jon Hamm o Bobby Cannavale. Este último interpretando al hijo de nuestra de Angie. Nuestra protagonista, tras se ingresada en la cárcel durante 20 años, es de nuevo reclutada por una nueva unidad especial de crímenes.
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Título: Mirai, mi hermana pequeña Título original: Mirai Dirección: Mamoru Hosoda País: Japón Actores: Animación Año: 2018 Duración: 100' Crítico colaborador: Antonio Ramón Jiménez Peña
Valoración:
Kun, un cascarrabias de 4 años de edad, es el protagonista de ‘Mirai, mi hermana pequeña’. La nueva película de Mamoru Hosoda es un relato fluido y discontinuo conducido por la percepción del pequeño en un nuevo evento de su vida: el nacimiento de su hermana Mirai. La mirada del niño, guía de la película, explica las fluctuaciones que afectan al relato en su estructura episódica, como recuerdos concretos de nuestra infancia que permanecen en nosotros y aparecen inconexos en nuestra mente, pero también a la convivencia entre realidad e imaginación, fundidos en un binomio inseparable.
El niño se convertirá, a través de un simbólico árbol que le servirá de modo de zona de despegue, en un viajero de sus fluctuaciones entre su vívido ingenio y su propia realidad, paseando por sus hojas a través de pasado, presente y futuro y, finalmente, entre recuerdo y verdad. No lo hará solo, pues como si de una navidad dickensiana se tratase, espectros de otro tiempo (su perro humanizado en el presente, su hermana desde el futuro y su abuelo desde el pasado) le acompañarán en un camino que le llevará, como al excéntrico Ebezener Scrooge, a conciliar su particular y odiada fiesta: su condición como hermano mayor.
El exceso de verbalización a lo largo de la película, demasiado explicativa en su tramo final, delata las intenciones de Hosoda, que con su séptimo largometraje prolonga la exploración que le obsesiona en su carrera: las relaciones interpersonales, desde la conciliación entre la niñez y la vejez en ‘Summer wars’ hasta las relaciones paterno-filiales en ‘El niño y la bestia’, pasando por la amistad adolescente en ‘La chica que saltaba a través del tiempo’ a la relación materna con sus hijos en ‘Los niños lobo’.
En ‘Mirai, mi hermana pequeña’, la preocupación temática principal es la relación entre hermanos, pero también hay reflexiones muy marcadas sobre la paternidad, la división de los cuidados o el trabajo doméstico del varón, exteriorizadas desde los padres de Kun. Sin olvidar otras cuestiones como el paso del tiempo, el recuerdo frente a la verdad e incluso las secuelas de la Segunda Guerra Mundial, que aún resuenan en la memoria japonesa. Hosoda construye la que es, hasta la fecha, su película más ambiciosa.
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Y seguimos con las series, ahora en invierno con todo el frío ¿Quién es el guapo que se acerca a una sala de cine? Netflix hace poco ha estrenado la segunda temporada de Amigos de la universidad, una tragicomedia protagonizada por seis amigos, que como reza su título, se conocen de sus tiempos de universitarios.
El director Nicholas Stoller (Malditos vecinos) y Francesca Delbanco, son los creadores y productores ejecutivos, además de participar en la dirección de varios episodios. La historia se centra en este grupito de amigos que estudiaron en Harvard. Ahora se enfrentan a la crisis de los 40. Algunos de ellos con éxito y otros que no se comen ni una rosca. Las relaciones ahora se volverán más complicadas, a pesar que están buscando el equilibro, siempre están añorando el pasado.
Por ahí viene Pagalitros. Hacer como que no lo vemos.
En la primera temporada, Ethan y Lisa se mudan a Nueva York, para unas nuevas aventuras laborales (él es escritor y ella abogada). Su recuentro con Marianne, Nick, Max y Sam, será más movidito de lo que pensaban. Sam tiene un affaire con Ethan, que comenzaron en la universidad, y será una de las tramas principales, junto con el intento de Lisa de quedarse embarazada.
Ya en esta segunda temporada Ethan y Lisa se han divorciado, algo parecido le sucede a Sam. Max está a punto de casarse (a pesar que casi acaba de separarse de su novio en la anterior temporada). Mientras que Nick intenta dejar a las jovencitas para tener una relación con una mujer más acorde a su edad (a pesar de que está enamorado de Lisa), y Marianne sigue en las típicas cosas de actriz en paro.
Que sí, que tenéis que leerme en Doctor Somier todos los meses, que escribo unos artículos muy divertidos.
Al igual que la primera temporada, a la serie al principio le cuesta arrancar, pero una vez pasados sus dos primeros episodios, el grupo de amigos empezarán a interactuar más entre ellos. Lo veremos en situación cómicas e hilarantes, como la celebración del 4 de Julio, una cutre despedida de soltero en Atlantic City (con canciones de Spice Girls), un inesperado funeral patrocinado por un refresco de moda y el culmen final, la boda de Max.
Se nota que la idea, vendría de un guión para cine. Pero el salto a serie de televisión le viene genial. Se ve rapidísimo, son dos temporadas de 8 episodios cada una, con una duración de veintipocos minutos cada episodio. Vamos, que se puede ver en una tarde ambas temporadas.
Anda si en el fondo no es mal chaval. Luego si eso me paso a leer su artículo sobre Jacuzzi al pasado 2
En el reparto nos encontramos con Fred Savage. Si viviste los 80, conoces de sobra a este señor. Pues sí, el niño de Aquellos maravillosos años que se nos ha hecho mayor (bueno no mucho, que parece que no pegó el estirón), hace de Max. Keegan-Michael Key (al que hace poco vimos en la nueva entrega de Predator, que todo el mundo dice que es malísima aunque no la han visto) es Ethan, mientras que Cobie Smulders (Robin en Como conocí a vuestra madre) es Lisa, Annie Parisse es Sam, Nat Faxon es el pijo de Nick, y Jae Suh Park es Marianne.
Todos funcionan en sus roles con una buena química, y cohesionan el grupo, sobretodo en las escenas en las que Max y Ethan hablan sobre sus proyectos literarios (casi todos horribles novelas juveniles que parodian Los juegos del hambre o Crepúsculo). Además tenemos en pequeños papeles a Greg Germann (Ally McBeall), Kate McKinnon o Sarah Chalke.
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